titolo del Québec | Finzione succulenta |
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Titolo originale | Pulp Fiction |
Produzione | Quentin Tarantino |
Scenario |
Quentin Tarantino Roger Avary |
Attori principali | |
Aziende di produzione |
Jersey Film A Band Apart Miramax |
Paese d'origine | stati Uniti |
Genere |
Film di gangster commedia nera |
Durata |
154 minuti 164 minuti (versione lunga) |
Uscita | 1994 |
Per maggiori dettagli, vedere Scheda Tecnica e Distribuzione
Pulp Fiction [ p ʌ l p f ɪ k ʃ ə n ]o Pulp Fiction inQuebec, è unfilm di gangster americanodiretto daQuentin Tarantinoe pubblicato nel1994. Lasceneggiaturaè co-scritta da Tarantino eRoger Avary. Utilizzando la tecnicanarrativa non lineare, intreccia diverse storie i cui protagonisti sono membri dellamalavitadiLos Angelese si distingue per i suoi dialoghi stilizzati, la sua miscela di violenza e umorismo e molti riferimenti allacultura popolare. Il suo cast principale comprendeJohn Travolta, la cui carriera è stata ripresa da questo film,Samuel L. Jackson,Bruce WilliseUma Thurman.
Insignito della Palma d'Oro al Festival di Cannes del 1994 , oltre che dell'Oscar per la migliore sceneggiatura originale l'anno successivo, è stato un successo sia di critica che commerciale, stabilendo così definitivamente la reputazione di Tarantino. È, secondo la classifica stilata nel 2007 dall'AFI , il 94 ° miglior film americano di tutti i tempi. L'AFI anche la classe al 7 ° posto nella sua lista dei migliori film di gangster. Nel 2013, il film è stato selezionato dal National Film Registry per la conservazione presso la Library of Congress per il suo "significato culturale, storico o estetico" .
Il film rivendica la sua artificiosità ed è considerato uno dei principali rappresentanti del cinema postmoderno . La sua struttura e il suo stile non convenzionali ne hanno fatto un film di culto la cui influenza si è fatta sentire in molti altri film ma anche in altri campi culturali. Prende il nome da riviste pulp , il tipo di riviste popolari della prima metà del XX ° secolo, l' Stati Uniti e noti per la loro violenza grafica e dialoghi incisivi.
In una caffetteria di Los Angeles al mattino, una coppia di giovani rapinatori, Pumpkin (chiamato Ringo Jules) e Yolanda ( Tim Roth e Amanda Plummer ), discutono dei rischi legati alla loro attività. Alla fine decidono di attaccare il locale, per poter derubare sia lo stabilimento che i clienti.
Due mafiosi, Jules Winnfield ( Samuel L. Jackson ) e il suo amico Vincent Vega ( John Travolta ), che sta tornando da Amsterdam , hanno il compito di recuperare una valigetta dal contenuto misterioso e riportarla a Marsellus Wallace ( Ving Rhames ), il loro capo . Prima di iniziare la loro attività discutono di tutto e niente, Vincent che torna da Amsterdam parla delle differenze tra la vita in Europa e negli Stati Uniti e del sistema metrico decimale degli hamburger a Parigi, Jules gli racconta una storia in cui Marsellus avrebbe lanciato un un uomo di nome Tony Rocky Horror fuori dalla finestra per aver massaggiato i piedi di sua moglie Mia ( Uma Thurman ), i due amici poi si cimentano in un dibattito sul massaggio ai piedi delle donne e Vincent confida a Jules che Marsellus l'ha chiesto di tenere compagnia a Mia per un sera. Quindi interrompono la colazione di piccoli truffatori, Brett ( Frank Whaley ) e Roger ( Burr Steers ), che presumibilmente hanno cercato di superare Marsellus. Recuperano la valigetta e, come al solito, Julius cita un passaggio della Bibbia (che sarebbe nel libro di Ezechiele ) prima di uccidere Brett.
Poco dopo aver lasciato l'appartamento, Vincent e Jules arrivano in uno strip club gestito da Marsellus. Tuttavia, hanno inspiegabilmente scambiato i loro abiti eleganti con abiti da spiaggia. Marsellus mette i soldi Butch Coolidge ( Bruce Willis ), un pugile in tarda carriera alla vigilia del suo ultimo combattimento, e gli ha fatto promettere in cambio di "dormire" nel 5 ° recupero. Jules e Vincent danno la valigetta a Marsellus. Segue un breve confronto verbale tra Butch e Vincent. Questo scambio sembra far cambiare idea a Butch sul suo gioco che deve perdere.
Dopo una visita al suo rivenditore, Lance ( Eric Stoltz ), Vincent arriva da Mia ( Uma Thurman ). Si dirigono poi al Jack Rabbit Slim's , un ristorante a tema anni '50 : i camerieri sono vestiti da diverse celebrità come Buddy Holly , Marilyn Monroe e Zorro , anche i piatti e le bevande prendono il nome da celebrità degli anni '50 (steak Douglas Sirk , milkshake Martin e Lewis ) e la maggior parte delle tabelle vengono riconvertite in repliche di auto. Durante questa cena i due si conoscono, Mia parla della sua carriera di attrice e del suo ruolo nel pilot di una serie cancellata " Force Fox Five ", poi si rifiuta di raccontare a Vincent una barzelletta della serie. Vincent, nel frattempo, tira fuori l'incidente con Tony di cui Jules gli ha parlato, ma si scopre che questa storia è fittizia e che la vera ragione della caduta di Tony è sconosciuta. Vincent coglie l'occasione per assaggiare la specialità del ristorante: il milkshake da cinque dollari. Quando viene annunciato un concorso di twist , Mia si offre volontaria. Lei e Vincent vincono il trofeo ed entrano nella casa dei coniugi Wallace, tra loro due sembra nascere una bella alchimia. Vincent, solo in bagno, decide comunque di tornare a casa. Nel frattempo Mia, frugando nelle tasche del cappotto di Vincent, trova la borsa di eroina che Vincent ha comprato da Lance poche ore prima. Credendo che sia cocaina , sniffa una dose. Uscendo dal bagno, Vincent la trova in uno stato quasi comatoso. La porta quindi urgentemente da Lance e, una volta lì, aiutato da Jody ( Rosanna Arquette ), la moglie di Lance, Vincent dà a Mia una scarica di adrenalina nel cuore. La giovane donna riprende improvvisamente conoscenza e, prima di separarsi, Mia e Vincent decidono di tenere per sé questo incidente, poi Mia finalmente racconta la sua barzelletta della serie.
Addormentato negli spogliatoi a pochi minuti dalla sua ultima partita, Butch Coolidge ( Bruce Willis ) ha un sogno, che è anche un ricordo della sua infanzia, in cui il capitano Koons ( Christopher Walken ), un amico di suo padre, gli racconta, poi che era solo un bambino, la storia dell'orologio d'oro del suo bisnonno che è stato tramandato in diverse circostanze a suo nonno e poi a suo padre mentre ogni membro della famiglia ha partecipato a varie guerre e come l'orologio di quest'ultimo, morto in guerra, lo raggiunse da un campo di prigionia vietnamita . Nonostante abbia parlato con un bambino, Koons non è timido nel toccare i dettagli delicati sul fatto che il padre di Butch ha dovuto nascondere l'orologio nel suo retto per cinque anni. Butch esce improvvisamente dal suo sogno e vince la sua battaglia nonostante l'accordo fatto con Marsellus. Fugge appena esce dal ring, perché questa vittoria premeditata gli permette di fatto di intascare i guadagni delle scommesse fatte da un complice mentre gli veniva dato il perdente. Sapendo di essere braccato dagli uomini di Marsellus, parte per raggiungere la sua ragazza Fabienne ( Maria de Medeiros ), una francese simpatica ma piuttosto ingenua, in un hotel da dove ha intenzione di lasciare la città il giorno successivo. Tuttavia, mentre preparava la loro attività, Fabienne ha dimenticato l'orologio d'oro di Butch, a cui tiene molto.
Butch corre il rischio di tornare nel suo appartamento per prendere il suo orologio d'oro. Uccide Vincent, incaricato da Marsellus di aspettarlo, con la sua mitragliatrice mentre il gangster emerge dal bagno. Credendo di essere fuori portata, incontra Marsellus stesso. Dopo averlo investito con la sua auto e schiantandosi contro un altro veicolo, Butch viene inseguito da Marsellus. I due uomini si incontrano nel negozio di Maynard, un malizioso banco dei pegni ( Duane Whitaker ) che li prende entrambi prigionieri e fa visita a un misterioso Zed ( Peter Greene ). Quando Zed arriva, tira a sorte tra Butch e Marsellus e prima violenta quest'ultimo, designato dal caso, mentre Butch si scioglie e si prepara a lasciare il negozio. All'ultimo momento, la sua coscienza lo richiama all'ordine: afferra una katana e viene in aiuto di Marsellus. Uccide Maynard e tiene a bada Zed, che Marsellus poi spara ai genitali con un fucile . Marsellus poi chiarisce la situazione: perdona Butch se quest'ultimo tace su quanto è successo qui e se lascia la città per non rimetterci mai più piede. Butch accetta e quindi fugge con il suo amico Fabienne su di Zed chopper .
