Rinascimento veneziano

Rinascimento veneziano Immagine in Infobox. Vittore Carpaccio , Il Leone di San Marco (particolare), 1516.
Artista Pittura  : Laboratorio Vivarini , Giorgione , Giovanni Belli , Carpaccio ... Architettura  : Mauro Codussi , Jacopo Sansovino , Andrea Palladio ... Scultura  : Antonio Lombardo , Tullio Lombardo ...
Datato tra il XV ° e XVI °  secolo
Posizione Venezia

Il Rinascimento veneziano è la declinazione del dell'arte del Rinascimento sviluppato in Venezia, tra il XV ° e XVI °  secolo.

Il Rinascimento veneziano ha caratteristiche specifiche rispetto ad altri centri del Rinascimento italiano . La Repubblica di Venezia è topograficamente distinta dalle varie città-stato rinascimentali italiane per la sua posizione geografica che isola la città politicamente, economicamente e culturalmente. L'influenza dell'arte veneziana non cessò di manifestarsi alla fine del Rinascimento; pratiche persistono attraverso critici d'arte e opere di artisti che proliferano in tutta Europa fino al XIX °  secolo.

Sebbene un lungo declino del potere politico ed economico della Repubblica sia iniziato prima del 1500, Venezia è rimasta fino ad oggi “la città italiana più ricca, potente e popolosa” . Controlla importanti territori del continente, detti terraferma , che comprendono diversi piccoli centri dove operano artisti della scuola veneta, soprattutto a Padova , Brescia e Verona . I territori della Repubblica comprendono anche l' Istria , la Dalmazia e le isole al largo della costa croata, che partecipano anche alla costituzione della scuola veneziana. I grandi pittori veneziani del XVI °  secolo, sono raramente dalla città stessa, e alcuni lavori principalmente in altri territori della Repubblica, o anche al di fuori.

Sebbene non sia un importante centro dell'umanesimo rinascimentale , Venezia è il centro dell'editoria libraria in Italia; le edizioni veneziane sono distribuite in tutta Europa. Alde Manuce è il più importante tipografo/editore, ma non è isolato.

Specificità veneziane

L'arte e l'architettura a Venezia sono caratterizzate da una specificità chiamata venezianità , gli artisti e gli artigiani veneziani hanno creato un'arte le cui caratteristiche formali si distinguono immediatamente da quelle di altre città italiane: ricchezza cromatica, importanza data ai motivi e alle superfici. , alla luce, al dettaglio dell'occasione, un gusto per il pastiche e il conservatorismo. Quattro fattori significativi spiegano questa particolarità: una situazione geografica favorevole, un vasto impero commerciale, una persistente eredità bizantina, una struttura politica e sociale coerente in grado di integrare gli stranieri.

Posizione geografica

Completamente staccato dalla terraferma alla metà del XIX °  secolo, Venezia è raggiungibile solo via mare e il primo ha rivelato visivamente come un panorama. La città è composta da minuscole isole collegate tra loro da ponti che attraversano stretti canali. Non ha bastioni, ad eccezione delle due fortezze che chiudono il porto. La sicurezza di cui gode favorisce l'emergere e lo sviluppo sostenibile di una ricca tradizione artistica.

Venezia è l'unica grande città in Italia che non è stata costruita su antiche fondamenta. Alla fine del Medioevo, una tradizione afferma che le isole furono occupate da un gruppo di nobili troiani dopo la caduta di Troia . La città è quindi, secondo questo mito, più antica di Roma, e quindi superiore ad essa. Un'altra leggenda ne colloca la fondazione ufficiale nel 421, in occasione della festa dell'Annunciazione dove è posta la prima pietra della Chiesa di Rialto, testimonianza delle sue antiche origini cristiane. Durante il Rinascimento, la partecipazione artistica di Venezia alla rinascita dell'Antichità fu caratterizzata da un approccio romantico e nostalgico derivante da questa doppia eredità mitica.

Una chiesa parrocchiale circondata da case e negozi è al centro della maggior parte delle isole che la compongono, ogni isola è autonoma, il trasporto è via mare. I ponti collegano le strade principali, attraversando i canali, a volte prendendo angoli singolari. L'asimmetria è onnipresente, sia nel labirinto delle strade, nella pianta degli edifici o nelle facciate dei palazzi in stile "gotico". La stessa Piazza San Marco è trapezoidale . La forma della città è determinata dal deposito delle maree ascendenti e discendenti che ne disegnano l'andamento irregolare. Il gusto per la composizione asimmetrica, presente nella pittura veneziana per tutto il Rinascimento, è un'emanazione di questo ambiente fisico immediato.

L'approccio veneziano al colore potrebbe aver trovato le sue fonti nei canali delle città e nella distesa della laguna, la luce sulla superficie dell'acqua producendo effetti cromatici particolari, diversi in ogni momento della giornata.

Impero commerciale

Le attività mercantili di Venezia le consentono di stabilire rapporti commerciali con il mondo islamico. Alla fine del XII °  secolo, Venezia ha insediamenti permanenti su molte delle isole del Mar Egeo . Dopo il 1204 e al culmine della Quarta Crociata , la Basilica di San Marco, pensata come Cappella del Doge , divenne sia vetrina dei premi di guerra che reliquiario di tesori spirituali, i più visibili dei quali provengono da Costantinopoli come la quadriga di bronzo posto sopra il portale principale sulla piazza.

Venezia svolge, a differenza delle altre repubbliche marinare, il ruolo di principale magazzino e magazzino per tutto il mondo. I veneziani, anche quelli che non lasciano mai la laguna, hanno a disposizione una vastissima gamma di cibi, sia ordinari che esotici. La maggior parte di queste merci arriva a Venezia per la rispedizione. L'occhio veneziano è infatti esperto e acuto nel colore, nella materia e nel disegno; sa apprezzare la complessità visiva dell'assemblaggio che unisce frammenti disparati, come testimoniano i bassorilievi che adornano le facciate dei palazzi e che si dispongono senza preoccuparsi di integrarsi in un insieme coerente. Gli artigiani veneziani sono anche maestri nell'arte di copiare tutti i tipi di oggetti e mostrano grande abilità quando si tratta di adattare un'invenzione all'uso moderno.

paradigma bizantino

L'oro è onnipresente nella Basilica di San Marco, le tessere di vetro dei mosaici hanno un colore che varia al variare della luce. L'approccio cromatico dei pittori veneziani del Rinascimento deriva in particolare dai colori accesi e dalle tinte orchestrate e unite nello stesso tono caldo che vi troviamo. Assumono anche il significato della costruzione della superficie: da vicino, l'occhio vede nel mosaico tessere distinte di un unico colore; da lontano, il pensiero fonde questi pezzi in un'unica superficie.

Gli artisti del Rinascimento restaurano alcuni pezzi di mosaico o ne creano di nuovi dai loro disegni. Paolo Veneziano (c. 1290-1358 / 1362) introduce con il Polittico di Santa Chiara , il tipo di polittico che diventerà la norma a Venezia, combinando elementi gotici e bizantini in una nuova sintesi. Usa una tecnica miniaturistica basata sull'attenta osservazione dei dettagli intimi. I lussuosi tessuti indossati dalle figure sacre sono una testimonianza indiretta del commercio con l' Estremo Oriente . I colori vivaci sono usati alla veneziana, con riservatezza e sottigliezza. Si trasformano in una ricca armonia cromatica grazie alle virtù unificanti del fondo dorato.

Nel Quattrocento i valori ornamentali dei mosaici di San Marco attirano ancora artisti che li reinterpretano per rispondere alle nuove esigenze del naturalismo . Pochi artisti continuano a utilizzare la foglia d'oro per gli sfondi delle loro pale d'altare. Gentile Bellini , attraverso la sua tecnica, cerca di riprodurre nella sua pittura ad olio le proprietà luminose delle tessere di vetro. Riesce a dare l'impressione di uno splendore interiore, di una luce che sembra spirare dal profondo del quadro, adescando la tela o la tavola che ricopre di bianco. Come Bellini, Tiziano a volte usa la vernice per ottenere trasparenza e luminosità, ma soprattutto la superficie strutturata irregolare diventa uno dei tratti distintivi della scuola veneziana. La pittura ad olio viene applicata con un pennello o stesa in piccoli punti lasciando visibile la tela che è a trama grossa. La materialità non mascherata della tela e del dipinto richiama la natura tangibile del mosaico.

Gli artisti del Rinascimento considerano la gamma, i colori e le qualità dei mosaici di San Marco come modelli essenziali di composizione. Scoprono un approccio sottile al colore, lezioni di tecnica artistica, modelli compositivi, rispetto per la superficie e un modo di percepire e rappresentare la luce come potente agente di rivelazione della forma.

Struttura sociale

Venezia è sempre stata una città di immigrati dove sono rappresentate tutte le regioni d'Italia e dell'Adriatico. Le coppie di figure poste alla base della cupola pentecostale della Basilica di San Marco sono personalizzate dal colore dei costumi, del viso, della pelle e dei capelli delle diverse regioni del mondo, dettagli specifici di Venezia. Alla fine del Quattrocento , l'attività commerciale e l'immigrazione legate all'avanzata verso occidente dell'Impero Turco vi crearono una delle popolazioni più eterogenee d'Europa che contribuisce al carattere cosmopolita della cultura veneziana.

L'organizzazione sociale della Repubblica ha un impatto significativo sulle commissioni artistiche. Il consenso è fortemente incoraggiato e la glorificazione individuale, in particolare dei praticanti e dei cittadini , è frenata per evitare gelosie e poca competizione fraterna. Solo le cappelle ei palazzi di famiglia si conformano ancora ai modelli preesistenti. Il senso di partecipazione all'impresa comune anima la popolazione. Questo è uno dei motivi per cui gli ordini del governo e delle scuole sono più importanti che altrove. L'impegno per l'ordine costituito accentua anche il posto dato alla tradizione artistica. Se le strutture sono stabilite dalla cultura commerciale dei praticanti, gli artigiani e gli artisti sono gli autori del cambiamento estetico, innestando il presente sul passato in un palinsesto sempre in evoluzione.

Politica artistica

Molto presto, la Repubblica di Venezia organizzò politicamente ed economicamente le professioni artistiche poste al servizio ufficiale dello Stato. Comprendendo l'importanza della pittura come mezzo per formulare la cultura e l'ideologia della città in immagini efficaci, Venezia istituì fin dai primi anni del Trecento l'ufficio di Pittore Ufficiale della Repubblica, il Pittore di Stato , così come esiste anche uno "Stato Architetto" e uno "Scultore di Stato". Al tempo del Doge Dandolo , il Pittore ufficiale era Paolo Venziano , uno dei principali attori nella definizione dello stile veneziano del Trecento. Nel 1483 Giovanni Bellini è citato da documenti ufficiali come Pictor nostri Domini , subentrando al fratello Gentile, inviato ufficialmente a Costantinopoli per ritrarre il Sultano .

Il titolo di Pittore Ufficiale prevede notevoli vantaggi economici quali un reddito fisso e l'esenzione dalle tasse dovute alla corporazione, ma comprende oneri specifici che confermano la natura "politica" di tale incarico: il pittore o il suo studio devono eseguire il ritratto. il Doge eletto che viene poi collocato in vari luoghi importanti della città e del suo territorio; deve produrre la “tavola votiva” dell'elezione, nella quale San Marco presenta alla Vergine il nuovo rappresentante della comunità; dovrà infine realizzare lo stemma recante lo stemma della famiglia dogale e il “davanti dell'altare” in arazzo che il nuovo doge dovrà offrire alla Basilica di San Marco.

La continuità della scuola veneziana, dove il pittore partecipa da vicino alla vita collettiva della Repubblica, è assicurata da questo uso ufficiale e obbligatorio dell'immagine dipinta nelle grandi circostanze politiche della vita e della città. Questa struttura garantisce il radicamento dell'"arte in città", un rapporto vivo che lega l'artista al sentimento collettivo della comunità, e permette alla scuola veneziana di compiere, in pochi anni, il decisivo cambiamento che l'ha determinata. prende una certa distanza dalla tradizione bizantina che lo aveva caratterizzato fino ad allora.

Contesto del Primo Rinascimento a Venezia

Prima metà del XV °  secolo

Dopo la crisi economica di fine Medioevo , le prudenti famiglie veneziane cercarono di assicurarsi forme di reddito più sicure del commercio, come le rendite fondiarie. La Repubblica iniziò quindi una svolta storica senza precedenti iniziando ad espandersi verso l'entroterra. Inizialmente conquistò terre verso le Alpi e la pianura tra l' Adige e il Po fino a giungere al confine con il Ducato di Milano dove gli scontri con i Visconti sono numerosi. Sui mari la sua principale rivale resta la Repubblica di Genova contro la quale Venezia sta conducendo due guerre.

Nella pittura, nella scultura e nell'architettura, motivi di stile tardo gotico si mescolano al substrato bizantino  : le sottigliezze lineari e cromatiche del gotico rimangono molto vicine alle sontuose astrazioni che sono il segno distintivo dell'Oriente. Le principali realizzazioni del periodo sono la Basilica di San Marco e il Palazzo Ducale, in cui si afferma uno specifico stile architettonico “alla veneziana”, liberata dalle mode europee del momento, con decorazioni molto ricche, ritmi traforati e chiaroscuri. Di pizzo di pietra, che verrà utilizzato nei secoli successivi. I più importanti pittori dell'epoca, come Gentile da Fabriano , Pisanello e forse Michelino da Besozzo , lavorarono alla decorazione del Palazzo Ducale tra il 1409 e il 1414. Le loro opere sono oggi quasi tutte perdute.

