La Messa da Requiem in re minore (o semplicemente Requiem ) op. 48 di Gabriel Fauré , scritto in piena maturità da questo compositore, è una delle sue opere più note.
La storia della sua composizione si estende dal 1887 al 1901 . È stato creato il16 gennaio 1888nella Chiesa della Madeleine . Questa Messa per i defunti è considerato uno dei capolavori di Fauré e uno dei più belli Requiem del XIX ° secolo. L'opera, la cui scrittura è molto personale, contiene diversi brani che si possono classificare tra i più belli e commoventi della musica corale occidentale.
Per analogia con il Requiem (1868) di Johannes Brahms , che viene spesso paragonato a quello di Fauré, si pensava che la sua composizione fosse legata alla morte dei suoi genitori. La maggior parte del Libera risale infatti all'autunno del 1877, dieci anni prima della morte della madre. Hélène Fauré stava ancora contando le sue ultime settimane di vita, quando suo figlio iniziò a comporre la messa per i morti. Lo stesso Fauré in seguito negò questo legame dichiarando: “Il mio Requiem è stato composto per niente… per gioco, se così posso dire! Fu eseguito per la prima volta alla Madeleine, in occasione del funerale di un parrocchiano. "
Infatti, Gabriel Fauré, maestro di cappella alla Madeleine, non si accontentava della tendenza del suo tempo a comporre Requiem teatrale, romantico, con grande orchestra sinfonica. Odiava soprattutto il Requiem (1837) di Hector Berlioz . D'altra parte, questa XIX e secolo è stato illustrato l'evoluzione della lirica , che penetrò nella pratica della liturgia della chiesa. Era consuetudine che l'organista suonasse la sua melodia preferita, che era l'opera e alla moda. Simbolicamente, nel 1864, il Puy-en-Velay giubileo fanfara non era altro che una melodia dal di Vincenzo Bellini Opera Norma . L'esecuzione della musica dell'opera nella chiesa continuò fino a quando il nuovo papa San Pio X non la proibì ( motu proprio Inter pastoralis officii sollicitudines , 1903). Fauré dovette comporre un Requiem , che si adattasse sia alle orecchie contemporanee che alla liturgia della chiesa.
Una traccia del Requiem , la risposta Libera me , risale al 1877. Era un pezzo per baritono e organo. Diottobre 1887 a gennaio 1888, Fauré creò una prima versione dell'opera, presentata all'amico Paul Poujaud come “piccolo Requiem . ". Questa prima versione consisteva in Introït (1887), Kyrie (1887), Sanctus (1888), Pie Jesu (1887), Agnus Dei (1888) e In paradisum (1887).
Non appena la composizione è stata completata, l'opera originale è stata ascoltata per la prima volta su 16 gennaio 1888, presso la Chiesa della Madeleine . Fu durante una messa di fine anno (qui per il primo anniversario della morte di Joseph-Michel Le Soufaché , famoso architetto). Il soprano solista era figlio del coro Louis Aubert , futuro allievo di Fauré al conservatorio. L'orchestrazione non era ancora completa. Una storiella racconta questo dialogo con il parroco al termine della funzione: "Cos'è questa messa per i defunti che hai appena ricattato?" - Ma, Monsieur le Curé, è un Requiem di mia composizione! - Onorevole Fauré, non abbiamo bisogno di tutte queste novità; il repertorio della Madeleine è abbastanza ricco, accontentatevi! ". Una mancanza di audacia abbastanza comune. Ma ha anche indicato che, almeno in questo caso, la Chiesa non ha più voluto, come in certi momenti, essere motore della creazione musicale. Consuete differenze tra un'autorità (qui ecclesiastica) e un musicista, non sempre docile, che l'istituzione aveva comunque scelto... Allo stesso tempo, Fauré trovò presto tra i cantanti il suo collaboratore, per completare l'orchestrazione.
Mancava ancora l' Offertorio , che fu completato tra il 1889 e il 1891. Per quanto riguarda il Libera me , non fu completato fino al 1890 o 1891. Quest'ultimo fu eseguito il28 gennaio 1892nella chiesa di Saint-Gervais da un baritono dell'opera nazionale parigina Louis Ballard. Fu in questo stato di composizione e orchestrazione, come versione cosiddetta “1893” o “versione per orchestra da camera ” , che fu eseguita alla Madeleine sotto la direzione di Fauré, il21 gennaio 1893, in occasione della commemorazione del centenario della morte di Luigi XVI . L'opera fu eseguita fino alla fine del secolo una dozzina di volte, a volte fuori dalla Madeleine, ma sempre sotto la direzione del compositore. Tuttavia, una volta completato, iniziò ad interessare Julien Hamelle , la casa editrice di Fauré.