Nel bagno dell'appartamento di Brett, un terzo delinquente sente Jules uccidere i suoi amici. Esce dalla toilette e spara in direzione dei due sicari. Jules e Vincent, miracolosamente illesi, lo giustiziano senza ulteriori indugi. Mentre Vincent chiede al loro informatore Marvin ( Phil LaMarr ) perché non li ha avvertiti che un ultimo complice si stava nascondendo, Jules si interroga sul motivo della loro sopravvivenza. Contemplando il muro crivellato di proiettili, dichiara che si tratta di un intervento divino.
Più tardi, la conversazione continua nell'auto di Jules, quest'ultimo decide di abbandonare la professione. Vincent non lo prende sul serio, e chiede a Marvin il suo parere, rivolgendosi a lui, la sua Colt in mano. Il colpo si spegne, la testa di Marvin viene strappata via e l'auto e i suoi occupanti sono macchiati di sangue. Jules poi chiama Jimmy ( Quentin Tarantino ), un amico di lunga data che vive non lontano da dove si trovano. Questo lo aiuta, volente o nolente, mettendo, secondo le sue parole, in pericolo il suo matrimonio. Jules contatta Marsellus che gli invia Winston Wolfe ( Harvey Keitel ), un professionista incaricato di risolvere situazioni disperate. Sotto la sua direzione, l'auto viene truccata, il cadavere di Marvin e i costumi insanguinati vengono riposti nel bagagliaio e i due gangster si vestono con abiti da spiaggia appartenenti a Jimmy. Dopo essersi sbarazzati del veicolo, i due colleghi vanno a fare colazione nel bar-ristorante dove si trovano Ringo e Yolanda, e riprendono la discussione sull'annunciato ritiro di Jules.
Mentre Vincent è andato in bagno, Ringo e Yolanda iniziano la loro rapina. Jules, come gli altri clienti, mette il portafoglio nella borsa che Ringo gli porge. Ringo gli chiede di aprire la valigetta e il suo viso brilla di meraviglia quando vede il contenuto. È visibile una luce dorata, come quando Vincent l'ha aperta nell'appartamento di Brett e Roger. Tuttavia, Jules non è determinato a lasciare la preziosa valigetta a Ringo. Estrae la pistola e prende il controllo della situazione. Yolanda indica Jules e viene trattenuta da Vincent che esce dal bagno. L' impasse messicana non si trasforma in carneficina, però, perché Jules calma le acque: lascia che Ringo e Yolanda salvino loro la vita e, come primo atto di redenzione della sua nuova vita, li lascia andare anche con il bottino e il denaro che contiene .il suo portafoglio. Vincent e Jules lasciano quindi il ristorante per riportare la valigetta a Marsellus.
Le tre storie che compongono il film sono presentate in ordine non cronologico e hanno un protagonista principale diverso (Vincent Vega, Butch Coolidge e Jules Winnfield). Inoltre, l'epilogo del film si unisce alla prima scena introduttiva. Le tre storie principali, ciascuna identificata da un sottotitolo, sembrano essere indipendenti ma sono collegate tra loro per formare una trama che è stata descritta come "una narrazione episodica, con eventi circolari che aggiungono un inizio e una fine, e comprendente nella sua interezza. narrazione di riferimenti ad elementi di ciascuno degli altri episodi” .
Ordina nel film
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Ordine della trama
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John Travolta
interpreta Vincent Vega
Samuel L. Jackson
interpreta Jules Winnfield
Bruce Willis
interpreta Butch Coolidge
Uma Thurman
interpreta Mia Wallace
Ving Rhames
interpreta Marsellus Wallace
Harvey Keitel
interpreta il signor Wolfe
Tim Roth
interpreta Ringo
Amanda Plummer
interpreta Yolanda
Eric Stoltz
interpreta Lance
Rosanna Arquette
interpreta Jody
L'ispirazione iniziale per quello che sarebbe diventato Pulp Fiction era The Three Faces of Fear (1963), un film di sketch in tre parti di Mario Bava . Quentin Tarantino e Roger Avary decidono di scrivere un film in tre parti, ognuno dei quali scrive una parte e la terza ancora da definire. Il titolo provvisorio dato a questo progetto è Black Mask , secondo l'omonima rivista pulp . Ma la parte scritta da Tarantino diventa finalmente Le Iene , il suo primo film, mentre quello scritto da Avary nell'autunno del 1990, intitolato Pandemonium Reigns , costituirà la spina dorsale della storia di The Gold Watch in Pulp Fiction , a cui si aggiunge Tarantino. storia dell'orologio raccontata dal personaggio del Capitano Koons.
Dopo aver diretto Le Iene , Tarantino è tornato alla sua idea di realizzare un film in tre parti, spiegando in seguito: "Ho avuto l'idea di fare qualcosa che i romanzieri ma non i registi fanno: raccontare tre storie separate con personaggi che vanno e vengono ciascuno di essi ma la cui importanza varia a seconda della storia” . La sua idea per Vincent Vega e Marsellus Wallace's Wife è quella di prendere una storia ben nota nei romanzi e nei film noir , "quella del ragazzo che esce con la moglie del suo capo ma non la tocca" , e farla andare via. prendendo questo tipo di personaggi e situazioni e confrontandoli "con certe regole della vita reale per vedere come si districano" .
Tarantino inizia a lavorare alla sceneggiatura del film ad Amsterdam nelmarzo 1992. Avary poi si unisce al progetto portando in Pandemonium Reigns , che riscrive, e partecipando allo sviluppo di nuove storie che saranno legate alla sua. Deux scènes qui ont été à l'origine écrites par Avary pour le scénario de True Romance , sont incorporées à l'histoire The Bonnie Situation : le « miraculeux » tir manqué du complice caché sur Vincent et Jules et la mort accidentelle de Marvin dans la auto. La nozione di "pulitore" del mondo criminale, il personaggio di Winston Wolfe, è ispirata a un cortometraggio , Curdled , che Tarantino ha visto a un festival cinematografico . Ha assunto la sua attrice protagonista, Angela Jones , per interpretare il ruolo di Esmarelda Villalobos in Pulp Fiction e in seguito ha partecipato alla produzione di un remake di Curdled come lungometraggio. Durante la scrittura della sceneggiatura vengono inventati due marchi fittizi, Big Kahuna Burgers e Red Apples sigarette , che faranno altre apparizioni nei successivi film di Tarantino. Tarantino scrive la maggior parte della sceneggiatura per il film mentre viaggia attraverso l' Europa e il Giappone per mostrare Le Iene in vari festival e la sceneggiatura è finalmente finita, anche se sarà leggermente rinnovata più avanti ingennaio 1993.
Tarantino e il suo amico e produttore Lawrence Bender presentano la sceneggiatura alla Jersey Films , una società di produzione gestita da Danny DeVito , Michael Shamberg e Stacey Sher che si era già avvicinata a Tarantino ancor prima dell'uscita di Le Iene . Viene quindi stipulato un accordo da un milione di dollari con cui Jersey Films ottiene una quota del progetto e il diritto di vendere la sceneggiatura a uno studio, con questi soldi che servono come finanziamento iniziale per A Band Apart , la società appena costituita da Tarantino e Bender. . La Jersey Films ha poi ceduto la distribuzione del film alla Columbia TriStar, e nel febbraio 1993 Pulp Fiction è apparso su Variety nella lista di pre-produzione di TriStar. Ma a giugno, la Columbia TriStar ha messo in vendita i diritti del progetto, e il suo presidente Mike Medavoy ha trovato lo scenario "troppo folle" . Avary, che sta per iniziare le riprese del suo film, Killing Zoe , descrive la spiegazione della Columbia TriStar come segue: “Questa è la cosa peggiore mai scritta. Questo non ha senso. Qualcuno muore e poi è vivo. È troppo lungo, troppo violento e infilmabile! " E ha spiegato che le obiezioni dello studio erano comprensibile data la struttura fondamentale dello scenario.
Bender porta quindi la sceneggiatura alla Miramax Films , un ex studio indipendente appena acquistato dalla Disney . Harvey Weinstein , co-presidente della Miramax con il fratello Bob , è subito affascinato dalla sceneggiatura e ne acquista i diritti. Pulp Fiction è il primo progetto di Miramax a ottenere il via libera dall'acquisizione della società da parte della Disney e viene stabilito un budget di 8 milioni di dollari . È anche il primo film che Miramax finanzia completamente. Per rimanere con successo entro questo budget ridotto, Bender prevede di pagare a tutti i principali giocatori lo stesso stipendio a settimana, indipendentemente dalla loro notorietà. La più grande star a partecipare al film quindi è Bruce Willis che, nonostante sia apparso di recente in alcuni fallimenti aziendali, è ancora una star internazionale. Grazie alla sua fama mondiale, Miramax raccoglie $ 11.000.000 per la vendita dei diritti cinematografici all'estero, garantendone virtualmente la redditività.
Tarantino vuole dare il ruolo di Vincent Vega a Michael Madsen , che in precedenza ha interpretato Vic Vega in Le Iene , ma preferisce recitare in Wyatt Earp , scelta di cui poi si pentirà. Daniel Day-Lewis viene quindi avvicinato da Harvey Weinstein per assumere il ruolo, ma Tarantino preferisce John Travolta (la sua seconda scelta nella sua lista iniziale) e convince l'attore, esitante di fronte all'amoralità del personaggio propostogli, ad accettare la ruolo. Travolta accetta di lavorare per una modica cifra, che va dai 100.000 ai 140.000 dollari a seconda della fonte, ma vede la sua carriera rivitalizzata dal successo del film e dalla sua nomination all'Oscar come miglior attore . Nel 2004, Tarantino ha in programma di riunire Madsen e Travolta per un'idea per un film chiamato The Vega Brothers, ma questo progetto viene infine abbandonato.