Artists 'cortese' sono supportati da una scuola locale emerse dal XV esimo  secolo Paolo Veneziano e fiorentini artisti che lavorano per la costruzione della Basilica di San Marco e su quelli di altre chiese dalle 1420, tra cui  Paolo Uccello , che risiedeva in città da 1425-1430, e Andrea del Castagno (1442-1443). Non ispirano però artisti locali e il loro esempio è ripreso solo da artisti della vicina città di Padova , come Andrea Mantegna , che ha già scoperto le novità più all'avanguardia grazie alla sua vicinanza a Donatello .

Seconda metà del XV °  secolo

A metà del XV °  secolo, l'espansione della Serenissima sul continente sta crescendo a spese delle città indipendenti del Veneto e la corrente Lombardia Est come Padova, Vicenza e Verona . Ciò le permise di compensare in parte le perdite all'estero causate dagli Ottomani , perdite che però non intaccarono la dominazione veneziana dei mercati orientali in questo periodo: la città rimase a lungo luogo di traffico del Nord e dell'Est, con incontri e scambi a tutti i livelli. L'abbondanza finanziaria assicura importanti commissioni artistiche, sia a livello comunitario che privato, con la comparsa di collezioni illuminate aperte alle novità, comprese quelle fiamminghe . Lungo il Canal Grande fioriscono mercati esteri e magazzini .

La specificità e l'isolamento culturale di Venezia cominciarono a svanire in questi anni, man mano che la città si integrava nello scacchiere italiano, favorendo relazioni più strette e continue con le altre regioni della penisola. I giovani patrizi veneziani apprezzano le novità culturali e studieranno all'Università di Padova , nella logica della scuola e della filosofia di Rialto e quella di San Marco La Cancelleria è particolarmente fiorente nella metà del XV °  secolo.

L' umanesimo veneziano appare sostanzialmente diverso da quello fiorentino, con più concretezza. Si interessa ai testi politici e scientifici di Aristotele e di Plinio il Vecchio in particolare, più che ai testi letterari, a differenza dell'umanesimo toscano. Il Rinascimento arriva a Venezia principalmente attraverso la Lombardia per l'architettura e la scultura, e via Padova per la pittura. Importante vi è anche il progresso scientifico, culminato con la pubblicazione della Summa de Arithmetica, Geometria et Proportionalalità di Luca Pacioli (1494), chiamato dalla Serenissima poco dopo il 1470 ad insegnarvi matematica .

Primo Rinascimento

Pittura

Venezia, dove regna ancora lo splendore bizantino e dove persiste la cultura figurativa del gotico fiorito, adotta tardivamente lo stile pittorico del Rinascimento. Vi si sviluppò inizialmente una reazione di difesa, anche di sospetto, nei confronti dei nuovi stili, con un certo rifiuto dell'antico come modello esclusivo e l'assenza propria della pittura veneziana di soggetti mitologici e di allegorie classiche. L'evoluzione della pittura veneziana accelerò dal 1460 al 1470 quando i Bellini si resero conto della necessità di una riforma. Il movimento si amplifica con gli ordini di grandi dipinti nelle botteghe del governo della Serenissima.

I pittori veneziani raramente si allontanano dalla loro città, mentre molti artisti di altre terre sono invitati a Venezia dove le loro opere vengono ammirate e studiate. La decorazione sacra rimane al centro della produzione, mentre i teleri , le tele di grandi dimensioni, sono appannaggio delle scuole . La devozione privata dà origine all'ordine di piccoli dipinti su tavola, ritratti o soggetti religiosi.

In pittura i contatti con il Rinascimento padovano sono in aumento e sono più fruttuosi di quelli con Firenze . A metà del secolo lavorarono al fianco di Andrea Mantegna nella cappella Ovetari i muranesi Giovanni d'Alemagna e Antonio Vivarini  ; Lo stesso Mantegna visita Venezia dove sposa una veneziana, figlia di Jacopo Bellini . Grandi squarcioneschi come Carlo Crivelli , Marco Zoppo e Cosmè Tura risiedono nel paese dove alcuni di loro gestiscono da tempo le loro botteghe.

Laboratorio Vivarini

.

La bottega Vivarini, situata a Murano , è stata creata da Antonio Vivarini che sperimentava a intermittenza le novità dell'epoca, mentre il fratello minore Bartolomeo, che vive a Padova dove prende la piega mantégnesca, assimila la novità con entusiasmo, ma anche mostrando certi limiti, come rivela il Polittico di Ca' Morosini (1464), i cui caratteri sono solidi e la linea asciutta, con attenzione all'anatomia e al panneggio nonché ai profili esasperati, ma dove manca una percettibile logica di costruzione nelle diverse proporzioni tra la Vergine al centro ei santi ai lati, e nell'assenza di unità spaziale degli sfondi. Bartolomeo Vivarini concepì nel 1465 la prima Sacra Conversazione della pittura veneziana, La Vergine col Bambino attorniati da santi , dove le figure sono disposte per la prima volta in un unico spazio ben definito. Tuttavia, il pannello rimane ancora con la sua sintassi di ispirazione gotica.

Il figlio di Antonio, Alvise , assimila i precetti di Antonello da Messina ammorbidendo le linearità padovane, ma non riesce ad eguagliare la loro magia luministica. La Sacra Conversazione del 1480, ne è un esempio dalla luce fredda e dai colori brillanti, in particolare grazie agli smalti che ne esaltano i contorni. I compromessi tra innovazione e tradizione dei Vivarini, che si adoperano per difendere la trasmissione di una memoria visiva che soddisfi le aspettative di una committenza attaccata, per la commissione di opere di devozione, alle forme tradizionali più arcaiche, consentono loro di ''essere ampiamente distribuito, in particolare nelle aree meno coltivate e nei piccoli centri urbani della provincia.

Antonello da Messina

Le linee dure e forzate di Mantegna vengono quindi presto dimenticate, con un maggiore uso del colore e una tecnica più morbida, grazie ad un'appropriazione degli insegnamenti di Piero della Francesca , dei Fiamminghi e, nei primi anni '70 , di Antonello da Messina. Il pittore siciliano visse a Venezia dal 1474 al 1476, ma non è escluso che abbia avuto modo di conoscere Bellini qualche anno prima nel centro Italia. Troviamo la sua influenza nella produzione di Giovanni Bellini, come nella Pala di Pesaro (1475-1485), dove usa come fondale, un'apertura su un paesaggio che appare straordinariamente vivo, usato non come semplice fondale. , ma come una presenza dove aria e luce si mescolano. Alla perfetta armonia tra architettura, personaggi e paesaggio contribuiscono anche la padronanza della prospettiva e la monumentalità dei personaggi.

L'uso della pittura ad olio, tecnica fiamminga poco o poco conosciuta dagli italiani, che distribuisce a Venezia, gli permette di mischiare vicino e lontano con particolari effetti di luce. Questa introduzione della tecnica dell'olio gioca un ruolo importante nella definizione della scuola veneziana, la cui fioritura segue il suo arrivo.

Antonello sviluppa poi uno stile singolare che si colloca tra la tradizione del nord Europa, fatta di un uso particolare della luce grazie all'uso della pittura ad olio , e la scuola italiana con figure monumentali inserite in uno spazio razionalmente costruito, come nella Pala di San Cassiano (1475-1476) che segna un vero e proprio confine tra l'antica e la nuova cultura veneziana. I santi vi sono disposti fianco a fianco a semicerchio attorno al trono della Vergine che dona all'insieme un respiro monumentale più ampio, ma altrettanto innovativa è la luce dorata che permea i personaggi. Il virtuosismo prospettico e le sottigliezze ottiche fiamminghe si coniugano qui con la geometria dei volumi.

Officina Bellini Iacopo Bellini

I committenti più raffinati si rivolgono prima alla bottega di Iacopo Bellini che a partire dalla metà del secolo prende la svolta del Rinascimento applicando la prospettiva a una serie di fantastiche vedute raccolte in album di modelli. Fu allievo di Gentile da Fabriano a Firenze nel 1423, ma ebbe modo di scoprire queste novità anche a Ferrara , dove avrebbe potuto conoscere Leon Battista Alberti tramite Masolino , o più probabilmente a Padova, dove già i pittori locali avevano assimilato le lezioni di Donatello . Dopo aver letto Della Pittura dell'Alberti, sentì un vero fascino per l'architettura e manifestò un certo gusto per le decorazioni antiche e per la ricerca, come dimostrano i due taccuini da lui lasciati, conservati al Louvre e al British Museum . Dipinse nel 1453/1465 uno dei primissimi cicli su tela per la Chiesa di San Giovanni Evangelista , Storie di Gesù e di Maria , dove colloca le scene sacre su fondali architettonici costruiti secondo le leggi prospettiche dell'Alberti che fanno parte di un ambiente rinascimentale che si apre, non più su un consueto sfondo riccamente decorato, ma su un paesaggio.

Gentile Bellini

La vera svolta verso la pittura rinascimentale, però, spetta ai due figli di Iacopo, Gentile e Giovanni che, seppur con modalità diverse, riprendono e sfruttano appieno l'esempio di Andrea Mantegna , loro cognato, e, dopo il 1474, di Antonello di Messina . Questa svolta è databile agli anni Ottanta del Quattrocento , quando i Bellini furono incaricati di rifare la decorazione della sala del Maggior Consiglio di Palazzo Ducale, che in linea di massima prevede l'affresco. Questo è poco utilizzato a Venezia, i pigmenti hanno difficoltà a fissarsi adeguatamente sui rivestimenti delle pareti a causa dell'umidità permanente della laguna. Inoltre, l'importante industria veneziana della vela permette ai pittori di trovare facilmente un supporto tessile, nonché una tecnica per cucire grandi pezzi di tela per grandi scene narrative. La pittura veneziana può evolversi grazie alla congiunzione dell'olio come medium e della tela come supporto.

Gentile Bellini dipinge principalmente i teleri , le grandi tele che decorano gli edifici pubblici e le scuole , queste potenti confraternite veneziane che riuniscono cittadini che esercitano la stessa professione o appartengono alla stessa comunità straniera. La sua pittura rimane legata al gusto per il fiabesco e per il tardo gotico , ed è priva di spazialità. Nella Processione in Piazza San Marco (1496), il centro non è definito e la prospettiva è utilizzata solo per alcune parti. Lo sguardo si ritrova così a vagare tra i diversi gruppi di personaggi ei monumenti sullo sfondo. L'attenzione dell'artista è concentrata principalmente sulla narrazione puntuale dell'evento, con personaggi sufficientemente grandi da consentirgli di realizzare precisi ritratti e di soffermarsi sulla descrizione di gesti e costumi. La sua analisi obiettiva e quasi cristallizzata lo rende un ritrattista molto ricercato, che gli permette persino di rappresentare il sultano Mehmed II .

Giovanni Bellini

Giovanni Bellini, altro figlio di Jacopo, è il più importante pittore veneziano della sua generazione. Il suo stile si liberò rapidamente dallo stile tardo gotico grazie al precedente di Andrea Mantegna. Come i suoi compatrioti, ammira la pittura fiamminga per il suo realismo, la sua luce e la sua profondità in prospettiva, anche se l'eredità bizantina è ancora percepibile nelle sue prime opere. Tra questi spicca la Trasfigurazione del Museo Correr , dove la linea è netta e incisiva e l'ampiezza dei pavimenti sottolineata in prospettiva da una visione "dal basso" del gruppo superiore che rappresenta Cristo tra i profeti. L'enfasi sulla luce e sul colore, che addolcisce il paesaggio e immerge la scena miracolosa in una morbida atmosfera serale, derivata dalla pittura fiamminga, ne fa un'opera originale. Gli atteggiamenti dei suoi personaggi sono poi sempre più naturali e flessibili, in sintonia con la filosofia del nuovo credo umanistico.

Al realismo spesso crudo di Mantegna, Giovanni Bellini preferisce la morbidezza e una cromaticità di trasparenza luminosa che è il suo segno distintivo. Rinnova la composizione della tavola d'altare collocando i suoi personaggi in precise prospettive e aprendo lo spazio su paesaggi di grande freschezza, situando la scena pia in un mondo naturale. Le sue Vergini e Santi hanno maestà e umiltà, con grande dolcezza di espressione, compassione o tenerezza nella loro tranquillità meditativa o attesa. Nella Pietà della Pinacoteca de Brera , la grafica è sempre presente, soprattutto nei capelli dipinti uno ad uno o nella vena pulsante del braccio di Cristo, ma la luce si mescola ai colori, ammorbidendo la rappresentazione grazie ad un particolare uso della tempera con linee finissime ravvicinate. L'intenso patetismo del gruppo rimanda ai dipinti di Rogier van der Weyden . L'espediente del parapetto che taglia in due le figure, avvicinandole allo spettatore, fa ancora riferimento agli esempi fiamminghi.

Nel cielo terso, che diventa più luminoso man mano che l'orizzonte si avvicina come l'alba, ci sono gruppi di cherubini e serafini, mentre al centro vola la colomba dello Spirito Santo. Il paesaggio sembra straordinariamente vivo: non una semplice decorazione, ma una presenza in cui aria e luce sembrano circolare liberamente. A ciò contribuisce l'uso della pittura ad olio, che permette di mescolare il vicino e il lontano grazie a particolari giochi di luce.

A metà degli anni Settanta , la composizione della pala d'altare dell'Incoronazione della Vergine di Pesaro , un olio su tavola, costituisce una vera e propria rivoluzione: la rappresentazione, di un grande naturalismo, associa evento naturale, verità storica dell'architettura, sacra gestualità e soprannaturali, rigorose geometrie della pavimentazione, con le figure dei protagonisti immerse nella luce e nell'aria.