Anche dopo questo completamento, Gabriel Fauré non cessò di perfezionare la parte orchestrale, secondo il suo disegno musicale. Perché, senza violini né legni, la sua orchestrazione era così strana che l'editore Hamelle aveva rifiutato la pubblicazione della versione del 1893. Quindi il manoscritto autografo fu affidato a Jean Roger-Ducasse , allievo di Fauré, per realizzare una riduzione per pianoforte. Tuttavia, una riorchestrazione dell'opera apparve improvvisamente, nel 1900, destinata ai concerti. È ancora molto difficile identificare l'autore di questa versione. La sua origine rimane poco chiara. Non solo il suo manoscritto originale è scomparso, ma lo stesso Fauré non ne ha fatto menzione. L'unica testimonianza è stato il contratto con Julien Hamelle, firmato il12 settembre 1899. Tutte le circostanze suggeriscono che l'autore della versione sinfonica sarebbe Roger-Ducasse. A meno che non si trovino documenti contraddittori, rimane la seguente ipotesi: Roger-Ducasse ha fornito spontaneamente la sua edizione arricchita, invece di perfezionare la riduzione per pianoforte. Senza difficoltà riuscì a convincere l'editore Hamelle, che preferiva le grandi orchestre, secondo la moda dell'epoca. Hamelle ha raccomandato a Fauré di concedere il permesso per l'uso di questa versione in concerto.
Comunque sia, la versione sinfonica era, prima della sua pubblicazione in settembre 1901, presentato su 12 luglio 1900al Palais du Trocadéro sotto la direzione di Paul Taffanel , durante il quarto "Concerto Ufficiale" dell'Esposizione Universale del 1900 . Taffanel ha diretto il coro e l' orchestra della Société des concerts du Conservatoire à Paris, con Amélie Torrès (soprano), Jean Vallier (baritono) e Eugène Gigout (organo).
Quindi, Eugène Ysaÿe ha condotto questa versione a Bruxelles il28 ottobre. Amélie Torrès ha ripreso l'assolo mentre Jean Vallier è stato escluso. A Nancy , sotto la direzione di Guy Ropartz , il lavoro è stato eseguito su10 febbraio 1901. Questi concerti sono stati seguiti da un altro a Marsiglia diretto da Paul Viardot su4 marzo. Quell'anno, quindi, entrò molto rapidamente nel programma dei concerti, grazie al quale ottenne una buona popolarità.
Nel 1916, al suo ex allievo, Camille Saint-Saëns concesse questa distinzione: “Il tuo Pie Jesu è l'UNICO Pie Jesu, poiché l'Ave verum corps di Mozart è l'UNICO Ave verum. "
Dopo aver diretto personalmente questa versione, Fauré scelse il suo successore, offrendogli una partitura orchestrale. Nadia Boulanger iniziò la sua esecuzione nel 1920, prima delle dimissioni del suo maestro, colpito da una sordità irreversibile . In questa solitudine, il compositore dichiarò a René Fauchois , con lettera datata13 aprile 1921, il suo sentimento sulla fede, con cui ha chiarito l'idea principale dell'opera: "fiducia nel riposo eterno".
Dopo la morte di Fauré, il governo francese ordinò il suo funerale nazionale [7] . Questi si sono svolti il8 novembre 1924, presso la Chiesa della Madeleine , così strettamente legata al compositore e al suo Requiem . Quest'ultimo vi fu eseguito sotto la direzione di Philippe Gaubert , come direttore dell'orchestra della Société des concerts du Conservatoire. Henri Dallier , successore di Fauré alla Madeleine, suonava l'organo. Charles Panzéra e Jane Laval erano i solisti. Nadia Boulanger, da parte sua, ha letto il testamento del suo defunto maestro.
Il Requiem di Fauré divenne presto noto in Francia e nei paesi limitrofi. Successivamente, il lavoro ha attraversato l'Oceano Atlantico. Il19 aprile 1931, Louis Bailly ha diretto questo Requiem in collaborazione con il Curtis Institute, che ha fornito il coro e l'orchestra, al Philadelphia Museum of Art . Lo fece eseguire di nuovo, il29 gennaio 1932, questa volta alla Carnegie Hall di New York . Tuttavia, una fonte cita nel 1937 un vecchio concerto del16 marzo 1930, con organo, orchestra d'archi e coro, presso la First Baptist Church di Newton vicino a Boston.