Secondo una lista pubblicata nel 2015, il regista ha creato il personaggio di Jules Winnfield destinandolo a Laurence Fishburne . Il ruolo torna infine alla seconda scelta di Tarantino, Samuel L. Jackson , il regista convinto di poter esprimere meglio di chiunque altro il carisma malizioso, à la Riccardo III , del personaggio. Eddie Murphy è stato il 3 ° scelta per Charles S. Dutton e Michael Beach . Samuel Jackson, tuttavia, ha quasi perso il ruolo dopo la sua prima audizione, la sua performance è stata eclissata da quella di Paul Calderon . Jackson riconosce che la sua audizione era solo una lettura, e Harvey Weinstein lo convince a tornare all'audizione una seconda volta per la scena dell'epilogo, con la sua performance questa volta ritenuta convincente da Tarantino. Il personaggio è originariamente impostato per avere un'acconciatura afro, ma il regista e l'attore accettano di fargli adottare un'acconciatura riccia più corta chiamata Jheri curl , con Jackson che indossa una parrucca . Jackson riceve una nomination all'Oscar come miglior attore non protagonista per il suo ruolo , mentre Calderon appare nel film come Paul, il barista del club di Marsellus Wallace.
Mentre il ruolo principale della seconda storia, quello di Butch Coolidge, è stato scritto per Matt Dillon , Bruce Willis viene assunto per interpretarlo. Per l'attore accettare un ruolo in un film a basso budget “significa accettare di ridurre il suo prestigio e mettere in pericolo il suo status di star, ma la strategia sta dando i suoi frutti; Pulp Fiction porta a Willis un nuovo rispetto come attore e gli guadagna anche diversi milioni di dollari come risultato della sua partecipazione agli utili” . Per il personaggio di Butch Coolidge, Tarantino si è ispirato al personaggio di Mike Hammer , duro con gli uomini ma molto sentimentale con la sua ragazza, interpretato da Ralph Meeker nel film Into Fourth Gear (1955). L'aspetto e la presenza fisica di Willis si rivelano poi determinanti per l'ottenimento del ruolo, Tarantino spiegando: "Bruce ha l'aspetto di un attore degli anni 50. Non credo ci sia un'altra star che abbia questo. " Il regista ha continuato affermando che Willis lo cita, in particolare, il personaggio interpretato da Aldo Ray nel procedimento nella notte (1957) e fece prendere un aspetto simile. Anche Sylvester Stallone , Sean Penn , Nicolas Cage , Aidan Quinn o Johnny Depp sono stati considerati per interpretare il personaggio.
Per il ruolo di Mia Wallace, Miramax Films vuole ingaggiare Holly Hunter o Meg Ryan , mentre Tarantino cita Virginia Madsen , sorella di Michael , Jennifer Beals , Pam Grier , Bridget Fonda e Angela Bassett tra le sue preferenze . Quentin Tarantino insiste finalmente per avere Uma Thurman dal suo primo incontro con l'attrice. Tarantino fa indossare all'attrice una parrucca marrone squadrata in omaggio ad Anna Karina , l' attrice preferita di Jean-Luc Godard . Thurman è presente in tutta la campagna promozionale, apparendo nella locandina del film su un letto con una sigaretta in mano. È stata nominata per un Oscar come migliore attrice non protagonista , guadagnandosi così il suo status di star, ma ha scelto di non approfittare della sua recente celebrità non recitando in nessun film ad alto budget per i prossimi tre anni. Fu durante le riprese di Pulp Fiction che Tarantino e Thurman immaginarono la base della storia di Kill Bill .
Quentin Tarantino scrive il ruolo di Marsellus Wallace con in mente Ving Rhames e Samuel L. Jackson, mentre sta anche considerando Ken Foree , Sid Haig o Carl Weathers . Sid Haig, che ha fatto numerose apparizioni in film di sfruttamento degli anni '70, viene contattato per primo ma declina il ruolo ed è poi Ving Rhames che lo ottiene riuscendo, secondo Bender, "una delle migliori audizioni che non ho mai visto" . I personaggi di Winston Wolfe, Ringo e Yolanda sono scritti appositamente per Harvey Keitel , Tim Roth e Amanda Plummer , anche se Johnny Depp e Christian Slater sono stati entrambi considerati per il ruolo di Ringo. Keitel e Roth hanno già recitato in Le Iene , Keitel è infatti "l'attore preferito" di Tarantino, mentre è Roth che presenta Plummer a Tarantino dicendogli "Voglio recitare con Amanda in uno dei tuoi film e lei dovrà avere un pistola molto grossa” .
Tarantino assume Maria de Medeiros per il ruolo di Fabienne, la fidanzata francese di Butch, dopo averla incontrata in Europa mentre presentava Le Iene ai festival. Per i ruoli di spacciatore Lance e sua moglie Jody, sono fidanzati Eric Stoltz e Rosanna Arquette . Tarantino aveva inizialmente pianificato di interpretare lo stesso Lance ma, volendo assolutamente stare dietro la telecamera per la scena dell'iniezione di adrenalina, rinuncia al ruolo per Jimmy, l'amico di Jules. Courtney Love in seguito disse che Kurt Cobain era stato contattato per il ruolo di Lance e che avrebbe interpretato quello di Jody se avesse accettato, ma Tarantino ha negato questa informazione durante un'intervista alla stazione radio australiana Nova 106.9 . Pam Grier legge il ruolo di Jody, ma Tarantino sente che il pubblico non troverebbe credibile se Lance gli stesse urlando contro. Anche Ellen DeGeneres sta facendo un provino per questo ruolo. Christopher Walken appare in una sola scena del film ma questa è importante, come era già successo in True Romance . Steve Buscemi e Lawrence Bender fanno piccole apparizioni come camerieri da Jack Rabbit Slim , il primo travestito da Buddy Holly , prendendo l'ordine da Mia e Vincent e il secondo servendo un altro tavolo travestito da Zorro .
Le riprese del film iniziano il 20 settembre 1993, Tarantino assume come principali collaboratori persone che hanno già lavorato con lui su Le Iene ( Andrzej Sekuła , David Wasco , Betsy Heimann , Sally Menke ). Nonostante il budget limitato di 8 milioni di dollari , il regista vuole che il suo film abbia l'aspetto di una produzione con un budget più alto: "Volevo che sembrasse un'epopea. È un'epopea in tutti i campi, inventiva, ambizione, durata, inquadratura, tutto tranne che nei costi” . Il film è girato con pellicola 50 ASA , che è la più lenta, in modo che non ci sia quasi grana nell'immagine. "Questo è il più vicino che abbiamo al technicolor degli anni '50", spiega Tarantino. L'elemento più costoso del budget, $ 150.000 , è la creazione del set di Jack Rabbit Slim in un magazzino di Culver City che viene utilizzato anche per altri set e ospita gli impianti di produzione.
Il film è girato interamente a Los Angeles e dintorni. Il bar ristorante che fa da ambientazione all'introduzione e all'epilogo del film è l' Hawthorne Grill , situato su Hawthorne Boulevard , che da allora è stato demolito; l'inseguimento a piedi tra Butch Coolidge e Marsellus Wallace è girato a Fletcher Drive a Glendale ; l'appartamento in cui Jules Winnfield e Vincent Vega operano il loro massacro si trova su Van Ness Avenue , a nord di Hollywood Boulevard , e la casa di Lance a Echo Park . La produzione utilizza 1435 Flower Street a Glendale, una pista da bowling chiamata Grand Central Bowl che aveva appena chiuso e adiacente a Walt Disney Imagineering , come sfondo per il ristorante di Jack Rabbit Slim . Il fatto che Miramax sia una filiale della Disney dal 1993 sarebbe all'origine di questa scelta di arredamento. Nel 1997, Disney ha acquistato il sito di 125 acri (505.857 m 2 ) e lo ha integrato nel Grand Central Creative Campus .
Per i costumi, Tarantino si ispira a Jean-Pierre Melville , per il quale gli abiti che indossavano i personaggi dei suoi film erano la loro armatura simbolica. Oltre al suo ruolo di Jimmy, il regista fa apparire la sua mano nel film, che in effetti contiene le chiavi dell'elicottero di Zed quando vengono ripresi in primo piano quando Butch lascia il monte dei pegni. Usa anche alcuni dei suoi segni distintivi, come l'inquadratura dal bagagliaio di un'auto o la visualizzazione sullo schermo di un pacchetto di cereali Raw Fruit , come aveva già fatto in Le iene . La scena più difficile da girare, secondo il regista, è stata l'iniezione di adrenalina. Viene filmato capovolto (John Travolta rimuove la siringa dal petto di Uma Thurman) prima di essere capovolto durante il montaggio. Le riprese sono terminate il 30 novembre 1993.
Nessuna musica originale è stata composta per il film, con Quentin Tarantino che preferisce utilizzare invece un assortimento di brani pop , soul , surf e rock'n'roll . La cover di Misirlou di Dick Dale è la canzone che ascoltiamo durante i titoli di testa del film. Il regista spiega la sua scelta di introdurre la musica surf nella colonna sonora dicendo che "sembra un rock 'n' roll spaghetti western " . Alcune canzoni sono state suggerite a Tarantino dai suoi amici Chuck Kelley e Laura Lovelace, che sono accreditati come consulenti musicali. Lovelace appare anche nel film come cameriera, un ruolo che ha ripreso da Jackie Brown . Il regista ha anche pensato di utilizzare My Sharona , di Knacks per la scena dello stupro di Marsellus Wallace prima di rinunciarvi perché l'effetto sarebbe stato troppo comico.