Questo concetto è sviluppato nell'Estasi di San Francesco (1480 circa), dove il pittore sostituisce il tradizionale crocifisso che invia le stimmate al santo con una luce divina, proveniente dall'alto a sinistra del dipinto, che inonda Francesco proiettando ombre profonde dietro di lui. Francesco d'Assisi è rappresentato al centro, slanciato e immerso nella natura. La concezione del rapporto tra uomo e paesaggio è qui per molti versi opposta a quella dell'umanesimo fiorentino  : l'uomo non è il centro dell'universo, ma una parte di esso con cui vive in armonia. Esprime una permeabilità tra il mondo umano e il mondo naturale trasmessa dal soffio divino che li anima entrambi .

Nel 1487, con la pala di San Giobbe , Bellini segna una svolta decisiva in reazione all'arrivo di Antonello da Massine e alla sua pala di San Cassiano . La sua "Santa Conversazione" occupa un'unica tavola e dove in Piero della Francesca l'abside ha un rigore matematico, filosofico e umanistico, in Bellini l'essenziale è la scala della costruzione che glorifica la Vergine grazie ad un trono armonioso dominato da un mosaico veneto-bizantino. La distribuzione dei caratteri, sempre simmetrica, è sottilmente differenziata e animata, in particolare grazie all'accelerazione verso il centro inferiore dei rossi e ai contrasti cromatici. Il gruppo degli angeli testimonia la mania veneziana per la musica ei concerti, più che per l'armonia propriamente celeste. Bellini fondò quindi un classicismo degno di quello dei pittori umbri, che Giorgione approfondirà in seguito.

Dalla fine del XV °  secolo, la rappresentazione del paesaggio in armonia con l'uomo diventa una caratteristica essenziale della pittura veneziana che conosce uno sviluppo costante fino ai primi decenni del secolo successivo. Bellini resta il protagonista di questa evoluzione, come si può vedere in opere come La Trasfigurazione di Napoli (1490-1495), visibile al museo di Capodimonte , dove la scena sacra si svolge in una rappresentazione della campagna veneta, con una luce calda e intenso.

Cima da Conegliano

Giovan Battista Cima, detto Cima da Conegliano, è il principale discepolo di Bellini, artista altrettanto sensibile e originale che si stabilì a Venezia nel 1486. ​​​​Cima si dedicò alla pittura devozionale di cui fu maestro indiscusso durante l'ultimo decennio del XV °  secolo. Contribuisce poi all'immenso successo di due soggetti offerti alla devozione privata di cui lui e la sua bottega sono considerati i migliori artefici: la rappresentazione intrisa di umanità e dolcezza della Vergine col Bambino, che gli offre l'opportunità di realizzare un intero serie di variazioni ed esercizi sul tema del divino e dell'umano, e quello di san Girolamo , più specialmente destinati agli studiosi e orientati alla meditazione sulla natura del peccato. Nelle sue pale la disposizione spaziale è nettamente definita, con figure monumentali immerse in una luce cristallina che accentua un senso di pace generalizzato nei paesaggi secondo la calma delle figure che riflette la "tranquillità dell'anima" .

Seguendo Antonello da Messina da cui ricevette una lezione attraverso la pittura di Alvise Vivarini e la scultura di Tullio Lombardo , Cima adotta un punto di vista basso dove l'uomo governa lo spazio e la pittura e diventa misura armonica di questo stesso spazio, in una limpida descrizione della realtà ottenuto da un disegno solido e preciso. Sfrutta la lucentezza del primer e approfondisce la tecnica della velatura , alla ricerca di un'armonia di toni destinata a collegare il primo piano al paesaggio lontano.

Cima traduce nel colore la cultura del protoclassicismo che fino ad allora si esprimeva solo nella scultura e nell'architettura, incarnando l'adesione della pittura alla norma neoellenica di Tullio Lombardo. Durante la sua maturità, accentua alcune caratteristiche della sua arte, prestando attenzione ai dettagli monumentali, introducendo elementi figurativi nella decorazione architettonica e rendendo più vivo il corpo umano attraverso l'intensità dello sguardo.

Vittore Carpaccio

Contemporaneamente si sviluppò a Venezia un tipo particolare di pittura narrativa, legata ai grandi cicli dei teleri , diversa da quella di altre città italiane per la ricchezza di elementi descrittivi ed evocativi. Sono principalmente destinati a decorare le pareti di grandi stanze. I dipinti sono spesso disposti come lunghe strisce per coprire intere pareti e il loro picco, con lo sviluppo della maggior parte dei modelli narrativi coincide originali con l'ultimo decennio del XV °  secolo, quando una decorazione di questo tipo è controllato per la stanza del Albergo de la Scuola Grande di San Marco , opera collettiva di più artisti tra cui Gentile e Giovanni Bellini , per la Scuola Grande di San Giovanni Evangelista , anch'essa opera a più mani, e per la Scuola di Sant'Orsola , quest'ultima opera essendo firmata dal solo Vittore Carpaccio che si è già distinto nel Miracolo della Croce a Rialto per la Scuola di San Giovanni.

Carpaccio realizza tele immense con numerosi episodi dove, soprattutto nel suo primo periodo, la rappresentazione prevale sulla narrazione, seguendo così l'esempio di Gentile Bellini . Nelle sue opere la costruzione della prospettiva è rigorosa e la luce permette di collegare la strettissima vicinanza e l'estrema lontananza nella stessa luce morbida e dorata che dà la sensazione che l'aria circoli nell'atmosfera.

Nella Leggenda di Sant'Orsola , egli riunisce diversi episodi (come nell'Arrivo degli ambasciatori inglesi , 1496-1498) che si susseguono in primo piano che diventa così un vero e proprio palcoscenico. Una delle sue caratteristiche è anche la figura del "animale da festa", un personaggio in primo piano che guarda lo spettatore, conducendolo nello spettacolo, che ricorda il personaggio del narratore del teatro rinascimentale. Gli sfondi sono occupati da ampissime vedute di città, mari e campagne, che sono immaginarie ma che riprendono elementi presi dalla realtà, rendendole così familiari ad un occhio abituato a vedere Venezia e l'entroterra veneziano.

Nel ciclo destinato alla Scuola di San Giorgio degli Schiavoni da lui interamente disegnato, l'artista semplifica la struttura narrativa delle tele, concentrandosi ogni volta su un singolo episodio, che ne sottolinea il potere evocativo e affascinante. Nello spettacolare San Giorgio e il drago (1502), i personaggi sono disposti su un arco dinamico che accentua la violenza tra il santo e la creatura. Alcuni dettagli ricordano il pericolo rappresentato dalla bestia, come i macabri resti che ricoprono il terreno, mentre altri sono legati a trucchi prospettici, come il breve filare di palme vicino alla città, o l'arco di rocce che incornicia una barca a vela. In San Girolamo e il leone in convento (1502), il pittore insiste sulla descrizione ironica dei fratelli in fuga alla vista dell'animale, mentre nei Funerali di san Girolamo , insiste in un ambiente rurale sull'atmosfera di meditazione e tristezza. Capolavoro dell'artista è La Visione di Sant'Agostino , dove il santo umanista è rappresentato nella sua bottega piena di libri e oggetti adatti al lavoro intellettuale , con una dolce diffusione di luce che simboleggia l'apparizione miracolosa da San Girolamo al Vescovo di Ippona .

Negli anni successivi la produzione del carpaccio rimane radicata negli schemi del XV °  secolo. Incapace di rinnovarsi e di adeguarsi alle rivoluzioni decretate dalla prossima generazione di artisti veneziani, perdendo l'appoggio dei circoli più colti e raffinati della città, nonostante la sua arte sia profondamente “veneziana”. Il limite storico di Carpaccio è fondamentalmente dovuto al fine stesso che assegna alla pittura: l'imitazione della natura che, nonostante il significato complesso assunto dall'espressione quattrocentesca, non può più bastare per gli artisti o per un ambiente colto che esige dal dipinto un diverso ordine delle rivelazioni e dei piaceri. Dopo essersi dedicato alla decorazione delle scuole minori, si ritirò in provincia dove il suo stile, ormai superato, trovava ancora estimatori.

Scultura

Nella seconda metà del XV °  secolo, scultori attivi a Venezia sono per lo più architetti o parenti di questi coinvolti nei loro cantieri e che forma nelle loro botteghe. È il caso, ad esempio, dei due figli di Pietro Lombardo, Tullio e Antonio , che ricevono ordini per grandiosi monumenti funerari destinati ai dogi , statue e sculture. La produzione scultorea di questo periodo non è omogenea e spazia dal realismo vigoroso ed espressivo di Antonio Rizzo (statue di Adamo ed Eva ad Arco Foscari ) al classicismo di Tullio Lombardo ( Bacco e Arianna ).

Alcuni monumenti funerari statali sono affidati alla bottega di Tullio Lombardo. Il Monumento funebre del doge Pietro Mocenigo (c. 1477-1480) presenta una serie di statue e rilievi che fanno riferimento al “capitano del mare” per celebrare la sua vittoria, seppur modesta, contro gli Ottomani nel Mar Egeo. Il monumento è eretto come un trionfo, ricordando alcuni miti simbolici dei tempi antichi, come le fatiche di Ercole.

Il Monumento Funebre del Doge Andrea Vendramin (1493-1499), la cui struttura architettonica si ispirava all'Arco di Costantino , fu ampiamente copiato negli anni successivi. Il defunto è rappresentato al centro, disteso sul sarcofago decorato con personificazioni ellenistiche della Virtù . Nel cannocchiale , il doge è rappresentato su un bassorilievo mentre adora la Vergine che sembra una dea dell'antichità classica. Il basamento , dove è presente un'elegante iscrizione in concisi caratteri romani , è ricco di rilievi simbolici in uno stile che imita l'antichità, anche quando rappresentano figure bibliche come Giuditta . In origine le statue antiche si trovavano nelle nicchie laterali, oggi nel Bode-Museum ( Paggi reggiscud ), nel Metropolitan Museum ( Adamo ) e nel Palazzo Vendramin Calergi ( Eva ), sostituite secoli dopo da opere di altri artisti.

Contesto dell'Alto Rinascimento a Venezia

Nei primi anni del XVI °  secolo, Venezia controllava un territorio diviso tra il Domini di Terraferma , di Adda nel Isonzo e Stato da Mar estendere l'Istria , in Dalmazia , le isole Ionie , in Crete , nella Cicladi e parte delle Sporadi e Cipro . La città diventa uno dei centri artistici più importanti d'Italia, soprattutto grazie al commercio e al mercantilismo, oltre che alla ricchezza del suo impero, uno dei più diversificati d'Europa. La politica generale è ora orientata alla conversione di un impero marittimo in una potenza continentale integrata negli equilibri politici tra gli Stati italiani. Venezia subì una grave crisi nel 1510 quando fu attaccata da papa Giulio II e dalla Lega di Cambrai dopo gravi scontri con gli Ottomani nel Mediterraneo orientale. Ma la situazione è poi completamente capovolta a seguito di un cambio di alleanza da parte del Papa e grazie alla fedeltà di parte delle popolazioni che controlla.

La maggior parte degli ordini rimane allo Stato e alla Chiesa. I privati ​​giocano un ruolo minore rispetto a Firenze o Perugia, per esempio. L'immagine è spesso uno strumento al servizio della Repubblica. Nulla porta quest'ultima a vivere l'ideale repubblicano come fa ancora Firenze nel 1500, e la città non mira, come Roma, a fondare un'autorità universale sull'Antichità.

Il pensiero veneziano è strettamente legato all'Università di Padova e al suo aristotelismo che comincia ad andare oltre la tradizione bizantina. Il primato accordato all'esperienza sull'idea ben si addice anche allo stato d'animo dei commercianti veneziani. Ma soprattutto questo aristotelismo fornisce la base teorica da cui il pensiero veneziano rifiuta le polarità inconciliabili tra Idea e Reale, o tra Natura e Storia. Secondo Giulio Carlo Argan , l'esperienza e l'esistenza, concepite come sintesi di opposti, costituiscono senza dubbio un contributo essenziale veneziano alla storia del pensiero del Cinquecento. Le sue conseguenze sulla pratica pittorica sono cruciali, tormenti e interrogativi spirituali prendono altre strade. È presente anche il neoplatonismo , filosofia ottimista che guida il mito rinascimentale, ma nell'atmosfera veneziana cambia carattere e diventa più mondana e più sensuale. È quasi una filosofia dell'"arte di vivere", più che lo strumento di una vera visione intellettuale del cosmo. La concezione amorosa del neoplatonismo trionfa a Venezia, segnando la pittura e distinguendo così alcune opere di Tiziano da quelle michelangiolesche, o addirittura giorgionesche.

Dal punto di vista culturale, la città si impone come centro di studi umanistici , soprattutto grazie alle tipografie che pubblicano testi classici. A ciò si aggiunge un vivo interesse per gli studi archeologici, i dati scientifici e soprattutto la botanica . Uno dei dibattiti che animava la scena culturale veneziana dell'epoca è quello della possibilità di conciliare la “  vita contemplativa  ”, intesa come attività filosofica e religiosa speculativa da svolgere in solitudine, distaccata dagli eventi del mondo, e la “Vita attiva”, intesa come servizio alla comunità per il raggiungimento dell'“onore”. Se il grande umanista veneziano della fine del XV °  secolo, ha tentato di dimostrare la possibilità di una riconciliazione tra i due opposti, all'inizio del nuovo secolo, le due tendenze sembrano inconciliabili. La pratica "contemplativa" degli intellettuali veneziani favorisce la diffusione di forme particolari di collezioni , come quelle di antiquariato, pietre preziose, monete, rilievi, codici, incunaboli e dipinti, tutte legate ad inclinazioni, carattere culturale e collezionistico. La collezione del cardinale Domenico Grimani è uno degli esempi più famosi.