Un'ampia distribuzione dell'opera nei paesi anglosassoni (comprese due capitali) è stata effettuata da Nadia Boulanger . La prima rappresentazione del Requiem in Inghilterra si tenne anovembre 1936alla Queen's Hall di Londra. Diversi critici hanno espresso la loro ammirazione con entusiasmo. Il primo concerto di Boulanger negli Stati Uniti si è svolto anovembre 1940alla Washington National Cathedral , e ha continuato a dirigere il lavoro della sua insegnante , con i suoi messaggi di consolazione, durante la seconda guerra mondiale , a Boston e altrove. In risposta a una richiesta dell'Associazione Amici della Musica di Toledo, si è svolto un concerto di Requiem il9 dicembre 1945, in ricordo dei soldati di questo comune caduti al fronte. Così, il Requiem di Fauré ha unito i paesi in questo periodo difficile.
successoriConcepito con l'intenzione di rinnovare la directory funerali alla Madeleine, la versione chiesa potrebbe soddisfare la riforma liturgica di Pio X . Questo immenso rinnovamento della liturgia iniziò nel 1903. La Santa Sede lo avrebbe apprezzato, se l'opera avesse soddisfatto l' articolo III del motu proprio , che non autorizzava alcuna modifica dei testi sacri.
Nonostante questo divieto, la struttura creata da Fauré fu in seguito seguita da due opere di compositori francesi, da un lato il Requiem (1938) di Joseph-Guy Ropartz . Maurice Duruflé completò anche il suo famoso Requiem (1947) . Nato nel 1902 e spesso organista del Requiem di Fauré (soprattutto per due registrazioni pubblicate nel 1948 e nel 1952), compose il suo, sotto l'influenza dell'edizione vaticana .
Al contrario, gli altri musicisti del XX ° secolo, non hanno esitato a criticare le caratteristiche di questo lavoro. Così, Olivier Messiaen poi Pierre Boulez , due grandi compositori francesi, la cui estetica era molto diversa dalla sua, non lo apprezzò mai.
Questo lavoro dura "circa 30 minuti o 35 al massimo" a seconda del compositore ed è in sette parti:
Questo elenco è caratterizzato dall'assenza di Dies iræ , una parte drammatica. Fauré, infatti, approfittò del Requiem secondo il rito parigino , interamente adottato da Eustache Du Caurroy († 1609). Il rito ometteva il Dies iræ ma utilizzava il mottetto Pie Jesu [8] . E Théodore Dubois , suo superiore alla Madeleine, aveva adottato questa struttura mentre Fauré conosceva il mottetto Pie Jesu di Louis Niedermeyer , che fu il fondatore e maestro della scuola Niedermeyer di Parigi dove Fauré era studente.
Il compositore ha realizzato la fusione tra Agnus Dei e la comunione Lux æterna . Soprattutto trasformò i due inni del funerale in gregoriano, In paradisum e Chorus angelorum , in un dramma contemporaneo.
I brani erano stati intitolati, o con le prime parole ( incipit ) in greco ( Kyrie ) o in latino ( Sanctus , Pie Jesu , Agnus Dei , Libera me e In paradisum ), o secondo i termini liturgici in francese ( Introït e Offertory ).
La versione originale, risalente a gennaio 1888, è una fase incompiuta, in cinque parti. La sua orchestrazione era caratterizzata, esclusi legni e violini , dal suo tono particolare, piuttosto cupo:
La prima versione completa dell'opera è databile all'anno 1893. Oltre ai nuovi movimenti ( Offertorio e Libera me ), Fauré aggiunse successivamente i seguenti strumenti e voci:
Ma questa versione modesta e liturgica non è stata accettata dall'edizione Julien Hamelle . Senza essere pubblicata, la versione del 1893 cadde nel dimenticatoio. Ciò che è noto sin dalla sua pubblicazione è una versione sinfonica destinata al concerto. Oggi questa edizione può essere attribuita a Jean Roger-Ducasse ma deve essere identificata. Mentre la parte vocale rimane la stessa, questa versione presenta più fiati, ottoni e archi:
L'opera di Gabriel Fauré non assomiglia certo a nessun Requiem dell'epoca. Tuttavia, lo compose sotto l'influenza della musica antica, insegnata alla scuola Niedermeyer di Parigi : “Per musica sacra intendiamo tutti i canti che risuonano nel santuario: musica sacra, canto piano, organo. Per il canto piano, diciamo Saint-Grégoire ( sic ), per la musica sacra, diciamo Palestrina, ... ”( Louis Niedermeyer , 1857).