L'album, uscito il 27 settembre 1994, ha raggiunto il 21 ° posto della classifica Billboard 200 , mentre la cover del brano di Neil Diamond , Girl, You'll Be a Woman Soon , della band Urge Overkill ha raggiunto il 59 ° posto della classifica Billboard Hot 100 . La musica del film ha vinto anche il Best Soundtrack Award ai Brit Awards nel 1995 . La combinazione di canzoni poco conosciute, rappresentative di una sottocultura basata su uno stile di vita decisamente apolitico, con classici come Son of a Preacher Man o Flowers on the Wall è stata descritta come un ruolo importante nel riconoscimento del film come opera postmoderna e nel suo legame con un pubblico giovane e cinefilo. La colonna sonora è composta da 20 tracce che sono, per sette di esse, estratti da dialoghi del film. Nel 2002 è uscita una versione da collezione in doppio CD. Contiene le tracce rimasterizzate della prima versione oltre a cinque bonus track e un'intervista a Tarantino.
1994 : Musica dal film Pulp Fiction
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Prima dell'uscita del film, Quentin Tarantino chiede a Roger Avary di rinunciare ad essere co-accreditato per la sceneggiatura e invece di accettare un credito per la storia in modo che la menzione "Scritto e diretto da Quentin Tarantino" possa apparire nei titoli di coda ed essere utilizzata per il film. campagna di promozione. Ciò avrebbe poi causato un litigio tra i due amici, con Tarantino che "non riusciva" a menzionare Avary nel suo discorso di ringraziamento dopo aver ricevuto il Golden Globe per la migliore sceneggiatura , e Avary, questa volta premiato con Tarantino, che scivolava via molto rapidamente dalla scena, rivendicando un desiderio impellente, dopo essere stato co-premiato con l' Oscar per la migliore sceneggiatura originale . Nel maggio 1994, il film era in competizione ufficiale per il Festival di Cannes 1994 ei fratelli Weinstein ne organizzarono la promozione come un'operazione di commando, coinvolgendo i suoi attori principali e moltiplicando pranzi e cene intorno al film. È stato proiettato per la prima volta, durante una proiezione di mezzanotte, e ha fatto scalpore. Ha vinto la Palma d'Oro , che gli ha dato immediata notorietà e ha portato Tarantino alla ribalta. I fratelli Weinstein vogliono che il film esca negli Stati Uniti durante l'estate, ma John Travolta li convince invece ad aspettare fino a ottobre, momento propizio per i film in competizione per gli Oscar.
Nei mesi successivi il film è stato quindi presentato in diversi festival europei a Monaco di Baviera , Taormina , Locarno , Haugesund e San Sebastián nonché all'apertura del festival del cinema di New York a fine settembre. Durante la campagna promozionale che ha preceduto l'uscita del film negli Stati Uniti , Miramax ha giocato sulla reputazione di Tarantino di idealizzare la violenza e in particolare ha usato come slogan " Non conoscerai i fatti finché non avrai visto la finzione " .
Il film esce negli Stati Uniti il14 ottobre 1994in 1.338 sale e porta a $ 9.311.882 per il suo primo fine settimana di attività. Resta due settimane ai vertici del box office americano, davanti a The Expert , uscito la settimana precedente e che viene proiettato nel doppio delle sale e porta un totale di 214.179.088 dollari in tutto il mondo (di cui 107.928.762 dollari negli Stati Uniti), notevole successo commerciale rispetto al suo budget che si colloca al 12 ° posto al botteghino mondiale 1994. Francia , ha prodotto 2.864.640 voci. Supera anche i due milioni di entrate in Spagna e un milione di entrate in Germania e raggiunge oltre £ 10.730.000 di entrate nel Regno Unito . In quest'ultimo paese, la sceneggiatura del film diventa un bestseller , entrando nella classifica dei dieci libri più venduti.
Paese o Regione | Botteghino | Data di chiusura del botteghino | Numero di settimane |
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stati Uniti | $ 107,928.762 | 16 aprile 1995 | 27 |
Francia | 2.864.640 voci | - | -
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Totale mondiale | $ 214.179.088 | - | - |
Il film è stato accolto molto bene dalla critica, ottenendo il 93% di recensioni favorevoli, con un punteggio medio di 9 ⁄ 10 e basato su 75 recensioni raccolte, sul sito Rotten Tomatoes . Sul sito Metacritic , ottiene un punteggio di 94 ⁄ 100 , basato su 24 recensioni raccolte.
Roger Ebert del Chicago Sun-Times , ha dato al film quattro stelle su quattro , elogiando la qualità della sceneggiatura, delle situazioni e dei dialoghi "originali e creativi" e ritenendo che "il film rilasci un genere più antico e alcune carriere" . Ugualmente entusiasta è Richard Corliss di Time Magazine , che scrive che “svetta sugli altri film dell'anno con la stessa maestosità e minaccioso capo di una banda d'asilo. Sfida le produzioni di Hollywood ad essere intelligenti come lui andando così lontano. Se i bravi registi accettano la sfida implicita di Tarantino, i teatri potrebbero essere ancora una volta un ottimo posto dove trascorrere il proprio tempo” . Janet Maslin, del New York Times , descrive il film come "un viaggio trionfante e abilmente disorientante attraverso un mezzo mondo che scaturisce interamente dall'immaginazione di Tarantino, un paesaggio pieno di pericoli, shock, ilarità e in un vibrante colore locale. Niente è prevedibile o familiare in questo mondo irresistibilmente bizzarro. Non si entra semplicemente in un cinema, si cammina nella tana del coniglio” . Mick LaSalle, del San Francisco Chronicle , evoca un "film sia monumentale che immediatamente accessibile" la cui energia non svanisce mai, pieno di umorismo oscuro e una violenza quasi coreografica.
Per Owen Gleiberman di Entertainment Weekly , è "la riscoperta del piacere che un film può portare" dove Tarantino combina "disciplina e controllo con gioia selvaggia e assoluta" con le superbe interpretazioni degli attori di Travolta, Willis, Keitel e soprattutto Jackson. Ian Freer, la rivista Empire , assegna al film cinque stelle su cinque , commentando: "Tarantino intreccia un pezzo di storia del cinema di gangster con questo film geniale e innovativo. Cosparso di grandi momenti e portato da attori al top del loro gioco, la trama intelligente, i riferimenti alla cultura pop , l'amoralità esultante, la musica cult e l'energia iperattiva del film hanno ridefinito il genere per il futuro” . Peter Travers, di Rolling Stone , paragona la recitazione alla "dinamite" e fa riferimento a un film "ferocemente divertente senza alcuna traccia di cautela, compiacimento o correttezza politica per inibire quei 154 minuti deliziosamente sanguinosi" . E per Desson Howe, del Washington Post , è "un intrattenimento affascinante" , "brillante e brutale, divertente e corroborante, scioccante nella sua crudeltà e disarmante nella sua tenerezza" e portato da un quartetto irreprensibile di attori principali.
Tra le poche recensioni contrastanti o negative, Kenneth Turan del Los Angeles Times ha affermato che Tarantino "sembra avere difficoltà nei suoi effetti. Alcune scene, in particolare quella che riguarda lo stupro omosessuale, danno una spiacevole sensazione di disperazione creativa da parte di qualcuno che ha paura di perdere la propria reputazione e si fa in quattro per scioccare la sensibilità” . Stanley Kauffman della New Republic ritiene che il film giochi troppo sul suo aspetto disgustoso e "incoraggia l'impoverimento culturale" . E per John Simon, di National Review , il film ha alcuni momenti divertenti e attori affermati ma "c'è sempre qualcosa a rovinare il divertimento" e l'interesse suscitato dalla struttura della sceneggiatura non riempie "né i momenti vuoti, né la superficialità" .
In Francia , Marc Weitzmann, di Première , giudica il film "un grande momento di giubilo" "nervoso, leggero, spesso divertente" , dove certi dialoghi "sfiorano i fili del sublime" e che "offre una formidabile galleria di personaggi " , gli attori che si danno "a loro piacimento" , in particolare Travolta "grandioso dall'aspetto bovino e dal ritmo cadente" . Philippe Rouyer, di Positif , ritiene che Tarantino "crea un universo complesso e coerente" dove "la risata è onnipresente, l'umorismo delle situazioni e il linguaggio fanno da contrappeso all'incredibile tensione dell'azione" e dove "i molteplici riferimenti culturali non sembrano mai bloccato artificialmente sulla trama " ma " lo costituiscono " . La redazione di Les Inrockuptibles lo descrive come "un modello della cultura spazzatura americana" e mette in evidenza il "genio del casting, [la] costruzione in un loop temporale virtuosistico, [e i] dialoghi esilaranti portati in rosso come un duello di chitarre elettriche” . Michel Pascal, du Point , evoca un film che "infrange le leggi della narrazione classica, giocando con il tempo, i personaggi e le situazioni in cerchi concentrici" e "che fa di John Travolta una star, nel ruolo grandioso del killer Vincent Vega, schiacciato e cocaina. La sua gara di twist al ristorante con Uma Thurman in parrucca è diventata un pezzo da antologia come la storia dell'orologio di Bruce Willis, gli anelli di Rosanna Arquette, o la tortura sadomaso con i poliziotti gay di Los Angeles” . La redazione di Télérama lancia due critiche opposte: a favore, Vincent Remy giudica il film di una “irresistibile burla. Violento, forse, ma con una violenza surreale, mai ostentata, disinnescata dal burlesque " con "dialoghi sfasati [e] tempi non strutturati che finiscono per fare "la" differenza" ; schierato contro, Laurent Bachet evoca una "fuoco immorale" dove "l'autore non prende uno sguardo critico sul comportamento dei suoi protagonisti. E non il minimo sguardo al mondo che li circonda” e di una “terribile misoginia” . E per Vincent Ostria, dei Cahiers du Cinéma , è un “cinefago più che un cinefilo” dove “il regista ha un vero senso del dialogo e un innegabile coraggio ma alla lunga questa abilità si trasforma in un processo, questa audacia diventa rapidamente meccanico” e “al di là dell'elemento sorpresa, il meccanismo si trasforma in routine” .