La relativa libertà che la Serenissima Oligarchia ha garantito ai suoi cittadini e visitatori è la migliore tra quelle che i tribunali italiani possono offrire, e di fatto in questi anni un rifugio frequentato da chi è coinvolto nei pericolosi giochi di potere dei propri stati. Venezia accolse poi alcuni dei più illustri geni italiani e stranieri. Tra questi ospiti più famosi ci sono Michelangelo o gli esuli del Sacco di Roma , tra cui Jacopo Sansovino che si stabilisce in città e vi porta le innovazioni architettoniche sviluppate nel centro Italia.

Alto Rinascimento

Pittura

Al XVI °  secolo veneziano pittura completato assertivo in un universo originale, dove regna la luce, il colore e la sensualità, che deve essere collegato con la situazione lagunare della città. Acquisisce il suo prestigio partecipando attivamente al gioco culturale attuale, vale a dire prendendo posizione nei dibattiti del Rinascimento multiplo. Il culmine della pittura veneziana del XVI °  secolo, è legata all'esistenza di personalità artistiche eccezionali, ma l'emergere di geni, la forma assunta dalle loro manifestazioni, siano strettamente collegate al gruppo sociale, piuttosto che la classe sociale, che utilizza immagini “fantastiche”. Rispetto alla produzione contemporanea in Italia, la pittura veneziana degli anni Trenta ci colpisce per un'originalità dovuta sia a una relativa facilità di accesso al contenuto della rappresentazione, sia al carattere più libero ed energico delle sue immagini. All'inizio degli anni Quaranta i contatti con il manierismo furono più decisivi: Francesco Salviati fu a Venezia nel 1539-1540, Vasari soprattutto nel 1541-1542, e le incisioni ivi diffusero l'esacerbato intellettualismo parmense , pur sottolineando sullo stesso piano il grande opere del 1510 e la successiva produzione di maniera .

Dal 1560, Tiziano rappresenta una certa forma di tradizione veneziana, relativamente conservatrice. La modernità è poi incarnata da un lato da Tintoretto e dalla sua gigantesca dinamizzazione della Maniera, dall'altro da Véronèse e dalla sua arte "chiara". Entrambi si ispirarono al manierismo dell'Italia centrale, disegnarono grandi cicli decorativi, esaltarono ufficialmente le glorie di Venezia e non poterono sottomettersi al conformismo della Controriforma . Tintoretto, il cui stile dominava la città alla fine del secolo, si dedicò all'esaltazione dello spirito religioso che condusse Venezia alla guerra contro i Turchi e alla vittoria, mentre Veronese incarnava l'altra componente essenziale dello spirito veneziano: l'apertura intellettuale e lo stile di vita civile di una società libera e culturalmente avanzata.

Intorno al 1500 Venezia inventò la pittura da cavalletto , ideata per il piacere dei patrizi colti di cui è esempio la Tempesta di Giorgione

Dürer a Venezia

Nel 1505, e fino all'inizio del 1507, il più importante pittore tedesco dell'epoca, Albrecht Dürer, visitò per la seconda volta la città di Venezia, essendovi già stato nel 1494-1495. Da oggi la sua fama è molto diffusa grazie ad una serie di incisioni distribuite in tutta Europa. I mercanti del Fontego dei Tedeschi commissionarono poi una pala d'altare per la loro chiesa di Rialto , San Bartolomeo .

Nel campo della pittura, il maestro tedesco assimilò le regole dell'arte veneziana dell'epoca, come il rigore della composizione piramidale con il trono di Maria in alto, la monumentalità dell'insieme e lo splendore cromatico. come la resa precisa dei dettagli e delle fisionomie, l'intensificazione dei gesti e la concatenazione dinamica tra i personaggi. La sua opera, ed in particolare la Vergine della Festa del Rosario , ricorda la pacata monumentalità di Giovanni Bellini , con un esplicito omaggio all'angelo musicante al centro. Nonostante l'ammirazione e la risonanza generali, la pittura di Dürer ebbe poca influenza sugli artisti veneziani, a differenza delle sue incisioni. Se le sue opere realizzate o lasciate nella città lagunare non sono identificabili con certezza, molti indizi e citazioni, iconografiche e stilistiche, confermano che il suo passaggio non è passato inosservato, contribuendo alla nascita del tonalismo , derivante dallo sfumato e dalla prospettiva aerea .

Artisti lombardi a Venezia

Più documentata la presenza e l'influenza degli artisti lombardi detti Leonardeschi negli anni successivi. A Venezia, la nazione lombarda si riunisce presso la Scuola dei Lombardi  in un edificio costruito alla fine del XV °  secolo nel Basilica dei Frari . Vi prevalgono in numero scultori e scalpellini, compresi quelli della famiglia Lombardo . Dalla fine del XV °  secolo, tuttavia, alcuni pittori sono presenti e ben integrati, tra cui Andrea Solari , fratello dello scultore Cristoforo , autore di piccole opere su soggetti sacri, e Giovanni Agostino da Lodi , considerato il primo divulgatore delle idee di Leonardo a Venezia e autore della Pala dei Barcaioli nella Chiesa di San Pietro Martire a Murano .

Seguono Francesco Napoletano , morto a Venezia nel 1501, e Marco d'Oggiono , già collaboratore di Leonardo che eseguì una serie di tele per la Scuola dei Lombardi , oggi perdute, e che certamente contribuirono alla diffusione delle visioni di Leonardo. della Serenissima, in particolare con Giorgione .

Giorgione

Giorgione arriva, sembra, a Venezia intorno al 1503-1504, dove è allievo di Giovanni Bellini contemporaneamente a Tiziano, del quale egli stesso influenzerà. Provoca un profondo rinnovamento del linguaggio pittorico lagunare in poco più di dieci anni di attività, introducendo quattro nuovi aspetti nell'arte veneziana: il soggetto laico, di piccole dimensioni, per privati ​​e collezionisti, così come Bellini aveva realizzato piccole opere religiose non destinato a una chiesa; chiaroscuro con un'infinita delicatezza di progressione e una tavolozza molto evocativa; il nudo; paesaggi dipinti per se stessi. Libera dal suo ruolo di celebrazione militare o religiosa la pittura-narrazione con funzione documentaria, che aveva praticato Gentile Bellini e Carpaccio, e che poi cade in disuso. Con lui si moltiplicano i soggetti profani, si porta un'appassionata attenzione alla vita, al nudo, al paesaggio, che non è più essenzialmente sacro come in Giovanni Bellini, ma secolarizzato e laico. Giorgione fonda la costruzione e l'unità del dipinto non più sulla certezza misurabile della prospettiva, lineare o colorata, ma sulla coerenza, insieme inconfutabile e intangibile, della "luce". Nella sua tavolozza il bianco, che diventa luce vibrante e condensazione luminosa, gioca un ruolo nuovo e decisivo.

Personaggio per molti versi misterioso, di cui si hanno pochissime notizie biografiche certe, è un artista perfettamente inserito nella cerchia degli intellettuali aristocratici, per i quali realizza ritratti e soprattutto piccole opere dai complessi significati allegorici, ancora oggi parzialmente decifrabili. Le sue simpatie umaniste sono numerose. È noto per partecipare alle raffinate feste dei patrizi o a quelle della regina di Cipro, Caterina Cornaro , nel suo ritiro da Asolo , frequentato tra gli altri dal Bembo , e dove ci dedichiamo alla poesia, alla musica, alla filosofia e all'amore. Questi circoli umanisti elaborano la versione veneziana del neoplatonismo fiorentino. L'atmosfera sembra quella di relativa preziosità in cui si sogna l' Arcadia , dove si evoca un'età dell'oro mistica e presente, una trasposizione raffinata e quasi superficiale dell'ottimismo e della rinata fede messianica. Poeta, musicista, uomo di mondo, perfetto amante, ha tutte le caratteristiche dell'uomo del nuovo secolo.

Ispirandosi ai modelli di Leonardo, sviluppa uno stile soave e caldo dove il colore la fa da padrone: spesso steso direttamente sul supporto senza precisi disegni preparatori, crea variazioni di luce per “macchie” di colore che definiscono il volume dei colori. producendo questo particolare risultato dove i personaggi sembrano indissolubilmente fusi nel paesaggio. L'ispirazione del momento comincia così a prendere il sopravvento dallo studio preparatorio.

Una delicata composizione cromatica in cui si sottolinea l'atmosfera e l'armonia tra i personaggi e l'ambiente appare già nelle opere attribuite al suo primo periodo, come la Sacra Famiglia Benson o l' Adorazione dei pastori Allendale.  La Pala di Castelfranco (c.1502) mostra un'innovativa semplificazione strutturale: Giorgione colloca la sacra conversazione , sempre disposta in modo piramidale, in un contesto rurale piuttosto che architettonico (come nella tradizione di Giovanni Bellini ) e senza tener conto della rigore prospettico (come si evince dal rapporto tra la profondità del trono e il pavimento a scacchiera poco chiaro). Ma soprattutto le figure dei santi laterali sono modellate con morbidi passaggi di ombre e luci, su uno sfondo con parapetto rosso che divide la composizione in due metà, una terrestre e l'altra "celeste". La padronanza della prospettiva aerea è già perfetta, gli oggetti più distanti vengono alleggeriti dall'effetto della foschia naturale. Giorgione introduce qui un nuovo tipo di "logica pittorica" ​​che è una logica della suggestione, dell'allusione, una "logica dell'immaginario" operante nell'immagine, che lo spinge a inventare quello che diventerà uno dei temi più vaghi e più vivido della pittura occidentale, la donna nuda in un paesaggio.

Nei Tre filosofi (c. 1504-1505) molti elementi allegorici si fondono, forse in riferimento a una rappresentazione dei Magi come "re saggi". Il sole tramonta e dona all'opera una luce calda e morbida che accentua la sensazione di sospensione e mistero in cui l'apparizione della stella (forse il bagliore nella grotta) guida la ricerca conoscitiva dei Magi. . I colori sono sapientemente sfumati, vividi in primo piano, ovattati sullo sfondo. La Tempête , esempio di paesaggio in cui figure allusive si integrano perfettamente, è altrettanto complessa, ricca di significati sovrapposti.

Opere di questa complessità nascono in un contesto di rapporti molto stretti tra committente e artista che condividono la stessa cultura, come testimonia una lettera di Taddeo Albano a Isabelle d'Este in cui l'agente si dichiara incapace di potersi procurare un'opera .da Giorgione alla Marchesa perché i proprietari non li avrebbero venduti "per prætio nessuno" avendogli "fatto venire voglia di goderselo per loro".

La Venere dormiente è il capolavoro dell'ultimo periodo di Giorgione, un revival iconografico dell'antichità che ha riscosso notevole successo ben oltre Venezia, in cui la dea sdraiata e addormentata, di limpida e ideale bellezza, scopre sottili accordi ritmici con il paesaggio che la domina. Annuncia le donne di Tiziano, donando alla carne femminile uno splendore e una freschezza unici, grazie al morbido impasto che dà l'impressione di un'epidermide viva. La Venere addormentata segna l'ingresso dell'erotismo nella pittura colta. Non è un caso che Giorgione sia uno degli iniziatori: la sua attività di pittore è intimamente legata alla corte asolana e all'umanesimo sentimentale che circonda l'esule regina di Cipro, divenuta pensionata della Serenissima.

Intorno al 1508 Giorgione ricevette l'unica commissione pubblica di cui restano tracce, l'affresco sulla facciata esterna del Fondaco dei Tedeschi , realizzato in collaborazione con Tiziano . Del ciclo rimane solo la figura di un Nudo molto degradato. Più riferimenti simbolici e un naturalismo intenso sono visibili in altre opere dell'artista di questo periodo, come il Ritratto di una vecchia donna (c. 1506).

Giorgione esercita una forte influenza su Bellini, ma anche sulla generazione successiva. Palma , Sebastiano del Piombo, Tiziano, Giovanni Gerolamo Savoldo , Pâris Bordone e Dosso Dossi stanno seguendo il percorso da lui tracciato.

L'ultima attività di Giovanni Bellini

L'esempio di Giorgione accelera il processo in corso in quanto gli ultimi due decenni del XV °  rappresentazione secolo della profondità dello spazio di un effetto di modulazione aria e luce, in cui i caratteri vengono inseriti con una calma naturale. Tra i protagonisti di queste modifiche c'è Giovanni Bellini , ormai anziano, con opere come il Battesimo di Cristo e la Madonna del Prato , ma è proprio con opere successive, come la Pala di San Zaccaria , che rivela la sua assimilazione e la sua appropriazione di la tecnica tonalista di Giorgione. In quest'opera la struttura architettonica si apre ai lati a visuali libere del paesaggio che lasciano entrare una luce chiara e calda, evidenziando l'intensa concentrazione dei personaggi, nonché la ricchezza cromatica dei loro abiti.

Un ulteriore passo nella fusione tra gli elementi del paesaggio e i personaggi è poi compiuto con la pala d'altare di San Girolamo che legge con San Cristoforo e San Ludovico di Tolosa per la Chiesa di San Giovanni Grisostomo che riprende le idee di giovani maestri come Giorgione ( Pala di Castelfranco) o Sebastiano del Piombo ( Pala di San Giovanni Crisostomo) .

La sua fama, che ormai va ben oltre i confini dello stato veneziano, le consente di ricevere numerose richieste da parte di privati ​​su rari temi legati alla letteratura e al classicismo. In una lettera di Pietro Bembo a Isabelle d'Este (1505), l'anziano maestro si dice pienamente coinvolto nei nuovi rapporti culturali in cui l'artista è ormai attivo nell'elaborazione tematica e iconografica del soggetto richiesto dal suo committente.