Personaggi in sette pezziI. Introito e Kyrie ( Re minore e il resto)
L'inizio di questo Requiem è meno originale. È una musica misurata con molte dinamiche tra ff e ppp . Ma Fauré fece ripetere in monodia il Requiem internam dalla voce del tenore. E sono i soprani ad annunciare i brani successivi. Questo Te decet hymnus è un bel contrappunto con gli archi. In omofonia e monodia, il testo viene ascoltato correttamente. Fino alla fine dell'opera, non esiste nella polifonia un lungo melisma che sviluppi la musica ma che impedisca la comprensione del testo.
II. Offertorio (si minore e il resto)
Con una semplice struttura a - b - a', questo brano è stato composto tardivamente. Si tratta in particolare di una sintesi tra anzianità e modernità. All'inizio è un'imitazione del canone senza accompagnamento ( a cappella ) e con un ambitus limitato (anzianità). Si tratta comunque di una sofisticata e complicata canna alla terza , quindi imitazione . I due semitoni ½fa e ½do sono usati senza esitazione mentre c'è l'impeto cromatico (per esempio, misura 13) (modernità). Inoltre, per evolvere la musicalità, Fauré utilizzò l'alternanza tra polifonia e omofonia nonché frequenti cambi di modalità. Mancando una parte da soprano, l'atmosfera cupa domina la prima parte, perché il testo parla dell'inferno e del Tartaro . Al centro c'è un canto solista contemporaneo, ovvero la lettura cantata di un testo sacro. Senza parafrasare il gregoriano, Fauré ne ha approfittato molto: una combinazione di passaggio veloce e passaggio lento, intervalli all'unisono e vicini, ma soprattutto ritmo verbale. Si sente la bellezza della lingua latina accentuata. Per la terza parte, utilizzando lo stesso testo, la musica diventa più gradevole, più luminosa, grazie alla partecipazione della voce di soprano e alla modifica della composizione. Possiamo vedere la memoria del Cantico di Jean Racine (rientro in BTAS, ma in particolare il vertice dell'inferno in f ). Alla fine Fauré ha composto un bellissimo amen , una vera preghiera cantata.
III. Sanctus ( Mi bemolle maggiore )
È vero che Fauré ne ha scritte alcune a 6 voci (SATTBB). Si tratta infatti di un dialogo in monodia e in alternanza di sole due voci superiori, soprano e tenore, che esclude le parti di viola e basso II. La spiegazione di questa composizione può essere trovata nel testo biblico di questo Sanctus , che la maggior parte dei compositori ha dimenticato o ignorato: "Nell'anno della morte del re Uzzia, vidi il Signore seduto sul trono in alto e in alto, .. Serafino stava davanti a lui ...E gridavano l'un l'altro e dicevano: "Santo, santo, santo è il Signore degli eserciti! Tutta la terra è piena della sua gloria..." ( Libro di Isaia , VI, 1-7). , si tratta del dialogo dei serafini . Ecco perché il compositore ha preferito una voce di chiarezza e purezza, ... e letteralmente angelica. Non era tutto. L'esempio più noto è un mottetto concertante (concerto) Duo Seraphim di Claudio Monteverdi cantato da due tenori nel Vespro della Beata Vergine (1610). di antichità che di solennità. In questo dialogo, sempre pacato, resta importante l'accento latino. È ragionevole che Nectoux aggiunse il ent musicale nel termine Hosánna . Ma per finire, il compositore fece ripetere a 6 voci una sola parola Sanctus , e nelle pp . La parte viola canta solo questo termine (barre 53 - 56). Invece della parola amen , perché quelli che cantano non sono uomini. Fauré chiede qui la bellezza dell'accordo di I perfetto (C - E - G) in mi bemolle maggiore. Infine, questo pezzo non è stato completato. Secondo gli studi di Denise Launay , il Sanctus era spesso frammentato nella Messa. Il cerimoniale di Clemente VIII , emanato nel 1600 dopo il Concilio di Trento , ammetteva così. Inoltre, l'ultima sezione del Benedictus è stata, in Francia, spesso sostituita dal mottetto O Salutaris Hostia . Questo era esattamente il caso della massa di pescatori di Villerville de Fauré. La sua ultima versione del 1906 soppresse però l' O Salutaris di André Messager aggiungendovi il Benedictus di Fauré, risultante dal Qui tollis della prima versione 1881 (NB Il libro di Isaia non contiene il testo Benedictus e si tratta del Salmo 118 ( 117) ).