In Belgio , Jacques Decker, du Soir , esprime una critica mista a Cannes , riconoscendo il "tocco" del regista che, anche se "filma in modo molto convenzionale, eccelle nel montaggio ad alta tensione e ama costruire scenari come trappole per topi. » Ma credendo che «non gli importi del suo contenuto» .
Il film ha ricevuto numerosi riconoscimenti tra cui la Palma d'oro al Festival di Cannes del 1994 , premio concesso su iniziativa del presidente della giuria Clint Eastwood , che ha messo tutto il suo peso a favore del film. Questa Palma d'Oro ha suscitato polemiche sia tra il pubblico di Cannes che tra la stampa francofona, molto divisa sul tema e i cui favoriti erano i film più “convenzionali” come Soleil trompeur , Vivre! e tre colori: rosso . Così, Michel Ciment e Yann Tobin, di Positif , salutano questa "scelta anticonformista" che premia "l'audacia, lo slancio creativo e il desiderio di esplorare i limiti del suo materiale" e Didier Allouche, della rivista Impact , evoca un "trench guerra tra dilettanti e detrattori del film” e ne saluta la vittoria perché “fu l'unico film controverso, l'unico a dare un vero piacere cinematografico immediato” ; mentre Thierry Jousse , dei Cahiers du Cinéma , afferma che la giuria ha premiato il film solo perché "gli americani sono lì per mettere in scena" e che Jacques Decker, du Soir , lo considera uno "scandalo" e il "più assurdo delle classifiche” . All'annuncio della Palma d'Oro, qualche fischio da parte del pubblico, Tarantino risponde con il dito medio. Solo quando il film è uscito nelle sale la stampa ne ha riconosciuto i meriti.
Tra gli altri premi più prestigiosi, il film ha ricevuto nel 1995 sette nomination, tra cui miglior film al 67 ° Academy Awards e sei al 52 ° di Golden Globes (non vincere in entrambi i casi che il Premio per la Migliore Sceneggiatura), così come nove ai BAFTA nomination (con un nuovo premio per la migliore sceneggiatura e il miglior attore non protagonista per Samuel L. Jackson ). È anche nominato al César per il miglior film straniero .
PremiAnno | Evento | Prezzo | laureato |
---|---|---|---|
1994 | |||
Festival del cinema di Cannes | Palma d'Oro | Quentin Tarantino | |
Festival internazionale del cinema di Stoccolma | Cavallo di bronzo per il miglior film | ||
Miglior attore | John Travolta | ||
Miglior scenario | Quentin Tarantino | ||
Premi NBR | Miglior film | ||
Miglior regista | Quentin Tarantino | ||
1995 | |||
Premi Oscar | Miglior sceneggiatura originale | Quentin Tarantino e Roger Avary | |
Globi dorati | Miglior scenario | Quentin Tarantino | |
Premi BAFTA | Miglior sceneggiatura originale | Quentin Tarantino e Roger Avary | |
Miglior attore non protagonista | Samuel L. Jackson | ||
Premi Saturno | Miglior film d'azione, avventura o thriller | ||
Premio David di Donatello | Miglior Film Straniero | ||
Miglior attore straniero | John Travolta | ||
Brit Awards | Miglior colonna sonora originale del film | ||
Independent Spirit Awards | Miglior film | ||
Miglior attore | Samuel L. Jackson | ||
Miglior regista | Quentin Tarantino | ||
Miglior scenario | Quentin Tarantino e Roger Avary | ||
MTV Movie Awards | Miglior film | ||
La migliore scena di ballo | Uma Thurman e John Travolta | ||
Premio Edgar-Allan-Poe | Miglior film | ||
Premi NSFC | Miglior film | ||
Miglior regista | Quentin Tarantino | ||
Miglior scenario | Quentin Tarantino e Roger Avary | ||
Premi Artios | Miglior casting | Ronnie Yeskel e Gary M. Zuckerbrod | |
Premio Kinema Junpo | Miglior Film Straniero |
Quentin Tarantino ha indicato che aveva pianificato fin dall'inizio di fare un " film Black Mask " , riferendosi con questo termine alla rivista che ha reso popolare i romanzi polizieschi nel genere nero . Il critico Geoffrey O'Brien vede il risultato come "abbastanza fortemente legato a un'altra forma tradizionale di riviste pulp : i racconti fantasy e horror scritti tra gli altri da William Irish e Fredric Brown ... Entrambi sono in gran parte ambientati in un regno di fantasia " . coincidenze e crudeli scherzi cosmici, un regno che Pulp Fiction ha fatto proprio . O'Brien, in particolare, trova una forte affinità tra le complesse trame ei colpi di scena dei romanzi di Brown e la struttura ricorsiva e intrecciata del film. Inoltre, l'ordine dei diversi quaderni destinati a formare le riviste pulp era spesso errato, la fine si poteva trovare prima dell'inizio, come nel film di Tarantino. James Mottram considera il romanziere Elmore Leonard , la cui influenza è stata riconosciuta da Tarantino, come la principale ispirazione letteraria del film. Suggerisce che il "ricco dialogo" di Leonard si riflette in quelli basati sulla cultura popolare di Tarantino, e sottolinea anche il fatto che il senso dell'umorismo acuto e molto oscuro di Leonard prende come fonte di ispirazione un mondo violento.
Pulp Fiction è considerato uno dei principali rappresentanti del cinema postmoderno , che si caratterizza per "la sua evocazione di una forza viscerale così intensa da sostituire ogni preoccupazione di raggiungere un significato profondo" , staccandosi dalla trama di "pezzi isolati di coraggio". , sia per la brillantezza dei dialoghi, sia per la stranezza dell'azione, sia per l'esibizione virtuosistica dello stile cinematografico ” . Robert Kolker vede "i fronzoli, la banalità apparentemente spiritosa dei dialoghi, l'imbarazzante interruzione della temporalità [come] uno strato puro sopra un pastiche […] essenzialmente due film da cui Tarantino sembra non riuscire a uscire. of the Spirit : Mean Streets e L'Ultime Razzia ” . Ma Pulp Fiction differisce dai suoi predecessori postmoderni di Hollywood Hudson Hawk (1991) e Last Action Hero (1993) che "si sono spinti troppo oltre lo scherzo ... solo prendendo in giro o suggerendo di essere più intelligenti del pubblico" e hanno sperimentato il fallimento. Scrive Alberto Morsiani che "l'impressionante formato cinemascope degli scatti studiati da Tarantino e dal suo notevole direttore della fotografia Andrzej Sekuła , inquadra spesso gli oggetti in primissimi piani e offre contrasti abbastanza vividi che ricordano le strategie visive di Sergio Leone " , riconosciuto da Tarantino come uno dei suoi modelli. Per Martin Rubin, queste "immagini di grande formato espansive e dai colori brillanti" ricordano più quelle di registi di commedie come Frank Tashlin e Blake Edwards .
Il genere del film si è rivelato particolarmente difficile da classificare, con varie ipotesi fatte da analisti e critici. È stato etichettato come una commedia noir e più frequentemente come neo-noir . Geoffrey O'Brien si è espresso contro questa associazione con il film noir, affermando che "le vecchie passioni del buio, la sua cupa malinconia e le sue scene di morte simili a un'opera sarebbero totalmente irrilevanti nel Paese delle Meraviglie, nitide e luminose che Tarantino ha creato. Non è né un neo-noir, né una parodia del nero” . Nicholas Christopher lo paragona più a una parodia di un film di gangster con la pretesa artificiosità che a un neo-noir. E Foster Hirsch suggerisce che il "paesaggio psichedelico immaginario" del film lo caratterizzi molto più di qualsiasi etichetta di genere. Paragonando Le Iene a Pulp Fiction , Alberto Morsiani afferma che il primo è un film corale mentre il secondo "lavora attraverso una serie continua di coppie" . Lo stile dei personaggi, la trama e la violenza dei due film li accomunano, ma il “crescendo di scontri” di Le Iene contrasta con la “serie di accordi negoziati tra i protagonisti” di Pulp Fiction . Il formato narrativo del secondo film di Tarantino ei suoi prestiti più diversificati ne fanno un'opera “più sfumata e raffinata” per Morsiani .