Con una notevole sensibilità e una sorprendente apertura mentale, Bellini reagisce alle invenzioni di Giorgione e di Tiziano. La Festa degli Dei è uno dei suoi ultimi capolavori ad intravedere la serie di decorazioni pittoriche della Sala Alabastro di Alfonso I st Este . Ne L'ubriachezza di Noè , il vecchio maestro riprende il tema biblico animato dalle atmosfere dei Baccanali , tema recentemente di moda a Venezia. Questi due dipinti mostrano chiaramente l'intenzione di attribuire alla trama del materiale un ruolo significativo e persino emotivo, finora sconosciuto, mentre le apparenze sono più suggerite che descritte con precisione. L'opera del pittore e l'irriducibile specificità della materia pittorica tendono a creare l'immagine conferendole un nuovo potere di suggestione. Un anno prima della sua morte, nel 1515, firmò la Giovane donna nuda allo specchio di un limpido classicismo, in cui il corpo della donna è delicatamente modellato tra la penombra dell'interno e la luce che emana dalla finestra aperta su un vasto paesaggio .

Debutto di Sebastiano del Piombo

L'esempio di Giorgione fu allora fondamentale per un altro giovane artista, Sebastiano Luciani, poi conosciuto come Sebastiano del Piombo. I suoi esordi pittorici si collocano tra il 1506 e il 1507, con opere ispirate al Giorgione, ma presentanti un maggior primato plastico e monumentale, come le ante dell'organo con santi della Chiesa di San Bartolomeo a Rialto, o la Pala di San Giovanni Crisostomo . Quest'ultimo presenta un'ardita composizione asimmetrica, con lo sfondo diviso tra una parte architettonica e un'apertura su un paesaggio, secondo uno schema che verrà poi riutilizzato con successo (come la Vergine di Pesaro di Tiziano).

Debutto di Lorenzo Lotto

Più originali sono le prime esperienze di Lorenzo Lotto , attivo almeno dal 1503. Quell'anno è a Treviso dove dipinge un ritratto di M gr Bernardo de' Rossi caratterizzato da una solida struttura plastica e da una precisa definizione della fisionomia, che riecheggia le suggestioni psicologiche di Antonello da Messina e l'acutezza dell'arte nordica.

A poco a poco, il suo linguaggio inizia ad allontanarsi dalla cultura del momento per volgersi a una sorta di inquietudine che si manifesta sia nelle scelte formali che nei contenuti. Ad esempio, la Pala di Santa Cristina al Tiverone appare come una rivisitazione della Pala di San Zaccaria di Bellini, ma se ne distingue per un ritmo più serrato che porta i personaggi ad intrecciare sguardi e gesti con atteggiamenti inquieti e confusi, abbandonando ogni contemplazione serena e silenziosa. La luce è fredda e incidente, lontana dall'atmosfera calda e avvolgente dei tonalisti.

L'artista accompagna queste resistenze ai principi dominanti di un'apertura verso un realismo più acuto nella resa dei dettagli, un sentimento più patetico e un'attrazione per la rappresentazione di una natura inquieta e misteriosa, tipica di artisti nordici come quelli della scuola danubiana . Ne sono esempi opere come lo Sposalizio mistico di Santa Caterina , il San Girolamo penitente o il Polittico di Recanati .

Tiziano

Tiziano ha anche fatto i suoi primi passi agli inizi del XVI °  secolo, chiamato dopo la morte di Giovanni Bellini (il Festino degli dei ) e Giorgione (la Venere di Dresda ) per completare alcune delle loro opere. Intorno al 1510 la sua impregnazione dell'arte del Giorgione fu così vasta che rese estremamente difficile, ancora oggi, attribuire all'uno o all'altro alcune opere come il Concert Champêtre , ora quasi unanimemente attribuito a Tiziano sebbene ispirato da temi intellettualmente cari a Giorgione.

Lo stile del pittore di Pieve di Cadore si caratterizza presto per una maggiore intensità cromatica e monumentale dei personaggi che risultano più solidi e inseriti in contesti narrativi di immediata comprensione, come gli affreschi dei Miracoli di Sant'Antonio da Padova nella Scuola del Santo a Padova (1511). In questi primi lavori appaiono immediatamente l'efficienza drammatica e una decisa ampiezza dello spazio.

La morte di Giorgione poi di Giovanni Bellini, la partenza di Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto, agli inizi del XVI E  secolo favorire l'affermazione indiscutibile di Tiziano sulla scena veneziana. Divenuto rapidamente famoso, soprattutto con una serie di ritratti, nel 1517 fu pittore ufficiale della Serenissima. Risalgono a questi anni anche i suoi dipinti a soggetto laico, destinati alla committenza più acculturata, come Le tre età dell'uomo (1512 circa) e Amor sacro e profano (1515 circa). Il suo successo a Venezia è strettamente legato alla posizione sociale e politica che sa dare alla sua arte. Capisce che la cultura ha acquisito, fin dai primi anni del Cinquecento, un potere che ne fa una "terza potenza", pari al potere economico e politico. È senza dubbio il primo a trarne tutte le conseguenze pratiche. Tra il 1508 e il 1518 dedicò gran parte della sua attività alla xilografia . Queste incisioni, spesso con allusioni politiche, sono destinate ad una clientela popolare e consentono di diffondere, tra i veneziani, i temi dell'ideologia ufficiale della Serenissima, pur rimanendo intrise di cultura classica e di riferimenti a prestigiosi modelli della vicina passato (Mantegna) o presente (Michelangelo).

Dal 1518 circa iniziò a misurarsi a distanza con Michelangelo e Raffaello . La pala dell'Assunzione della Vergine suscita ammirazione ma anche perplessità, per il deciso balzo in avanti di stile, dimensioni monumentali, gesti eloquenti e uso del colore che trasmette un'energia inedita, ormai ben lontana dalle pacate atmosfere del tonalismo.

La sua fama gli valse i primi ordini dalle corti italiane, comprese quelle di Ferrara e Mantova . Alfonso I st Este gli controlla una serie di Baccanali per la sua legge Alabastro, tra cui spiccano Bacco e Arianna , che mescola riferimenti classici, uso dinamico e molto efficiente dei colori, scelti tra le migliori qualità disponibili nell'impero veneziano.

Nei ritratti di questi anni, Tiziano si concentra sulla resa della presenza fisica dei protagonisti, con composizioni e luci innovative e pose non convenzionali, all'insegna dell'immediatezza e della vivacità. I suoi ritratti sono intransigenti, gridano di plausibilità e umanità: Venezia è poi l'unica città in Italia dove il sentimento di libertà civile o religiosa non è represso, e questa libertà si esprime nella pittura. La rinascita promossa dal doge Andrea Gritti si rivela in opere come la Pala di Pesaro , in cui i modelli di XVI esimo  secolo, sono decisamente trascurati. La Vergine è su un trono posto lateralmente, come se nella navata laterale della chiesa, cui è destinata la pala, vi fosse un'apertura con un altare orientato nella stessa direzione. Gesti e atteggiamenti sono naturali, in uno schema volutamente asimmetrico e quindi più dinamico.

Tiziano tratta tutti i generi. Pittore di vitalità, celebra la bellezza terrena ma manifesta interesse per tutti gli aspetti della vita, compresi i suoi aspetti violenti che rende con molto naturalismo come ne La tortura di Marsia o Tarquinio e Lucrezia . Accompagna la rinascita della cultura antica con i suoi numerosi dipinti di soggetto mitologico. Porta in un interno il nudo disteso inventato da Giorgione e dota la sua carne femminile di colori tenui e caldi. I pittori che seguiranno cercheranno di trovare la chiave di questa sensuale arte dell'alchimia cromatica. La violenza dei suoi diagrammi e il suo dono di efficiente semplificazione lo rendono adatto ad ottenere un'ampia risposta. Il suo genio inventivo gli fa trovare soluzioni figurative all'avanguardia nel modernismo e nella cultura pittorica. Così, nella sua Assunzione , impone l'evidenza del soprannaturale.

Grazie all'amicizia di Pierre l'Aretin a cui è legato molti corsi, Tiziano può rafforzare il carattere imprenditoriale della sua attività, diventando uno degli artisti più ricchi e ricercati della penisola. I suoi ultimi vent'anni, dal 1556 al 1576, alterna composizioni pagane e dipinti religiosi di alto sentimento. La sua ultima opera, la Pietà de l'Académie, accusa in modo particolare la scelta estetica che ha scelto fin dai suoi esordi: assenza di disegno preliminare e precedenza del colore sulla linea. La pittura diretta, la pittura di macchia , la consistenza densa e luminosa della pasta, vengono prima della forma. Tiziano poi dipinge più con la mano che con il pennello, liberandosi dai contorni netti.

L'opera di Tiziano rivendica e afferma il diritto della pittura ad essere padrona dei suoi segni. In una cultura dove prevale il letterario, ha fondato un codice pittorico dove il significato della pittura mira a essere trasmesso con mezzi specificamente figurativi.

Il Pordenone

Insieme a Palma il Vecchio , spesso ridotto al ruolo di osservatore, l'unico pittore capace di confrontarsi con Tiziano sulla scena veneziana negli anni 1520-1530 è Le Pordenone, pittore friulano . La sua formazione iniziò con Mantegna, le incisioni di Dürer e degli altri maestri nordici, e culminò con un viaggio a Roma nel 1514-1515 durante il quale scoprì le opere di Michelangelo e Raffaello. Sviluppa uno stile magniloquente, tra memorie classiche e narrazioni popolari.

I grandi cicli di affreschi, come quelli nel Duomo di Treviso , nella Chiesa della Madonna di Campagna a Piacenza , nella Chiesa di San Francesco a Cortemaggiore , e soprattutto nel Duomo di Cremona , costituiscono la sua specialità. Le sue interpretazioni sono sia discorsive che solenni, con notevole virtuosismo prospettico. Al contrario, le sue pale d'altare sono di qualità ineguale. Se il tono resta magniloquente in quelli destinati alle province, quelli per Venezia appaiono troppo affollati. Sottolineando l'aspetto colto e raffinato della sua pittura per meglio integrarsi nell'ambiente autenticamente veneziano, il Pordenone rinuncia in parte a quello che è il suo contributo specifico e che è stato all'origine del suo successo contro Tiziano: l'espressività destinata a stupire i fedeli. Rinunciando in questo modo, perde parte della sua ispirazione. Di fronte alla dimensione “sociale” della sua attività, che è alla base dello stile dominante di una città da cui scaturiscono ordini, il designer deve definirsi in relazione a un dato stile. Questo fenomeno essenziale trova conferma intorno al 1520: la questione dello "stile" è costitutiva della storia dell'arte ed è oggetto di consapevole ricerca degli artisti; la soggettività individuale è legata all'istanza sociale e collettiva della creazione.

Con la sua morte a Ferrara, per certi versi misteriosa, termina il suo confronto con Tiziano. Il suo lavoro è sistematicamente trascurato nella successiva letteratura artistica veneziana.

Parigi Bordone

Nato nel 1500 a Treviso, Bordone si formò e poi visse a Venezia dove seguì le orme di Tiziano prima di avvicinarsi alla ritrattistica. Il suo stile combina la tavolozza e la disinvoltura di Tiziano con una certa freddezza e una concentrazione sull'aspetto sociale del modello tutto fiorentino. Andò in Francia nel 1538 e ad Augusta nel 1540. La sua opulenza qualsiasi influenza veneziana probabilmente pittori di corte tedeschi come Amberger st Pencz . Il suo stile è infatti più facile da imitare di quello di Tiziano, che è più profondo. A Venezia si specializza in un certo tipo di composizione allegorica dove il ritratto è accostato a un soggetto simbolico per portare a compimento un gusto per il ghiaccio che avvicina il personaggio alla natura morta. L'individualità del soggetto diventa quindi secondaria rispetto al lavoro di manera sugli spazi e sulle forme.

Andrea Schiavone

Andrea Schiavone, dalmata di Zara , morto a Venezia nel 1563 dopo esservi stato attivo dal 1520, è un autodidatta che si forma imitando Giorgione e Tiziano, nonché le incisioni del parmigiano . Introdusse a Venezia una certa qualità estatica generalmente assente dalla pittura veneziana. I suoi colori cangianti e gli effetti violenti di contrapposto suggeriscono che il manierismo dell'Italia centrale ne abbia segnato l'evoluzione.

Paolo Veronese

Paul Véronèse arrivò a Venezia nel 1551 dopo aver svolto il suo apprendistato a Verona, Mantova e Parma. Nel 1552 ottenne una prima commissione per la Chiesa di San Francesco della Vigna per la quale realizzò la Sacra Conversazione . Si stabilisce definitivamente a Venezia l'anno successivo dove diventa il “pittore della Repubblica  ”. Insieme a Giovanni Battista Ponchini e Giovanni Battista Zelotti, realizzò gli affreschi per le sale del Consiglio delle Dieci a Palazzo Ducale . Nel 1555 intraprese la costruzione del soffitto della sagrestia della Chiesa di San Sebastiano . Con altri sei pittori tra cui Battista Franco , Giuseppe Porta , Bartolomeo Ammannati e Le Tintoretto, partecipò alla decorazione del soffitto della sala della Libreria de la Biblioteca Marciana . Tra il 1575 e il 1577 realizzò a Palazzo Ducale , il Trionfo di Venezia per la Sala del Gran Consiglio e le Allegorie della Virtù per la Sala del Collegio, che sono tra i suoi grandi capolavori. Veronese, morto nel 1588 all'età di 60 anni, è sepolto nella Chiesa di San Sebastiano, di cui dipinse un gran numero di affreschi che appaiono sensuali, gioiosi, pagani e pieni di vitalità nonostante i loro soggetti.

Una sorta di gioia decorativa emana dai suoi dipinti, in un'atmosfera di joie de vivre, certamente laica, ma melodiosa e poetica. Véronèse è il pittore del lusso e dell'ostentazione. Gli piace dipingere la folla multicolore che ha i partecipanti in un quadro architettonico di grande magnificenza. Non esita a trasporre in scene sacre i temi, i personaggi e gli atteggiamenti dell'Antichità.