IV. Pie Jesu ( B bemolle maggiore e il resto)
come alcuni compositori francesi del XIX ° secolo, Faure ha approfittato del risultato della tradizione rito di Parigi. L'opera conserva quindi una caratteristica del mottetto del prospetto . Questo è un pezzo con l'oscillazione tra i modi maggiore e minore, che crea molte sfumature.
V. Agnus Dei ( Agnus Dei , Fa maggiore , nonché Lux æterna comunione , Mi bemolle minore )
In ambito teologico, il piano musicale di questo brano non corrisponde al testo. Quest'ultimo è costituito da una struttura a-a-ab (con sempiternam ) che rende omaggio alla Trinità . Quella di Fauré è composta dalla struttura a (tenore) - B (coro) - a '(tenore) - c (tenore). Tuttavia, se si consulta, ancora, il cerimoniale di Clemente VIII, questo modo è stato consigliato lì. Per Agnus Dei , questa grande guida liturgica consigliava l'esecuzione in alternanza organo - schola (coro) - organo, secondo la quale grandi organisti francesi come François Couperin componevano le loro opere. Inoltre, Giacomo Carissimi , che aveva formato Marc-Antoine Charpentier a Roma, scrisse un Agnus Dei in una messa in forma gregoriano-coro-gregoriana [9] . La composizione adottata da Fauré era del tutto legittima. Inoltre, la camera ha una particolarità. Dalla battuta 1 l'orchestra canta ( dolce espressivo ). E la voce del tenore l'accompagna (anche p dolce espressivo ). Questa maniera era stata realizzata dal compositore per la melodia Claire de lune op. 42, n° 2 , in cui il pianoforte canta e la voce lo accompagna (vedi anche Te decet hymnus de l'Introït, composizione normale). La conclusione, sempiternam requiem , non è altro che un passaggio di quest'opera. È uno slancio semplice e piuttosto modale, composto da un semitono in la minore , si si do do si si do . Quindi la voce di soprano segue quest'ultima nota C per Lux , senza alcun accompagnamento. Fluttuante direttamente sulla scala dei semitoni, questa nota non accompagnata ha, in questa circostanza, un doppio tono, ½ C o ½ F , a seconda della vecchia modalità . Per questo Fauré ha potuto continuare senza difficoltà la comunione Lux æternam grazie a questo Fa , in mi bemolle minore . Inoltre, la voce di soprano allungata è così profondamente adattata al testo Lux che l'effetto rimane anche visivo, capace di far sentire un raggio di luce. Poi, Fauré ha scritto un'immensa evoluzione musicale in cromatica , ora sempre a 6 voci. Per concludere il pezzo, l'orchestra ha ripreso il proprio tema dell'Agnus Dei , questa volta in re maggiore , secondo cambiamenti di modalità. Dopo la parte cromatica, questo finale dona un vero tono di speranza. Rimane una difficoltà liturgica. In questo pezzo, l' Agnus Dei e la Lux æterna sono inseparabili. Faure non voleva rispettare la liturgia? Ma il cerimoniale di Clemente VIII richiedeva che i musicisti tacessero durante la comunione, eccetto durante le feste principali, Natale, Pasqua e Pentecoste. Se il compositore preferisce la liturgia in rito tridentino , la comunione nel silenzio può essere adottata per questo motivo. Soprattutto per la massa dei defunti.