I numerosi riferimenti alla cultura popolare presenti nel film, che vanno dalla famosa immagine della gonna di Marilyn Monroe che sventola su una grata della metropolitana ai vari nomi dati agli hamburger di McDonald's in diversi paesi, hanno portato molti critici a discutere del film nel contesto del postmodernismo . David Walker descrive il film come il "capolavoro postmoderno" di Tarantino, osservando che "è caratterizzato dalla sua maliziosa reverenza per gli anni '50 e dai suoi riferimenti costantemente canzonatori e spesso rispettosi ad altri film" . Caratterizza la sua tecnica narrativa complicata come "gioco postmoderna" . Geoffrey O'Brien paragona il film a "una visita guidata di un infernale parco a tema decorato con spazzatura culturale, Buddy Holly e Mamie Van Doren , blaxploitation , Roger Corman e Baby Cart , e musica da una vecchia stazione radiofonica per cui tutti i decenni da allora gli anni Cinquanta esistono contemporaneamente” . Catherine Constable prende il momento in cui la siringa di adrenalina viene piantata nel cuore di una Mia Wallace in coma come esempio postmoderno, scrivendo "può essere visto come il compimento della sua resurrezione dai morti, ricordando e minando sia la convenzione gotica del rogo per i vampiri . Su questo modello, il riferimento a forme e correnti estetiche precedenti va oltre un vuoto pastiche, sostenendo una modalità inventiva e affermativa del postmodernismo” .
Per quanto riguarda i temi del film, Foster Hirsch suggerisce che se "si occupa davvero di qualcosa di diverso dalla propria ingegnosità, sembra devoto alla dubbia tesi che i sicari facciano parte dell'umanità" . Per Alberto Morsiani, questi "killer spietati" sono tuttavia "simpatico perché intrisi di vizi e virtù umanissime" e "mantengono una fedeltà alla loro natura" che li allontana dallo "stereotipo hollywoodiano del film d'azione in cui tutto è. calcolato "in modo che l'eroe piaccia allo spettatore. Mark Conard ritiene da parte sua che si occupa di " nichilismo americano" . Richard Alleva credo che abbia "molto a che fare con la violenza e la criminalità che l'attuale Cyrano de Bergerac con le realtà del XVII ° secolo in Francia o Il prigioniero di Zenda con la politica dei Balcani" . La sua visione del film è che si tratta di una forma di romanticismo il cui fascino è incentrato sui discorsi non naturalistici dei personaggi che sono allo stesso tempo colti, intelligenti e volgari. Per Alberto Morsiani, questo film "considerato brutale e violento" "si trasforma inaspettatamente in una storia di redenzione" attraverso "la trasformazione del personaggio di Jules, un feroce killer che sopravvive alla morte grazie a un "intervento divino", viene benedetto e purificato da l'affascinante angelo Harvey Keitel e scopre finalmente il gusto della divinità. Nell'essenza simbolica del film, Jules sembra il beneficiario finale di tutta la grazia che si è accumulata nel corso della storia” . Secondo Alan A. Stone, "il lato assurdo del dialogo" , come quello tra Vincent Vega e Jules Winnfield dopo l'omicidio accidentale di Marvin, "trasforma inaspettatamente il significato degli stereotipi sulla violenza. Pulp Fiction smaschera il mito macho rendendolo ridicolo e rimuove il lato eroico del delirio megalomane glorificato dalla violenza hollywoodiana” . Stone vede il film come politicamente corretto perché non include scene di nudità o violenza dirette contro le donne. E ' "celebra l'amicizia interrazziale e la diversità culturale" e Tarantino "nuota contro la classe stereotipo" .
Ma poiché Stone vede una celebrazione in questa artificiosità, Robert Kolker indica un vuoto, scrivendo: “L'avventatezza postmoderna, la violenza, l'omofobia e il razzismo di Pulp Fiction sono perfettamente accettabili perché il film non pretende di essere serio e quindi non ridicolizza [ questi temi]” . Definendo il film "il culmine del cinema postmoderno degli anni '90" , spiega che "il postmodernismo si occupa della superficie delle cose; si trova in uno spazio appiattito in cui gli eventi ei personaggi sono lì a ricordarci che rappresentano la cultura popolare” . Kolker conclude dicendo: “Questo è il motivo per cui Pulp Fiction è così popolare. Non perché il pubblico abbia colto questo o quel riferimento a Scorsese o Kubrick, ma perché la struttura narrativa e spaziale del film non ha mai minacciato di andare oltre nel suo significato di quanto non abbiano fatto. Le battute razziste o omofobe nel film potrebbero sfociare in una visione del mondo totalmente malvagia, ma quella cattiveria continua ad essere spazzata via dalle battute, dalla falsa intensità dell'azione” . James Wood , scrivendo per The Guardian , afferma che “Tarantino rappresenta l'ultimo trionfo del postmodernismo, che consiste nello svuotare l'opera d'arte di ogni contenuto. […] È solo nel nostro tempo che uno sceneggiatore di talento come Tarantino può produrre opere d'arte così prive di ogni interesse politico, metafisico o morale” . E Henry Giroux afferma che Tarantino "svuota la violenza da ogni critica delle sue conseguenze sociali, offrendo agli spettatori solo il lato immediato dello shock, dell'umorismo e dell'ironia privi di analisi come elementi di mediazione". Nessuno di questi elementi va oltre il fascino di uno sguardo voyeuristico, il facile consumo di immagini sconvolgenti e il piacere allucinatorio” .
Pulp Fiction è pieno di omaggi ad altri film, Gary Groth usa anche il termine " cinema cleptomane " per qualificare Tarantino. Due scene, in particolare, ha dato luogo a dibattiti sulfilm intertestualità : la scena danza tra John Travolta e Uma Thurman e quello in cui Butch Coolidge e Marsellus Wallace si confrontano con i loro torturatori. La scena della danza è stata spesso vista come un riferimento alle esibizioni di Travolta in La febbre del sabato sera (1977) e Grease (1978), ma Tarantino attribuisce l'ispirazione a Bande à part (1964)di Jean-Luc Godard . Nelle parole del regista: “Tutti pensano che abbia scritto questa scena solo per far ballare John Travolta. Ma la scena esisteva prima che Travolta venisse assunto... Le mie scene musicali preferite sono quelle dei film di Godard perché escono dal nulla. È così contagioso, così familiare. E il fatto che non sia un film musicale, ma che fermi il film per tutta la durata di una scena musicale, rende il tutto più dolce” .
Jerome Charyn sostiene che la presenza di Travolta è essenziale per l'energia della scena e quella del film, scrivendo che "l'intera carriera di Travolta diventa uno sfondo, il mito di una star del cinema disgraziata ma che rimane sempre nei nostri ricordi come il re della discoteca. Ci aspettiamo ancora che si liberi della pancia, indossi un completo bianco di poliestere e entri nell'Odyssey Club del 2001 a Brooklyn, dove ballerà per noi senza mai fermarsi. Daniel Day-Lewis non avrebbe mai potuto risvegliare in noi un desiderio così ardente perché non fa parte della folle cosmologia dell'America... Tony Manero è un angelo appoggiato sulla spalla di Vincent Vega... [Il ballo di Mia e Vincent] è forse più vicino al coreografia di Anna Karina con i suoi due fidanzati canaglia e pigri in Bande à part ma questo riferimento si perde per noi perché siamo ancora con Tony” . Estella Tincknell osserva che mentre "l'arredamento della tavola calda sembra essere una presa in giro di un ristorante degli anni '50 , il concorso di twist è una scena musicale che evoca gli anni '60 mentre la danza di Travolta fa inevitabilmente riferimento agli anni '70 e al suo aspetto. in La febbre del sabato sera ... assume un aspetto più generale in cui gli stili caratteristici di più decenni sono riuniti in un unico momento. " Si dice anche che in questo brano, Tarantino "diverge brevemente il suo discorso solitamente ironico per riferirsi alle convenzioni del film musicale classico, e permette al film di occupare uno spazio emotivo che va oltre l'allusione stilistica" .
Il momento in cui Marsellus Wallace attraversa la strada davanti all'auto di Butch Coolidge e nota la sua presenza mentre gira la testa evoca la scena in cui il capo di Marion Crane la vede in circostanze simili in Psychosis . Butch e Marsellus vengono subito dopo fatti prigionieri da Maynard e Zed, "due sadici usciti da Deliverance " (il film di John Boorman ). Zed porta anche lo stesso nome del personaggio interpretato da Sean Connery in Zardoz (1974), un altro film di Boorman. Quando Butch decide di salvare Marsellus, trova diversi oggetti nel negozio che possono fungere da armi che sono stati tutti identificati come possibili allusioni a vari film: The Toolbox Murders (1978) per il martello; Savage Justice (1973) e Gli intoccabili (1987) per la mazza da baseball; The Texas Chainsaw Massacre (1974), Mega Vixens (1976) e Evil Dead 2 (1987) per The Chainsaw; e molti film di genere chanbara per la katana . Dopo essere stato salvato da Butch, Marsellus pronuncia una frase su due esperti "che lavoreranno i nostri due amici con un paio di pinze, una fiamma ossidrica e un saldatore" che si riferisce a una frase simile di Kill Charley Varrick! (1973), film di Don Siegel , che è parlato da un personaggio di nome Maynard.