Intorno al 1560 decorò la Villa Barbaro di Maser, usando meraviglie dell'immaginazione e della fantasia. Fu il primo a dipingere la mitologia o la storia sacra su larga scala sui soffitti. Tiene conto del punto di vista dello spettatore, corregge la visione accorciando le prospettive o aprendo un cielo, e moltiplica il trompe-l'oeil architettonico.

La sintesi operata da Véronèse cerca un equilibrio tra le tendenze contemporanee: le sue figure si uniscono ad alcuni principi del Manierismo; diventare un modello di comportamento sociale; l'idea di grazia e nobiltà tempera ogni possibile violenza. Lo spazio pittorico sfugge al paradosso manierista essendo, molto spesso, fortemente e chiaramente strutturato dalla sua architettura grandiosa a cui si adatta l'ampia e ritmica disposizione delle figure.

Veronese passa davanti all'Inquisizione per il presunto contenuto dell'Ultima Cena dipinta nel 1573 per i domenicani dei Santi Giovanni e Paolo. La sua difesa è estetica: il suo mestiere è fare il pittore e "fare figure". Questo atteggiamento flessibile ma coerente davanti al Tribunale dell'Inquisizione afferma la specificità del pittorico e delle sue leggi: l' Ultima Cena diventa il Pasto da Lévi . Véronèse sfugge così al conformismo che la Controriforma vuole introdurre nelle arti. È un uomo del XVI °  secolo, e il suo ottimismo è quella dell'umanesimo classico. Affermando inoltre la dignità e la libertà del pittore, si rivela anche veneziano, cioè l'uomo di una città la cui gloria ideologica consiste proprio allora nell'aver difeso la sua libertà e la sua dignità di fronte agli attacchi del inizio del secolo, poi di aver svolto questo ruolo per tutta la cristianità a Lepanto .

  • Le nozze di Cana , particolare (1562-1563), olio su tela, 666 × 990  cm , Museo del Louvre.

  • Giunone che dispensa i suoi doni a Venezia , Palazzo Ducale, Venezia (1554-1556).

  • L'Incoronazione della Vergine , Chiesa di San Sebastiano a Venezia (1555).

  • Venere e Adone , 1580, olio su tela, 162 × 191  cm , Museo del Prado.

Tintoretto

Nato a Venezia nel 1518, città che difficilmente lascerà mai, nel popolare sestiere della Madonna dell'Orto , Tintoretto lavora brevemente nello studio di Tiziano, ma i suoi veri maestri sono i protagonisti della battaglia manierista , Pordenone e Michelangelo. La sua forza e novità derivano dalla libertà con cui tratta i suoi elementi: realizza "con il pennello" gli effetti del disegno manierista e ricerca l'efficacia dello shock visivo grazie a un dinamismo violento e una suggestione di immensità. portata dei programmi che crea, nelle dimensioni dei suoi quadri e nel rapporto che stabilisce tra le figure e lo spazio. Ben presto rifiutò l'Antichità, il trompe-l'oeil, la finta architettura teatrale, i tendaggi, i broccati o altre balaustre. Soprattutto dipinse scene di soggetto religioso. È il pittore della borghesia e della spiritualità popolare. La sua arte è agli antipodi rispetto a Veronese. La sua fattura rapida e brusca mette in discussione i valori di cura e finitura. Il suo stile è violento, veemente, il movimento regna sovrano nelle sue composizioni dall'atmosfera drammatica. Voleva accostare la tavolozza di Tiziano al disegno di Michelangelo, di cui conosceva le opere solo attraverso incisioni e calchi, attingendo alle opere dei due artisti senza mai imitarle.

A partire dagli anni 1565-1570, Tintoretto affermò sempre più il ruolo della luce per meglio trasformare ciò che è materiale in oggetto di visione spirituale. Il materiale figurativo che utilizza rimane quello del Cinquecento. L'arte di Tintoretto porta le stimmate dell'ultima parte del Rinascimento con le contraddizioni e le ansie che rispecchiano quelle della società. I suoi ultimi lavori sono ai margini di una concezione figurativa barocca , l'organizzazione differenziata dello spazio che sfugge a un unico punto di vista prospettico. Tuttavia, nel suo ultimo dipinto, La Deposizione del 1593-1594, se un drammatico chiaroscuro si combina con una dinamica a zig zag ascendente e discendente che sarà cara al barocco, nessun supporto architettonico fissa o inquadra la composizione, fatta soprattutto dell'ondeggiare del figure, e l'opposizione dei corpi di Cristo e della Vergine non può essere qualificata come "barocca".

Tra i tanti critici d'arte, Jean-Paul Sartre osserva gli uomini che Tintoretto descrive nei suoi quadri e li paragona a quelli che immagina autentici, come immortalati nelle strade di Venezia. La massima espressione del ciclo pittorico dell'artista è visibile nella Chiesa di San Rocco a Venezia .

  • San Rocco guarisce gli appestati (1549).

  • San Rocco che guarisce gli animali (1549).

  • Cristo guarisce il paralitico (1559).

Jacopo Bassano

La carriera di Jacopo Bassano (1510-1592) e la sua prolifica bottega familiare si spiegano in particolare con la sua capacità di rispondere a una certa richiesta dell'ambiente veneziano. Originario di Bassano del Grappa vicino a Venezia, arrivò nella Serenissima intorno al 1535 nel momento esatto in cui le stampe del parmigiano introdussero la grafica manierista. Adotta un maneggio molto assertivo in relazione alla produzione della città, ma trasponendo il collorisme di Tiziano in una stridula conciliazione dai toni caldi e freddi, come nella Decollazione di San Giovanni Battista (1548-1550), sottile interpretazione del gusto manierista. Negli anni Sessanta del Cinquecento rinnovò il suo stile orientandolo verso la patetica e decisa affermazione di un luminismo artificiale.

Nella sua bottega la produzione è quasi in serie per soddisfare una crescente domanda di “luminismo” al servizio della scena di “genere” biblico o pastorale, fondata da Jacopo. Questa nuova realtà contadina stereotipata soddisfa la tradizionale nostalgia dei veneziani per la terraferma.

Posterità della scuola veneziana

La grandezza della scuola veneziana non sopravvive a Veronese e Tintoretto, nonostante i tentativi di Palma il Giovane di conciliare il "verismo" di Bassano, le grandi composizioni del Veronese e il movimento drammatico di Tintoretto. Mentre i trionfi barocchi, i più grandi pittori che lavorano a Venezia nel XVII °  secolo, sono un tedesco Jan Liss, un romano, Domenico Ferri, e genovese Bernardo Strozzi . Si spegne un ideale di libertà proprio del Cinquecento veneziano, di cui la pittura del tempo era stata la varia trasposizione. Venezia non si è mai veramente identificata con il Manierismo. Il desiderio di un rapporto diretto ed efficace con l'immagine significa che siamo lontani dal distanziamento e dall'apprezzamento estetico-elitario che la caratterizzano altrove e contro cui si ribelleranno i cardinali post-tridentini. Pittura veneziana dice il XVI °  specificità artistica secolo e relativa libertà del pittore. Venezia appare come specialista nel piacere della pittura. Non a caso qui nascono la Venere di Tiziano ei nudi caldi e sensuali del Veronese o del Tintoretto. Nel 1558 Ludovico Dolce fa luce su questa affermazione nel suo Dialogo sulla pittura. Spiega come la mutazione del Rinascimento abbia preso la sua forma veneziana nei dipinti arcadici di Giorgione, e come finalmente questa tradizione di piacere nella pittura conduca la scuola veneziana sulla strada di una “pittura di pittori”.

Architettura e urbanistica

Venezia adottò lo stile rinascimentale in ritardo, rimanendo ancora gotica nel suo insieme e all'ombra del suo glorioso passato bizantino. Negli anni 1460-1470 l'architettura a Venezia conobbe una svolta con l'arrivo di architetti dall'entroterra, dalla Toscana e dalla Lombardia. La conquista della terraferma favorisce il contatto con le forme d'arte continentali. Nei primi anni del XVI °  secolo, e soprattutto nel Dogat Andrea Gritti, più progetti sono implementati che radicalmente il volto della città.

Dopo il Sacco di Roma del 1527, Venezia, che nel complesso scampò a guerre e invasioni, divenne rifugio soprattutto di architetti tra cui, tra questi, Michele Sanmicheli e Jacopo Sansovino. Le grandi differenze tra la pittura veneta e quella dell'Italia centrale impediscono agli stranieri di competere con i pittori locali, cosa che non avviene in architettura.

Architetti XV °  secolo

Il bergamasco Mauro Codussi si distingue come il primo tra gli architetti che si stabiliscono a Venezia. Dopo aver partecipato alle innovazioni fiorentine di Brunelleschi , Leon Battista Alberti e Michelozzo , porta in laguna uno stile rinascimentale rivisitato, già visibile nella sua prima opera, la Chiesa di San Michele in Isola (1468-1479). Oltre al rigoroso e moderno Codussi, operano in città anche altri architetti dal gusto più carico, come Antonio Rizzo e Pietro Lombardo. Al primo, formatosi sul sito della Certosa di Pavia , si deve la ricostruzione e l'ampliamento del Palazzo Ducale per circa quindici anni. Il secondo, di origine ticinese , è autore di alcune opere dove l'uso degli ordini classici si fonde con un'esuberante decorazione lombarda e con l'appetito locale di rivestire le pareti con marmi pregiati, come per Palazzo Dario e la chiesa di Santa Maria dei Miracoli .

Jacopo Sansovino (1527-1570)

Nel 1527, su consiglio del cardinale Grimani , Jacopo Sansovino fu incaricato dal doge Andrea Gritti di restaurare la cupola maggiore della Basilica di San Marco. Nel 1529 divenne architetto capo e sovrintendente ai beni ( Protomaestro o Proto ) dei procuratori di San Marco , cosa che lo rese uno degli artisti più influenti di Venezia. Questo appuntamento è accompagnato da uno stipendio di 80 ducati e da un appartamento vicino alla torre dell'orologio di Saint-Marc . In un anno il suo stipendio viene portato a 180 ducati all'anno.

Le sue principali realizzazioni si trovano vicino a Piazza San Marco , come la Zecca e la Loggetta che, decorata con le sue sculture, confina con il Campanile , oltre a varie statue e rilievi per la Basilica di San Marco . Contribuisce inoltre alla ricostruzione di diversi edifici, chiese, palazzi e istituzioni, tra cui le chiese di San Zulian , San Francesco della Vigna , San Martino , San Geminiano (oggi distrutto), Santo Spirito in Isola e quella degli Incurabili , e tra palazzi ed edifici, la Scuola Grande della Misericordia (vecchi piani), Ca 'Dio, il palazzo Dolfin Manin , il palazzo d'angolo , il Moro palazzo San Barnaba ed il Fabbriche Nuove del Rialto . Il suo capolavoro è la Biblioteca di San Marco (Biblioteca Marciana), una delle strutture rinascimentali più riccamente decorate di Venezia, che sorge di fronte al Palazzo Ducale. La sua costruzione durò cinquant'anni e costò più di 30.000 ducati.

Jacopo Sansovino è morto a Venezia il 27 novembre 1570 ; la sua tomba è nel battistero della Basilica di San Marco.

  • la loggeta , ai piedi del campanile di Saint-Marc .

  • San Giovanni Battista (1554), Frari .

  • Statua di Tommaso Rangone, San Zulian .

Andrea Palladio

Dal 1550 Andrea Palladio fu a Venezia dove diresse la costruzione della Basilica di San Giorgio Maggiore . Nel 1570 Palladio succedette a Jacopo Sansovino , defunto, come capo architetto della Serenissima; vi fece costruire le chiese di San Giorgio Maggiore e del Redentore .

  • Navata di San Giorgio Maggiore, Venezia (1565).

  • Il Redentore , Chiesa di Venezia (1576).

  • Interno del Redentore (1576).

Chiese rinascimentali

Prima di Palladio

Prenota Mauro Codussi , Isola San Michele in una facciata tripartita a base vaga del Tempio Malatestiano di Alberti , con due ordini sovrapposti. La parte superiore presenta un attico tra lesene con oculo e quattro dischi di marmi policromi sormontati da un frontone curvilineo, mentre i lati sono uniti da due ali ricurve, con fini ornamenti in conchiglia sbalzata. Una cornice sporgente, che taglia a metà le lesene, è disposta nel loro punto di raccordo con la parte centrale. L'interno della chiesa è diviso in tre navate, scandite da archi a tutto sesto sorretti da colonne. Ogni navata è coperta da soffitti a cassettoni e termina con un'abside semicircolare, l'ultima campata è separata ai lati da tramezzi e coperta da una cupola cieca. A lato dell'ingresso, un vestibolo è isolato dal resto della chiesa da un “  barco   ”, un coro sostenuto da archi. Sottraendo lo spazio del vestibolo e quello del presbiterio con cupole, Codussi ottiene un corpo centrale perfettamente quadrato. La Cattedrale di San Giacomo a Sebenico, costruita dall'architetto Giorgio Orsini che aveva precedentemente lavorato a Venezia presso il Palazzo Ducale, è un simile e precedente esempio della Chiesa di San Michele. Orsini utilizza la pietra bianca d' Istria estratta sull'isola di Brac che sarà poi utilizzata da Codussi. Questo modello di chiesa è stato ripreso lungo la costa dalmata .