VI. Libera me (re minore e il resto)
In questo brano il coro mantiene la sua tipica funzione a 4 parti (SATB), inclusa la partecipazione completa della viola. Il baritono solista rimane così melodico ed espressivo. Fauré ha infatti selezionato, con grande libertà, i gradi molto vari per questa composizione. D'altra parte, la risposta del coro (batt. 37 - 52) rispetta i passi vicini in modo così rigoroso che il brano conserva la sua caratteristica liturgica. Notare l'uso del movimento parallelo al terzo in questa parte. Ciò è particolarmente evidente nella terza parte Dies illa, dies iræ . A favore di questo testo, il compositore ha approfittato del drone , praticato a Parigi e altrove fino alla prima metà del XIX ° secolo. Poiché questo movimento omofonico dà potere, la parte Dies illa ha un carattere piuttosto drammatico. Poi il coro riprende la melodia Libera me in all'unisono . Contrariamente alla credenza popolare, un'ipotesi è possibile, grazie a un accompagnamento più semplice nella partitura: la rimozione dell'effetto drone. Per concludere il pezzo, questo maestro di cappella ha creato un finale piuttosto liturgico. Il baritono solista, “un po' cantore ” , canta ancora la preghiera Libera me . Il coro risponde . La composizione suggerisce anche che Fauré sapeva che Libera è un responsorium per me . Questa risposta era originariamente il risultato di un'ibridazione tra la risposta gallicana e quella di Roma . Fauré stava esaminando questo materiale dal 1877, quando fu nominato maestro di cappella.
VII. In paradisum ( re maggiore )
Fauré trasformò due antifone riservate alla processione in un pezzo schola e orchestrale. La caratteristica dell'antifona monodica è conservata dalla voce di soprano mentre la sua melodia è inseparabile dal testo latino, in prosa . L'accompagnamento si caratterizza per la sua semplicità ( ostinato ), senza battiti o evoluzioni ma sempre in arpeggio , come se fosse l'orologio celeste. Fauré li fece cantare in fa diesis minore per et perducant te in civitatem sanctam , che resta la salmodia che prepara l'impulso importante e successivo. Questa piccola tensione musicale viene immediatamente risolta dal coro che canta Jerusalem , sempre in re maggiore . Il ritornello della parola Jerusarem era usuale nelle Lamentazioni di Geremia durante il Rinascimento come un serio richiamo al profeta : "Gerusalemme, Gerusalemme, ... Convertere ad Dominum Deum tuum". Ora Faure fece eseguire qui la sua prova di Gerusalemme per esprimere la gioia del defunto nel vedere il santuario della Gerusalemme celeste. Le voci cambiano costantemente le loro note in transizione a quella di I (C - E - G, battuta 29), sotto l'influenza della musica rinascimentale. Nella seconda antifona, la cima presenta esplicitamente il pensiero di Fauré: l'eternità ( bar 45 æternam ). Questo slancio discendente (e in f ) corrisponde a quello della prima parte Gerusalemme (barre 24 - 26, in f ). Il ruolo del coro rimane secondario, per la conclusione di ogni inno. Nella misura 59, l' arpeggio dello strumento cessa mentre l'ultima preghiera da requiem in ppp è un semplice accordo perfetto che faccio - E - G in D major. Questo spiega perché il defunto se ne andò in pace, nell'eternità.
“Le sue prime doti per la musica gli hanno permesso di entrare all'età di nove anni presso la famosa École Niedermeyer fondata a Parigi per formare organisti e maestri di cappella, [precedentemente soppressi durante la Rivoluzione]: per circa dieci anni, ha ricevuto un'istruzione di alta qualità , incentrato principalmente sullo studio della musica sacra e dei grandi capolavori classici, a cui in particolare Camille Saint-Saëns lo ha avviato. "
Parola incomprensibile " per il piacere ", quando si è notato che il manoscritto autografo BNF 412 si nota di un numero considerevole di modifiche sul suo Agnus Dei [10] . Inoltre, il compositore ha precisato: "un basso baritono tranquillo, un piccolo cantore ". Consultando la partitura, vediamo che questa qualificazione governa l'intera opera. Lo stesso Fauré lo ha sottolineato: “ha un carattere DOLCE come me!! generalmente ". È vero che 368 misurazioni su 577, ovvero il 64%, vengono eseguite in p , pp o ppp . Inoltre, tutte le parti iniziano e finiscono a p . Tutti i testi, invece, sono preghiere per i defunti, ad eccezione del Sanctus , lode in massa. Il Dies iræ ha rinunciato o escluso, ma il suo ultimo versetto Pio Jesu , che è la preghiera conclusiva, è stato mantenuto. Quindi, anche se Fauré ha sviluppato la dinamica musicale di un terzo di battute, il lavoro rimane calmo. Tuttavia, il resto, due terzi, è tutt'altro che poco musicale. Fauré è stato in grado di padroneggiare forme antiche come la ricchezza della prosa , invece della dinamica. Ma per soddisfare le orecchie del tempo, seguì le sue mode , non le mode gregoriane . L'analisi della partitura conferma che, come la Gregoriana, l'opera è stata concepita come preghiere cantate.