David Bell ritiene che lungi dall'andare contro gli "stereotipi di classe attuali" , questa scena, come quella di Deliverance , "fa appello a una certa rappresentazione dei bianchi poveri delle campagne, in particolare alla loro sessualità rustica che spesso assume la forma di stupro omosessuale in Film americani” . Stephen Paul Miller pensa che la scena dello stupro in Pulp Fiction sia molto meno scioccante di quella in Deliverance , il tabù degli anni '70 diventato vent'anni dopo un "gioco sottile e divertente per far salire l'adrenalina" . Henry Giroux fa un'analisi simile, scrivendo che "alla fine, l'uso della parodia da parte di Tarantino... addolcisce il volto della violenza riducendola al regno della storia del cinema" . Neil Fulwood si sofferma sulla scelta dell'arma di Butch, affermando che "Tarantino si mostra qui aperto e neutrale nel suo amore per il cinema, salutando sia i film più nobili che quelli infami, e allo stesso tempo accrescendo la propria reputazione. terribile figlio del film violento. Ancor di più, la scena fa un commento intelligente sulla disponibilità a cogliere tutto ciò che si ha a disposizione nei momenti di omicidio e caos al cinema” . Glyn White sostiene che "la katana che [Butch] sceglie alla fine ... lo identifica come un eroe onorevole" . E Mark Conard nota che le prime tre potenziali armi sono il simbolo di un nichilismo che Butch rifiuta mentre la tradizionale spada giapponese, al contrario, rappresenta una cultura con un codice morale ben definito, collegando così Butch a un approccio alla vita che ha più senso .
TelevisioneRobert Miklitsch sostiene che la "telefilia" di Tarantino è forse più importante nella sensibilità che guida Pulp Fiction dell'amore del regista per il rock 'n' roll o anche per il cinema. Si basa su una dichiarazione di Tarantino sulla sua generazione, cresciuta negli anni '70: "La prima cosa che abbiamo condiviso non è stata la musica, che era qualcosa degli anni '60. La nostra cultura era la televisione. » Ed elenca tutti i programmi televisivi citati in Pulp Fiction : Speed Racer , Clutch Cargo , The Brady Bunch , The Partridge Family , Bowler hat e stivali di pelle , The Three Stooges , The Flintstones , The Spies , The Green Arpents , Kung Fu , Happy Days e ovviamente il pilota immaginario girato da Mia Wallace. Miklitsch scrive che questo elenco, con la possibile eccezione di Bombetta e stivali di pelle , "suggerisce che Pulp Fiction abbia meno affinità elettive con il cinema d'avanguardia di Godard che con i programmi televisivi nazionali" . Jonathan Rosenbaum ha introdotto la televisione nella sua analisi del confronto tra Tarantino e Godard, riconoscendo che i due registi erano simili nel voler mettere sullo schermo tutto ciò che amano. Ma aggiunge che “la differenza tra ciò che piace a Godard e ciò che piace a Tarantino, e perché, è astronomica; è come confrontare un museo, una biblioteca, un archivio di film e un negozio di dischi con un jukebox, un negozio di noleggio video e una rivista di programmi TV" .
Sharon Willis studia come una serie animata ( Clutch Cargo ) segna l'inizio della scena, e continua a essere in sottofondo per tutta la sua durata, tra il giovane Butch Coolidge e il Capitano Koons. Questo veterano della guerra del Vietnam è interpretato da Christopher Walken , il cui ruolo qui evoca quello del soldato traumatizzato che ha interpretato in Journey to Hell's End (1978). Willis scrive che "Quando il capitano Koons entra nel soggiorno, vediamo Walken come un'immagine di mascolinità maltrattata che cerca la riabilitazione da un repertorio cinematografico e televisivo degli anni '70... sguardo” . Robert Miklitsch sostiene che, per alcuni critici, il film è un "tipico esempio dell'influenza perniciosa della cultura di massa, rappresentata dal loro cruccio: la televisione" . Robert Kolker è d'accordo con questo, credendo che “ Pulp Fiction sia una finzione della nostra esposizione televisiva quotidiana; i suoi omofobi, teppisti, pervertiti, pugili sentimentali e protettori si muovono attraverso una serie di lunghe scene: noi guardiamo, ridiamo, e stiamo davanti allo schermo senza che ci sia nulla da capire” .
La misteriosa valigetta appartenente a Marsellus Wallace e la cui combinazione di apertura è 666, il numero della Bestia , per Tarantino non è altro che un MacGuffin che serve solo le esigenze della trama, il regista affermando: "Qualunque cosa pensiate del contenuto di questa valigia , dì a te stesso che hai ragione ” . Originariamente doveva contenere diamanti (probabilmente quelli rubati alle Iene ) ma questo era ritenuto troppo comune. Ai fini delle riprese, contiene una lampadina arancione nascosta che produce un bagliore in qualche modo soprannaturale. In un'intervista del 2007 con l'amico Robert Rodriguez , Tarantino sembra sul punto di rivelare cosa c'è nella valigetta ma la scena poi salta, nello stile usato dai due registi in Grindhouse , e riprende con Rodriguez. la valigetta altera radicalmente la sua comprensione del film.
Tuttavia, sono state proposte diverse "soluzioni" a quello che un analista ha chiamato questo "puzzle postmoderno inspiegabile" . La maggior parte di queste teorie sono totalmente stravaganti, ma è stata tuttavia osservata una forte somiglianza con il film noir di Robert Aldrich Kiss Me Deadly (1955). Notiamo infatti in questo film, che Tarantino ha citato anche come influenza per il personaggio di Butch Coolidge, la presenza di una valigetta dal contenuto luminoso che di fatto contiene un materiale radioattivo . Per l'accademico Paul Gormley, questa connessione con In Fourth Gear , così come Raiders of the Lost Ark , rende possibile immaginare questo misterioso bagliore come un simbolo di violenza. Per Susan Fraiman, il contenuto misterioso rappresenta "un'intimità maschile ben custodita e mistificata. Molto preziosa e altamente pubblicizzata, e alla fine mai mostrata, questa dolcezza radiosa e anonima è racchiusa in un guscio esterno duro. Anche Jules, che vuole liberarsi del fardello del suo io barricato, conserva questa valigetta alla fine del film” . La teoria che la valigetta contenesse l'anima di Marsellus guadagnò rapidamente popolarità. Analizzando questa nozione, Roger Ebert la rifiuta come "nient'altro che una diffusa leggenda metropolitana a cui è stata data falsa credibilità attraverso la mistica di Internet" .
Ezechiele 25:17Prima di giustiziare qualcuno, Jules Winnfield recita ritualmente quello che sostiene essere un passaggio della Bibbia , versetto 17 del capitolo 25 del libro di Ezechiele . Questo brano può essere ascoltato tre volte nel corso del film: poco prima che Jules uccida Brett nel primo racconto, la stessa scena da un altro punto di vista nel terzo racconto, e durante l'epilogo al bar. Nella versione originale, le ultime due frasi pronunciate da Giulio sono abbastanza simili a quelle della versione inglese di Ezechiele 25:17 nella Bibbia di Re Giacomo ma le prime due sono state create da zero da altre citazioni bibliche. L'ispirazione principale di Tarantino per questo discorso è Karate Kiba (1973), un film di arti marziali giapponesi in cui Sonny Chiba pronuncia frasi simili. A proposito, un altro personaggio interpretato da Chiba ripete sempre le stesse frasi su come il mondo dovrebbe liberarsi del male prima di uccidere il cattivo della settimana nella serie TV giapponese Shadow Warriors (1980), e un killer tiene lo stesso tipo di discorso. in Modesty Blaise , romanzo di spionaggio che Vincent Vega legge in due scene del film.
Diversi critici hanno analizzato il ruolo del discorso e lo hanno relazionato in vari modi alla trasformazione del personaggio di Jules e alla questione del postmodernismo nel film. Paul Gormley scrive che, a differenza degli altri personaggi principali del film, Jules è "legato a qualcosa che va oltre la simulazione postmoderna... È forse più marcato quando interrompe la sua imitazione di un predicatore battista. citando Ezechiele perché "era un dolore dirlo prima di sparare a un ragazzo". Dopo la sua conversione, Jules prende coscienza di un luogo al di là di questa artificiosità, un luogo che, in questo caso, il film rappresenta come Dio” . Adele Reinhartz afferma che "l'intensità della trasformazione di Jules" è indicata dalla differenza tra i suoi due modi di pronunciare il discorso: "Nel primo è una figura maestosa e maestosa, che declama la profezia con furia e autocompiacimento. … Nel secondo, appare come un uomo totalmente diverso. Riflette in modo davvero postmoderno sul significato del suo discorso e fornisce diverse interpretazioni che si riferiscono alla sua situazione attuale” . Mark Conard sostiene che, mentre Jules riflette sul passaggio, inizia a intravedere che "si riferisce a un quadro oggettivo di valore e significato che è assente dalla sua vita" , che contrasta con la rappresentazione generale del film di una cultura nichilista. Jonathan Rosenbaum trova meno significato nella rivelazione di Jules, che spiega: “Il risveglio spirituale alla fine di Pulp Fiction , che Samuel L. Jackson interpreta egregiamente, non è altro che un discorso apertamente ispirato ai film di kung fu . Può farti stare bene, ma di certo non ti lascerà più saggio” .
Toilette e bagniUna parte significativa dell'azione nel film si svolge nei bagni e nei servizi igienici o coinvolge i personaggi che devono andarsene, un motivo che si trova in misura minore in altri film diretti da Tarantino. . Da Jack Rabbit Slim , Mia Wallace va a "spolverarsi il naso" nel bagno delle signore; Butch Coolidge e Fabienne condividono una scena nel bagno del loro motel, lui sotto la doccia mentre lei si lava i denti; ritroviamo Fabienne la mattina dopo nel film ma solo pochi secondi dopo sullo schermo, che si lava di nuovo i denti; quando Jules e Vincent recuperano la valigetta da Brett e dai suoi complici, un quarto aiutante si nasconde nel bagno; Vincent e Jules occupano anche il bagno di Jimmy, dove discutono di un asciugamano insanguinato; e Yolanda è presa da un desiderio impellente quando la rapina al bar si trasforma in un vicolo cieco messicano .