La Chiesa di San Zaccaria , situata nei pressi di San Marco, fu eretta a partire dal 1458 da Antonio Gambello . E 'affiancata sul lato destro di un frammento della ex chiesa gotica che domina un campanile del XIII °  secolo. Mario Codussi riprese i lavori nel 1483 e progettò un'imponente facciata. Una serie di cornici la divide in sei livelli traforati a campate singole o multiple, scandite da nicchie, lesene o doppie colonne con capitelli corinzi. La corona semicircolare ei contrafforti curvilinei sono decorati con statue. La base è rivestita in marmo rosa salmone e il primo piano allinea una serie di capesante. Il portale d'ingresso è dominato da una statua di San Zaccaria, patrono del luogo, realizzata da Alessandro Vittoria . Lo stile degli interni è misto, sia rinascimentale con le sue alte cupole, sia gotico. Le navate laterali sono prolungate dietro l'altare maggiore da un deambulatorio con cappelle raggiate , struttura rara a Venezia.

Costruita tra il 1481 e il 1484 da Pietro Lombardi e dai suoi figli, Santa Maria dei Miracoli è una delle prime chiese rinascimentali di Venezia. L'edificio di modeste dimensioni è, all'esterno e all'interno, interamente rivestito di marmo, il cui sapiente gioco di colori richiama il gusto orientale della città. La facciata presenta un grande frontone semicircolare con numerosi oculi e due rosoni a spirale molto simili a quelli del Palazzo Dario realizzato dallo stesso architetto. Il motivo della croce è onnipresente su entrambi i livelli. L'interno è a navata unica con volta a botte suddivisa in riquadri in legno dorato raffiguranti santi e profeti.

Iniziati nel 1450 da Antonio Gambello , i lavori della Chiesa di San Giobbe furono proseguiti dal 1470 da Pietro Lombardo in puro stile rinascimentale che si manifesta nell'elegante portale d'ingresso, nell'interno a navata unica, e nel coro con un imponente arco. La volta della Cappella Martini è adornata con terrecotte smaltate dei fratelli Della Robbia , gli unici a Venezia. Giovanni Bellini dipinse per questa chiesa la pala di San Giobbe , oggi all'Accademia.

San Giovanni Crisostomo , ultima opera di Mauro Codussi, fu edificata a partire dal 1480 su una superficie ridotta. La sua impronta è ancora bizantina con pianta a croce greca racchiusa in un quadrato, cupola centrale e quattro cupole secondarie. Il coro è rivestito di tele tra cui la pala d'altare di San Girolamo, San Cristoforo e San Ludovico , una delle ultime opere di Giovanni Bellini (1513),

Mauro Codussi disegnò i progetti per la Chiesa di Santa Maria Formosa , eretta a partire dal 1492. Sono bizantine e si ispirano alla Basilica di San Marco: cupola centrale e cupole secondarie, croce latina nelle proporzioni di una croce greca iscritta in un quadrato. La luce è intensa al centro e attenuata ai lati, le pareti sono ornate da discrete fasce bicolore. Sugli intonaci bianchi cari al Brunelleschi spiccano elementi architettonici in pietra grigia, moderna interpretazione della tradizione veneziana.

La Chiesa di San Salvador fu eretta a partire dal 1507 al centro della Merceria , equidistante da San Marco e da Rialto, su progetto di Giorgio Spavento, morto nel 1509. I lavori furono proseguiti da Tullio Lombardo. L'edificio, con pianta a croce latina, presenta una cupola all'incrocio del transetto e due sulla navata particolarmente allungata. Ospita il monumento funebre del doge Francesco Venier (1489-1556) e alcuni dipinti di Giovanni Bellini, oltre all'ultimo Tiziano, un'Annunciazione del 1566.

La Chiesa di San Francesco della Vigna , terza necropoli dei Dogi di Venezia, è notevole per il suo campanile vicino a quello di San Marco e per la sua facciata, opera del Palladio, simile a quella di San Giorgio Maggiore. Ricostruita a partire dal 1534 su progetto del Sansovino, i piani di quest'ultimo vengono modificati da frate Francesco Zorzi , letterato francescano , filosofo e umanista, che intende far regnare l'armonia delle proporzioni. I suoi progetti sono sottoposti a una commissione composta dall'architetto Sebastiano Serlio , da Tiziano e dall'umanista Fortunio Spira . Le sue dimensioni (larghezza e altezza della navata, larghezza delle cappelle e del transetto, profondità del coro pari alla larghezza della navata) sono stabilite in modo particolarmente rigoroso. Il risultato è una croce latina a navata unica delimitata da cappelle, con un profondo coro affiancato da due cappelle secondarie. A sinistra del coro, la cappella di San Girolamo, tutta in marmo, è un capolavoro dei fratelli Lombardo.

Chiese del Palladio

Le Chiese veneziane del Palladio sono progettate per le visite cerimoniali annuali del Doge.

La Chiesa di San Giorgio Maggiore , eretta a partire dal 1566, occupa una posizione privilegiata di fronte alla Piazzetta . Annessa a una ricca casa benedettina , è ricchissima: chiara pietra d'Istria , pavimento in marmo con decorazione a scacchiera rossa e bianca, statue in marmo bianco nelle nicchie delle navate. La sua facciata sembra sposare due antichi templi che si sovrappongono e si interpretano: un grande pronao con quattro colonne corinzie è annidato in un frontone di cui appaiono solo le estremità triangolari. Simone Sorella , che alla morte del Palladio completò la facciata, pose i frontoni del pronao su alti piedistalli, alterando la coerenza dell'insieme. L'interno è un compromesso tra un tempio dell'antichità classica e la croce latina a tre navate di chiese cristiane. Una cupola copre l'attraversamento del transetto, le cui estremità sono terminate da absidi.

Il monastero benedettino di San Giorgio è stata completamente ricostruita nel XVI °  secolo. Il primo chiostro, nei colori rosso e bianco, con portico a colonne binate e al piano superiore con finestre evidenziate da frontoni triangolari e curvilinei, è opera del Palladio. Il secondo chiostro, detto des Lauriers, dà accesso al refettorio del Palladio, la cui parete di fondo era ornata dalle Nozze di Cana del Veronese, quadro che creato dal suo portico fingeva un'apertura nello stretto spazio architettonico.

La Chiesa del Redentore fu edificata dopo l'epidemia di peste del 1576. Fu edificata tra il 1577 e il 1592 sull'isola di Guidecca . Chiesa a navata unica le cui grandi semicolonne sorreggono una poderosa trabeazione che sorregge una volta a botte con grandi finestre semicircolari suddivise in tre settori, ricordo della "baia termale" dell'architettura antica. Ai lati, tre profonde cappelle comunicano tra loro attraverso identiche finestre termiche. L'abside è un semicerchio ellittico che ricorda ancora le terme romane. La chiesa delle Zitelle , situata tra San Giorgio Maggiore e il Redentore, fu costruita su progetto del Palladio. Ha anche una "baia termale" sopra il cancello d'ingresso.

Nel 1559 al Palladio fu affidata la ricostruzione della Basilica di San Pietro di Castello , sede patriarcale di Venezia dal 1451 (e fino al 1807). La facciata è in pietra d'Istria, così come il campanile ricostruito negli anni Ottanta del Quattrocento da Mauro Codussi, una rarità per Venezia.

Piazza San Marco e Piazzetta

È soprattutto sotto i dogat di Leonardo Loredan (1501-1523) e Andrea Gritti (1523-1538) che Piazza San Marco e la sua Piazzetta acquistano il loro aspetto moderno. La piazza è completamente circondata da portici, qui senza alcuna influenza da Roma. Fin dall'inizio fu concepito come “sala cerimoniale” e fungeva da palcoscenico per i riti della vita civile e religiosa della Repubblica.

Quando le Antiche Procura , edificio a corpo unico costruito su richiesta del Doge Ziani in stile veneto-bizantino, dovettero essere ricostruite a seguito di un incendio nel 1515 e furono in questa occasione innalzate, si conservò il loro aspetto originario. Questa decisione è indicativa della riluttanza di Venezia a introdurre un nuovo linguaggio architettonico e del suo attaccamento alla tradizione. Bartolomeo Bon si occupa di questa riparazione. Il secondo piano è poi sormontato da un lungo fregio traforato con oculi e merlature che riecheggiano quelli della basilica e del palazzo ducale.

I pm hanno l'idea di segnare l'ingresso che conduce alle Mercerie , una fila di vie dello shopping che collegano Saint-Marc a Rialto, da una torre che avrebbe l'aspetto di una porta della città. I lavori, iniziati nel 1496, furono affidati a Mauro Codussi . Questa torre dell'orologio ha cinque livelli sovrapposti, con alla base un arco semicircolare che dà accesso alla Merceria , un grande orologio circolare, una Madonna col Bambino a cui i Re Magi rendono omaggio il giorno dell'Ascensione , sopra il Leone di San Marco contro un sfondo di un cielo azzurro stellato, e in alto due mori le cui mazze battono la campana per scandire le ore.

Ricostruita nel XII °  secolo, il campanile è stato colpito da un fulmine nel 1489. Mentre in ricostruzione, è di nuovo danneggiata da un terremoto nel 1511. Bartolomeo Bon termina il suo restauro nel 1517, tenendolo ben poco la sua forma originale. Il corpo principale è in mattoni rossi su cui risalta la pietra bianca della camera delle campane. In alto, un attico sorregge una cuspide piramidale, la cui punta è sormontata da un angelo dorato scolpito dal Sansovino.

Nel 1530 i Pubblici Ministeri affidarono a Jacopo Sansovino la costruzione di una biblioteca sul lato ovest della Piazzetta. Divenne così una sorta di secondo forum. Nel 1557 ricostruì la loggetta ai piedi del campanile. Commissione pubblica, la lunga facciata della biblioteca è volutamente molto decorativa. Posta di fronte al Palazzo Ducale, presenta al pianterreno gli stessi portici delle Procura e forma una loggia aperta continua per la platea da sempre installata nella piazza. La Zecca , accanto ad essa, con le sue colonne bugnate, le sue proporzioni completamente diverse, è molto più compatta e volutamente difensiva nell'aspetto. L'obiettivo è quello di dare un'apparenza di stabilità e sicurezza al luogo in cui viene coniata la moneta della Repubblica.

Il rosa pallido e crema della pavimentazione del Palazzo Ducale, i mattoni color foglia morta del campanile, i mosaici della basilica, le cupole di rame verde, la luce spesso accecante e i riflessi dell'acqua si aggiungono agli effetti .caratteristiche architettoniche per ottenere una messa in scena caratteristica dell'arte veneziana, totalmente estranea all'architettura romana e fiorentina.

Piazza San Marco acquisì il suo aspetto definitivo quando, nel 1580, il Senato decise di costruire nuovi alloggi per i Procuratori a sud, allineati sul lato nord della Biblioteca. Vincenzo Scamozzi , discepolo di Palladio, fece demolire l'antico ospizio di Orseolo per dare inizio ai lavori. Dopo serie discussioni sullo stile dell'edificio, opponendo i fautori dell'arte "vecchio stile" a quelli della tradizione veneziana, le Nuove Procuratie, completate nel 1640 da Baldassare Longhena , restano vicine nello spirito di stile della Libreria di Sansovino.

Palazzo rinascimentale e Scuole

L'allineamento dei palazzi sul Canal Grande conferisce all'architettura una rara scenografia. Il piano terra, a livello del mare, è riservato alle cucine e agli uffici; al primo piano, un ampio soggiorno, al centro dell'edificio, si affaccia sul canale, arteria principale della città. La scala è relegata sul retro della casa; le finestre principali sono raggruppate in una serie di campate colonnate che talvolta coesistono ancora con una forma modificata di finestra gotica.

La città accoglie con cautela l'equilibrata semplicità delle superfici e delle proporzioni dell'architettura antica, la ricchezza decorativa essendo ancorata al temperamento veneziano. Al XVI °  palazzo veneziano secolo abbandonato mattone per la pietra, nobile, ma più freddo. Favoriscono la monumentalità, la simmetria e l'armonia. Le loro facciate sottolineano fortemente gli orizzontali e i verticali con cornici, lesene o colonne in stile antico, le loro finestre rinunciano agli archi spezzati per l'arco a tutto sesto. Lesènes e lesene sono scolpite con motivi “Antichi”, vasi, bucrani , foglie d' acanto o alloro, figure di animali. L'arte rinascimentale si integra senza distruggere il passato: il gusto per le impiallacciature e il colore, di tradizione bizantina, continua a manifestarsi.

Uno dei primissimi palazzi rinascimentali è Palazzo Dario , vicino alla Chiesa della Salute , costruito dal 1487 al 1492 da Pietro Lombardo. La sua stretta facciata presenta una raffinata decorazione di marmi policromi. Tra gli archi a tutto sesto spiccano rosoni in pietra a forma di spirale. I valori decorativi continuano a prevalere qui; la costruzione rimane leggera grazie alle finestre quadruple che si ripetono sui tre piani della sua facciata.

L'arte rinascimentale trionfa al Palazzo Corner Spinelli , costruito a partire dal 1490 da Marco Codussi per la famiglia Lando. La sua facciata, tutta lungo la quale corrono balconi, prefigura quella del palazzo Vendramin . I dischi di marmo sono posizionati tra le campate dei pavimenti; i boss del piano inferiore sono un patrimonio toscano.

Mario Codussi costruì dal 1502 al 1509 il palazzo Calergi-Vendramin per Andrea Loredan che presiede il Consiglio dei Dieci e che è imparentato con il grande doge Leonardo Loredan che poi propugna l'austerità e l'astensione dalla spesa suntuaria dopo la sconfitta di Agnadel . La sua facciata sfrutta e ripete dodici volte una “cella di base” che le conferisce l'unità, composta da due finestre gemelle sormontate da un oculo tondo e da un arco semicircolare che le chiude entrambe. La successione dei tre ordini, dorico , ionico e corinzio , è rispettata nei tre livelli separati da trabeazioni continue sottolineate da robuste cornici, l'ultimo divenendo un elegante fregio di buona altezza. La presenza di dischi colorati negli intervalli degli acini segna l'accento veneziano.