| pezzo | inizio | fine | misurare in p | misurare in pp | misurazione ppi | misurare in totale | % ( p , pp e ppp ) |
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| io | ff > (batt. 1, accompagnamento) / pp (batt. 2, ritornello) | p | 34 | 18 | 5 | 91 | 63% |
| II | p | ppp | 36 | 26 | 5 | 95 | 71% |
| III | p (accompagnamento) / pp (coro) | p | 9 | 40 | - | 62 | 79% |
| IV | p | p | 17 | 10 | - | 38 | 71% |
| V | [ p ] / p (batt. 7, tenori e accompagnamento) | p | 38 | 13 | - | 94 | 54% |
| VI | p | p | 51 | 14 | - | 136 | 48% |
| VII | p | ppp | 33 | 10 | 9 | 61 | 85% |
Come maestro di cappella (1877 - 1896), Fauré compose l'opera. Questo spiega un altro personaggio: la composizione vocale è così poco polifonica che i testi si sentono bene in questo Requiem , incluso IV Pie Jesu solo. Il ruolo degli strumenti è quello di adornare la voce con cura, in maniera polifonica. Più precisamente, si tratta del contrappunto di cui ha beneficiato Fauré.
| pezzo | misura vocale polifonica | solista (la) | monodia (B) | omofonia (C) | (A) + (B) + (C) | orchestra da sola |
|---|---|---|---|---|---|---|
| io | - | - | 33 | 43 | 76 (100%) | 15 |
| II | 21 | 39 | - | 22 | 61 (74%) | 13 |
| III | 2 | - | 48 | 4 | 52 (96%) | 8 |
| V | 7 | - | 38 | 29 | 67 (91%) | 20 |
| VI | - | 39 | 32 | 59 | 130 (100%) | 6 |
| VII | 10 | - | 34 | 13 | 47 (82%) | 4 |
Nonostante la buona fama, l'origine del Requiem rimase oscura. In particolare, mancavano i manoscritti del compositore. Infatti, la Biblioteca Nazionale di Francia conserva ancora quattro spartiti autografi dopo la morte di Fauré nel 1924. Questi manoscritti 410-413, a parte il Pie Jesu , furono riscoperti dal compositore britannico John Rutter che stava preparando il suo Requiem . Questi gli autografi a favore della prima udienza, tra cui due partiture erano state datate 6 e9 gennaio 1888. Il compositore li utilizzò fino al 1893 circa, migliorando questi materiali.
Questa scoperta ha avanzato la ricerca. Innanzitutto, questi autografi sono una testimonianza del prototipo del Requiem , piuttosto modesto. Poi è apparso evidente che l'opera è stata gradualmente arricchita dal compositore. I manoscritti conservano poi lo stato dell'opera ultimata e portata a termine intorno al 1893. Notiamo però che la sua orchestrazione differisce da quella della versione da concerto del 1900. Ci chiediamo quindi se la versione sinfonica fosse stata rilasciata dallo stesso Fauré. Pertanto, la riorchestrazione degli strumenti a fiato è notevolmente diversa da quella del 1893.
Rilevando un'incongruenza tra la parte vocale e quella dell'orchestra, Jean-Michel Nectoux ha cercato anche questa ipotetica versione. Fu Joachim Havard de la Montagne, maestro della Madeleine, a scoprire nel 1969 le partiture orchestrali del prototipo, di cui l'autore faceva parte del coro. Fauré copiò la maggior parte delle parti per corni e trombe (BNF manscrit 17717). Questo musicista, un certo Manier, era quindi un collaboratore della parte orchestrale. Inoltre, c'è un pezzo dall'Offertorio , come baritono solista. In breve, questi vecchi documenti consentono di ripristinare la versione completata intorno al 1893.
La prima registrazione di questa versione è stata fatta nel 1984 da John Rutter. Questo disco è stato premiato l'anno successivo dai Gramophone Classical Music Awards . Poi, in occasione del centenario della prima audizione, la diresse Philippe Herreweghe , il,16 gennaio 1988 alla Maddalena.