Inoltre, e come descritto da Peter e Will Brooker, queste sono le scene più significative, Vincent Vega va in bagno tre volte durante il film e quando torna trova un mondo drasticamente cambiato in cui incombe la morte. Questa minaccia cresce man mano che la narrazione progredisce cronologicamente per giungere a compimento la terza volta. La prima volta, ma l'ultima nella sequenza del film, Vincent va al bagno della caffetteria e torna nel bel mezzo di una rapina; la seconda volta si ragiona in bagno per non esagerare con Mia mentre è in overdose ; e la terza volta, legge nella toilette dell'appartamento di Butch e viene ucciso da quest'ultimo mentre esce. Secondo i Brookers, "Attraverso Vincent vediamo il mondo contemporaneo come del tutto contingente, disastrosamente trasformato nel momento in cui non guardiamo" .
Susan Fraiman trova particolarmente significativo che Vincent stia leggendo il romanzo pulp di spionaggio Modesty Blaise in due di queste scene, collegandolo alla tradizionale visione beffarda delle donne come consumatrici di riviste e letteratura stazionaria . Scrive: "Individuando la narrativa popolare nel cesso, Tarantino rafforza la sua associazione con la merda, già suggerita da una delle due definizioni della parola pulp all'inizio del film", materia morbida, pastosa e informe. Quindi qui abbiamo una serie di associazioni dannose - pulp magazine , donne, merda - che feriscono non solo chi produce questa fiction mainstream ma anche i consumatori maschi. Installato sul sedile del water con il suo libro, Vincent è femminilizzato tanto dalla sua posizione seduta quanto dalla sua mancanza di gusto. È implicitamente infantilizzato e omosessualizzato e l'inevitabile risultato è che viene polverizzato da Butch con il suo mitra. L'associazione tra il destino di Vincent e le sue abitudini di lettura è fortemente suggerita dallo sguardo di Butch, che si sposta lentamente dal libro caduto al corpo di Vincent accasciato sulla tavoletta del water” . Così, per Fraiman, «anche un 'pulpofilo' assertivo come Tarantino può continuare a sentirsi preoccupato ed evirato dalle sue preferenze» . Sharon Willis è di parere opposto, ritenendo che "il progetto generale [di Tarantino] sia trasformare la merda in oro. È un modo per impadronirsi e riciclare la cultura popolare, in particolare quella della sua infanzia, che per Tarantino è insieme un'abitudine e l'obiettivo” .
Sul mercato dei video, Pulp Fiction è stato distribuito per la prima volta su VHS e Laserdisc nel settembre 1995 e alla sua uscita si è affermato come il film con il maggior incasso nella storia del noleggio prima di Terminator 2 e Ballando coi lupi .
La versione in DVD è stata rilasciata su20 maggio 1998nella regione 1 e nel9 marzo 1999 nella regione 2. Un doppio DVD in edizione da collezione è stato rilasciato su 20 agosto 2002nella regione 1 e nel2 gennaio 2004in regione 2. Questa versione include documentari sul set e sui set, scene tagliate, il making-of , interviste e il discorso di Quentin Tarantino durante la Palma d'Oro a Cannes.
La versione Blu-ray Disc è stata rilasciata il19 marzo 2009 nella regione 2 e solo il 4 ottobre 2011 nella regione 1. Include gli stessi bonus dell'edizione speciale su DVD.
Pulp Fiction fu presto considerato uno dei film più importanti del suo tempo e la mania popolare intorno al film, dimostrata tra l'altro dalle numerose speculazioni sul contenuto della valigetta di Marsellus Wallace, gli fece acquisire uno status quasi immediato di film cult . Descritto come un fenomeno culturale internazionale la cui influenza si è fatta sentire non solo nel campo del cinema, ma anche in quelli della televisione, della letteratura, della musica e della pubblicità, è stato anche identificato poco dopo la sua uscita come un focus significativo della crescente comunità di utenti di Internet . I critici cinematografici Roger Ebert e Richard Corliss lo hanno descritto come il film più influente degli anni '90 .
Già nel 1995 Gene Siskel affermava che “l'intensità violenta di Pulp Fiction ricorda altri film violenti che erano considerati dei classici ai loro tempi e lo sono ancora: Psychosis (1960), Bonnie and Clyde (1967) e Orange Mechanical (1971) . Ognuno di questi film ha tirato fuori dal suo letargo un'industria cinematografica stanca e gonfia usando un lussurioso mondo di canaglie per riflettere quanto noiosi siano diventati gli altri film. E prevedo che questa sarà la ricompensa suprema di Pulp Fiction . Come tutti i grandi film, critica altri film” . Ken Dancyger scrive che lo "stile imitativo e innovativo" del film rappresenta "un nuovo fenomeno, un film il cui stile è creato dal contesto della vita cinematografica di fantasia piuttosto che dalla vita reale". La conseguenza è duplice: la presunzione che il pubblico abbia una vasta conoscenza di gangster, horror, film d'avventura o western; e la parodia o l'alterazione di questi generi creando una nuova esperienza per il pubblico” .
Paula Rabinowitz ha espresso l'opinione generale della comunità cinematografica, scrivendo che il film aveva "contemporaneamente resuscitato John Travolta e il film noir " . L'influenza stilistica del film divenne presto evidente; Meno di un anno dopo la sua uscita, il critico britannico Jon Ronson che ha frequentato le proiezioni di fine semestre della National Film and Television School ha testimoniato il suo impatto: "Dei cinque film studenteschi che ho visto, quattro hanno caratterizzato violenti sparatorie con una colonna sonora iconoclasta degli anni '70 successi, due si sono conclusi con i personaggi principali che si sparavano a vicenda e uno ha visto due assassini discutere delle idiosincrasie di una sitcom prima di uccidere la loro vittima. [Tarantino] è il primo uomo dopo Citizen Kane ad emergere da una relativa oscurità per ridefinire l'arte del cinema . Poco dopo l'uscita di Pulp Fiction , iniziò ad apparire "una miriade di cloni" che imitava il suo stile, con David Desser che credeva di "non solo influenzare la visione britannica del film noir, ma estendeva anche quell'influenza praticamente in tutto il mondo". . La sua struttura narrativa non lineare ha anche ispirato film di tutti i generi che hanno abbracciato questo disordine nella narrazione.
Diverse scene e dialoghi nel film sono diventati icone della cultura popolare , con la rivista Entertainment Weekly anche considerando che è difficile "citare un momento del film che non sia iconico" . Momenti particolarmente famosi includono il dialogo tra Vincent Vega e Jules Winnfield su McDonald's ; il ballo di Mia Wallace e Vincent Vega al Jack Rabbit Slim's ; la scarica di adrenalina nel cuore di Mia Wallace; le scene tra Butch Coolidge e Marsellus Wallace ei loro aguzzini; e la “citazione” di Jules Winnfield dal libro di Ezechiele . Anche l'immagine dei personaggi interpretati da John Travolta e Samuel L. Jackson in piedi uno accanto all'altro in costume e che puntano le pistole contro la vittima è diventata familiare. Nel 2002, Banksy dipinse un murale a Londra raffigurante i due uomini in questa postura e con in mano delle banane invece delle loro pistole, ma questo lavoro, stimato in £ 300.000 , è stato cancellato dai servizi municipali nel 2007.
Il film è, secondo la classifica stilata nel 2007 dall'AFI , il 94 ° miglior film americano di tutti i tempi . L'AFI anche la classe al 7 ° nella sua lista dei migliori film di gangster . Nel 2001, un sondaggio nazionale condotto nel Regno Unito da Channel 4 si è classificato al 4 ° posto tra i migliori film di tutti i tempi. Fa parte della lista dei 100 migliori film di tutti i tempi stilata da Time Magazine nel 2005. Nel 2008, la rivista Empire lo classifica al 9 ° posto nella sua lista dei 500 migliori film di tutti i tempi. Lo stesso anno, il personaggio di Jules Winnfield si è trovato al 19 ° posto tra i primi 100 personaggi cinematografici, secondo Empire . Infine, appare nel 4 ° posto nella Top 250 classifica dei film del Internet Movie Database , sulla base di voti pubblici, con un punteggio medio di 9 / 10 . Nel 2013, il film è stato selezionato dal National Film Registry per la conservazione presso la Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti per il suo "significato culturale, storico o estetico".
Il film è stato parodiato o citato in numerose opere d'arte, tra cui I Simpson , Seinfeld , Dr House , How I Met Your Mother , NCIS: Special Investigations , Married, Two Children , Community e Gilmore Girls ; i film Ant , Asterix e Obelix: Mission Cléopâtre , Moi César, 10 anni e mezzo, 1m39 , From Paris with Love , Hostel and Hostel, capitolo II ; le canzoni Pucc Fiction di Oxmo Puccino e Telephone di Lady Gaga ; e i videogiochi Fallout 2 e Call of Duty: Modern Warfare 2 . La risposta di Butch a Fabienne, sull'origine dell'elicottero, ha ispirato il nome del gruppo Zeds Dead. Il film è stato anche parodiato da Les Guignols de l'Info tra il 1994 e il 1995 sotto forma di vari bozzetti e un falso trailer, Pol Fiction , con i burattini di vari personaggi politici dell'epoca come Jacques Chirac , Philippe Séguin , Édouard Balladur. , Charles Pasqua , Valéry Giscard d'Estaing , o anche Raymond Barre .
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