La Scuola Grande de San Rocco , costruita tra il 1517 e il 1549, è simile al palazzo Calergi-Vendramin per la presenza al piano terra delle stesse finestre composite “Codussi”. Al piano superiore, invece , le doppie finestre sono sormontate da un frontone triangolare. Colonne scanalate, lesene con capitelli corinzi, marmi policromi e un fregio superiore gli conferiscono una grande sontuosità. Bartolomeo Bon è l'architetto del piano terra, Santo Lombardo e Scarpagnino lo hanno completato.

Il Palazzo d'Angolo di Cà Grande fu costruito a partire dal 1532 da Jacopo Sansovino su richiesta di Jacopo Cornaro. È di dimensioni imponenti e la sua facciata presenta un basamento con bugne a tre archi monumentali, oltre a grandi finestre tra doppie colonne al piano superiore. All'interno si trovano un atrio e un peristilio , che ricordano l'antichità romana.

Il Palazzo Grimani , costruito tra il 1557 e il 1561 dal Sammicheli per il senatore Girolamo Grimani, è notevole per la sua porta d'acqua, un vero e proprio arco trionfale romano a tre arcate, una grande e due piccole, struttura riprodotta in forma semplificata su due piani superiori, dando l'edificio la sua unità.

Umanesimo

La società patrizia veneziana si volse all'umanesimo a metà del XV °  secolo, che a partire dal 1405 conquistò il potere a Padova attraverso la sua università. Compaiono attivi centri intellettuali, come quello del monastero camaldolese di San Michele di Murano che possiede una ricca biblioteca. Nel 1408 viene aperta la Scuola di Rialto, scuola di logica e filosofia, prima privata, poi pubblica dal 1441. Nel 1446, viene fondata la Scuola di scienze umane di Saint-Marc che insegna il diritto, la logica, la filosofia, la teologia, e questo è un fulcro di studio degli autori italiani. L'umanesimo veneziano è meno pagano o laico dell'umanesimo fiorentino. È guidato prima di tutto dalla cultura ellenistica e intende accordarsi con il servizio dello Stato, ritenendo che gli studi classici siano i più adatti a formare politici e diplomatici di qualità. Le grandi famiglie praticanti della città danno a Venezia i suoi governanti e amministratori, nonché i suoi più eminenti umanisti. Venezia resta una città tollerante, un asilo del libero pensiero. Nel 1516 Pomponazzi può affermare che l'anima è mortale perché è legata alla materia senza che questa meriti rappresaglie.

Dopo la caduta di Costantinopoli nel 1453, gli intellettuali greci fuggirono prima a Venezia, che poi beneficiò di un grande trasferimento di conoscenze. Dal 1460, Georges de Trébizonde e altri eminenti professori, tra cui Marcus Musurus e Janus Lascaris , insegnano alla Scuola di Saint-Marc. Il cardinale Bessarione è uno di quelli "sradicati" che lottano per salvare dall'"affondamento della barbarie" l'eredità della cultura greca. La sua biblioteca è ricca di 432 codici greci e latini che donò nel 1464 alla città di Venezia, sperando che tutti potessero consultarli. Venezia decide allora di costruire una biblioteca pubblica. L'erezione della Biblioteca Marciana divenne effettiva solo nel 1537.

Uno dei patrizi umanisti più famosi è Hermolao Barbaro (1453-1493), nipote del doge Andrea Vendramin, che riunisce nel suo palazzo coloro che sono animati dalla stessa curiosità per la cultura greca. Occupa diversi uffici ed è ambasciatore a Roma. Fa visita a Lorenzo il Magnifico nel momento in cui Marsile Ficino traduce Platone e dà un insegnamento a Padova su Aristotele di cui traduce e commenta gli scritti.

L'editore Alde Manuce si circonda di studiosi, storici, geografi, cronisti tra cui Marin Sanuto , autore dei Diarii , che intorno a lui formano l'Accademia Aldina, dove è necessaria la conoscenza del greco antico per diventarne membro. . Erasmo la frequentò quando si recò a Venezia nel 1508.

Tipografia ed editoria

Nel 1469, i tipografi tedeschi Jean e Wendelin de Spire crearono la prima macchina da stampa a Venezia. Un privilegio esclusivo di cinque anni fu concesso nel 1471 all'ultimo, ma morì un anno dopo. Altri laboratori, tra cui quello del francese Nicolas Jenson , furono creati immediatamente. Banchieri e industriali, come gli Agostini ei Priuli , investono nella stampa. L'evento ha avuto un tale successo che entro la fine del XV °  secolo, stampanti attività sono già numero quasi duecento, garantendo alla città un'egemonia sia sul tecnico, culturale e artistico. Il libro risponde alle concrete preoccupazioni dei veneziani perché è uno degli oggetti di commercio più interessanti. Problemi di monopolio e plagio compaiono a partire dal 1490 che spinge l'edizione veneziana ad organizzarsi nella potente corporazione dell'Arte della stampa , quando entrano in vigore le prime misure mai prese a tutela del diritto d'autore. edizioni economiche raddoppiano la pubblicazione di testi di grandi dimensioni, che raggiungono grandi tirature.

Dal 1490, Alde Manuce pubblicò edizioni di alta qualità di opere classiche e contemporanee. Originario di Roma, si assicura l'appoggio di uomini d'affari per la sua impresa, studiosi e studiosi per la costituzione dei testi. È un professore che parla correntemente il greco e un umanista che vede la sua attività come un apostolato. Il romanzo allegorico dell'Hypnerotomachia Poliphili di Francesco Colonna , edito da Manuce nel 1499, costituisce un capolavoro dell'arte tipografica dell'epoca: i caratteri del testo sono armoniosamente legati alle illustrazioni xilografiche e ai motivi ornamentali di delicata ispirazione classica . Manuce pubblica testi sacri, opere latine e italiane, ed è la prima a pubblicare opere greche in lingua orientale grazie ai manoscritti del cardinale Bessarione.

La cultura greca riuscì a sopravvivere dopo la caduta dell'impero bizantino principalmente grazie a Venezia che rimase il principale centro per la stampa di libri greci fino al 1829.

Gli editori della Venezia rinascimentale danno una versione figurativa di ciò che l'antichità è più amabile in una forma leggera, diretta e accessibile. I libri illustrati raccontano la Favola o la Storia Antica in modo simpatico e popolare dove gli artisti trovano spesso la loro ispirazione, denigrando trattati accademici.

La musica viene stampata già nel 1501 con notevole perfezione tipografica dall'editore Ottaviano Petrucci , che detiene il privilegio esclusivo per questo tipo di edizione.

Fonte di traduzione

Note e riferimenti

  1. (in) Denys Sutton, Pittura veneziana dell'età dell'oro , Apollo,1 ° novembre 1979, pag.  374.
  2. Freedberg , p.  123
  3. Patricia Fortini Brown ( trad.  dall'inglese), The Renaissance in Venice , Paris, Flammarion ,2008, 175  pag. ( ISBN  978-2-08-121696-9 ).
  4. Daniel Arasse, L'Homme in prospettiva - Les primitifs d'Italie , Paris, Hazan,2008, 336  pag. ( ISBN  978-2-7541-0272-8 )
  5. (it) Franco Cardini e Marina Montesano, Storia medievale , Firenze, Le Monnier Università,2006, 470  pag. ( ISBN  88-00-20474-0 ).
  6. De Vecchi-Cerchiari , p.  10.
  7. De Vecchi-Cerchiari , p.  11.
  8. De Vecchi-Cerchiari , p.  128.
  9. Valcanover 2007 , p.  488.
  10. De Vecchi-Cerchiari , p.  129.
  11. Jean-Michel Brèque .
  12. Giovanni Carlo Federico Villa .
  13. De Vecchi-Cerchiari , p.  131.
  14. Daniel Arasse, L' uomo in prospettiva - I primitivi d'Italia , Parigi, Hazan,2008, 336  pag. ( ISBN  978-2-7541-0272-8 )
  15. Jean-Michel Brèque , p.  434.
  16. (it) "  telero in vocabolario - Treccani  " su treccani.it (consultato il 15 settembre 2020 ) .
  17. Zuffi 2007 , p.  148.
  18. De Vecchi-Cerchiari , p.  130.
  19. De Vecchi-Cerchiari , p.  132.
  20. De Vecchi-Cerchiari , p.  161.
  21. De Vecchi-Cerchiari , p.  162.
  22. De Vecchi-Cerchiari , p.  163.
  23. Daniel Arasse, The Man at Play - The Geniuses of the Renaissance , Paris, Hazan,2008, 360  pag. ( ISBN  978-2-7541-0427-2 )
  24. De Vecchi-Cerchiari , p.  164.
  25. De Vecchi-Cerchiari , p.  160.
  26. De Vecchi-Cerchiari , p.  172.
  27. Fregolent2001 , p.  10 e 14.
  28. De Vecchi-Cerchiari , p.  173.
  29. (it) Costantino Porcu (a cura di), Dürer , Milan, Rizzoli,2004, pag.  56.
  30. Fregolent 2001 , p.  20.
  31. Fregolent 2001 , p.  50.
  32. Linda Murray .
  33. De Vecchi-Cerchiari , p.  174.
  34. De Vecchi-Cerchiari , p.  176.
  35. De Vecchi-Cerchiari , p.  174.
  36. De Vecchi-Cerchiari , p.  175.
  37. De Vecchi-Cerchiari , p.  177.
  38. De Vecchi-Cerchiari , p.  180.
  39. De Vecchi-Cerchiari , p.  181.
  40. De Vecchi-Cerchiari , p.  182.
  41. De Vecchi-Cerchiari , p.  223-224.
  42. De Vecchi-Cerchiari , p.  225.
  43. (it) Giuseppe Fiocco, "  Paolo Veronese in" Enciclopedia Italiana "  " , su treccani.it ,1935(consultato il 28 agosto 2020 ) .
  44. Jean-Michel Brèque, Venezia , Parigi, Presses Universitaires de France,maggio 2011, 435  pag. ( ISBN  978-2-13-059061-3 )
  45. (it) Perocco-Salvadori, Civiltà di Venezia , La stamperia di Venezia editrice, p.  821-824.
  46. Howard , p.  9.
  47. (De) Chahil, "  Der Architekt Jacopo Sansovino und die Loggetta von 1540 in Venedig  " , su andrechahil.com (consultato il 28 agosto 2020 ) .
  48. Howard .
  49. Howard , p.  155.
  50. (it) Gustavo Giovannoni, "  Palladio, Andrea in" Enciclopedia Italiana "  " , su treccani.it ,1935(consultato il 28 agosto 2020 ) .
  51. parola da Fernand Braudel
  52. Chateaubriand

Bibliografia

  • Daniel Arasse, L'uomo in gioco - I geni del Rinascimento , Parigi, Hazan,2008, 360  pag. ( ISBN  978-2-7541-0427-2 ).
  • Daniel Arasse, L'uomo in prospettiva - I primitivi d'Italia , Parigi, Hazan,2008, 336  pag. ( ISBN  978-2-7541-0272-8 ).
  • Jean-Michel Brèque, Venezia , Parigi, University Press of France,maggio 2011, 435  pag. ( ISBN  978-2-13-059061-3 ).
  • (it) Pierluigi De Vecchi e Elda Cerchiari, I tempi dell'arte , vol.  2, Milano, Bompiani,1999( ISBN  88-451-7212-0 ).
  • Patricia Fortini Brown ( trad.  dall'inglese), Il Rinascimento a Venezia , Parigi, Flammarion ,2008, 175  pag. ( ISBN  978-2-08-121696-9 ).
  • (it) Sydney Joseph Freedberg, Pittura in Italia, 1500–1600 , Yale,1993, 761  pag. ( ISBN  0-300-05587-0 , leggi online ).
  • (it) Alessandra Fregolent, Giorgione: il genio misterioso della luce e del colore , Milan, Electa,2001, 143  pag. ( ISBN  88-8310-184-7 ).
  • (it) Deborah Howard, Jacopo Sansovino Architettura e mecenatismo nella Venezia rinascimentale. , New Haven / Londra, Yale University Press ,1987, 194  pag. ( ISBN  0-300-01891-6 ).
  • (it) Roberto Longhi , ViViatico per cinque secoli di pittura veneziana , Firenze, Sansoni,1985.
  • (it) Frank Jewett Mather, Pittori veneziani , New York, H. Holt,1936.
  • Linda Murray, Il Rinascimento e il Manierismo , Parigi, Thames & Hudson Editions,1995, 287  pag. ( ISBN  2-87811-098-6 ).
  • (it) Pietro Selvatico , Vincenzo Lazari e Rinaldo Fulin, Pompeo Molmenti, Guida artistica e storica di Venezia e delle isole circumvicine , G. Antonelli,1881, 488  pag. ( leggi in linea ).
  • (it) Francesco Valcanover, Venezia alla fine del Quattrocento, in Pittori del Rinascimento , Firenze, Scala,2007, 640  pag. ( ISBN  978-88-8117-099-9 e 88-8117-099-X ).
  • Giovanni Carlo Federico Villa ( tradotto  dall'italiano), Cima da Conegliano, maestro del Rinascimento veneziano: [mostra, Parigi, Musée du Luxembourg, 5 aprile 15 luglio 2012] , Parigi, Riunioni dei Musei Nazionali - Grand Palais,2012, 232  pag. ( ISBN  978-2-7118-5990-0 ).
  • (it) Stefano Zuffi , Il Quattrocento , Milano, Electa,2004, 381  pag. ( ISBN  88-370-2315-4 ).
  • (it) Stefano Zuffi, Il Cinquecento , Milano, Electa,2005, 383  pag. ( ISBN  88-370-3468-7 ).
  • (it) Stefano Zuffi, Grande atlante del Rinascimento , Milano, Electa,2007, 429  pag. ( ISBN  978-88-370-4898-3 ).

Articoli Correlati