Se poi John Rutter fece pubblicare la sua edizione nel 1989 dalla Oxford University Press , la sua scrittura fu criticata dagli specialisti, a causa del suo dilettantismo. Inoltre, questo musicista ha consultato solo i manoscritti 410 - 413. Poiché questa versione della chiesa rimane autentica e la composizione dell'orchestra da camera si adatta alla celebrazione liturgica, ci si aspettava un'edizione migliore. Nectoux ha risposto a questa esigenza pubblicando la sua edizione critica . Tutti i punteggi richiesti sono stati pubblicati nel 1994 e nel 1995 dall'edizione Hamelle. Roger Delage aveva partecipato a questa importante stesura.
La pubblicazione del libro era in aumento. L'edizione Julien Hamelle ha venduto, in un secolo, 130.000 copie della versione per pianoforte, che rimane una vera testimonianza. Eliminata dal catalogo nel 1998, questa edizione era, infatti, tutt'altro che adeguata.
Studi recenti hanno identificato molte cause. In primo luogo, l'opera era destinata alla liturgia. Per Hamelle, che temeva il fallimento della pubblicazione, erano necessari molti altri anni di sviluppo nella parte orchestrale. Dopo aver preso il posto di Théodore Dubois nel 1896 a La Madeleine, questo nuovo manager aveva meno tempo libero. Non poté quindi finalizzare la stesura, con il progetto dell'opera Prométhée , la cui presentazione era prevista presso le moderne arene di Béziers aagosto 1900. Tuttavia, Fauré aveva perso uno dei suoi amici che era in grado di aiutarlo, Léon Boëllmann († 1897). Infine, inagosto 1898, il compositore ha promesso la disponibilità del manoscritto in stato di pubblicazione, fissata per il 1 ° dicembre 1899. La riduzione per pianoforte fu affidata, all'ultimo momento, a Roger Ducasse .
Da qui il risultato, la prima pubblicazione in febbraio 1900, era pesante per Fauré. Quest'ultimo ha scritto inottobre 1900a Eugène Ysaÿe : “Ahimè, questi piccoli spartiti sono pieni di errori! ". Non esitò ad intervenire, apportando una settantina di correzioni a una copia della prima edizione. Questo file è stato trovato negli archivi del compositore (manoscritto Res. Vmb. 49). Tuttavia, questa edizione riveduta commetteva ancora molti errori. Si può pensare che Fauré avrebbe realizzato questa riorganizzazione in un tempo molto limitato. Dopo la pubblicazione della versione della chiesa, l'edizione e Jean-Michel Nectoux hanno deciso di rivedere scientificamente l'edizione del 1900. Tra le molte correzioni:
Attualmente, la mancanza di autografi impedisce a uno stricto sensu di stabilire un'edizione critica per la versione da concerto 1900/1901.
Per quanto riguarda la nuova edizione di Nectoux, questa è un'edizione quasi critica , perché, presentando le loro fonti, le sue modifiche sono dettagliate alla fine della partitura. Inoltre sono consultati e rispettati i dati correzioni di Fauré e manoscritti autografi di vecchie versioni del XIX ° secolo.
È un'edizione quasi critica. In effetti, gli errori erano così numerosi che Nectoux ha dovuto rinunciare a prendere nota di tutte le correzioni, per evitare un punteggio troppo pesante. Pertanto, un gran numero di correzioni a priori non viene notato.
Ammettendo che si tratta di una sintesi mai eseguita prima della morte di Gabriel Fauré, questa edizione è considerata più corretta delle edizioni 1900/1901. Il suo obiettivo è avvicinarsi più propriamente a quelli che il compositore ha concepito, ad esempio il suo testo musicale così come le sue indicazioni di tempo e sfumature.
Ancora nuove edizioni simili sono possibili da altri musicologi, fino a quando non saranno trovati i manoscritti autografi (se rimangono). Così, presso la casa di Bärenreiter , è uscita nel 2011 un'altra edizione quasi critica, a cura di Christina M. Stahl e Michael Stegemann, in cui l'editore ha precisato che non si tratta di un'edizione definitiva.
Elenco dei documenti utilizzati per la modificaPer la sua nuova edizione, Jean-Michel Nectoux ha consultato tutti i documenti disponibili, in particolare queste fonti:
Elenco delle fontiRisorse principali:
il mio eccellente studente M Miss Nadia Boulanger il
suo vecchio insegnante dedicato
Gabriel Fauré
Fonti secondarie:
NB Manoscritti autografi da trovare:
oggi (2019), tutti questi manoscritti manoscritti sono misteriosamente scomparsi a favore della versione 1900/1901:
Possiamo vedere una forte tendenza. La maggior parte delle registrazioni sono state effettuate in paesi di lingua francese e inglese.