Museo di Arte Moderna
genere | Museo d'arte, organizzazione legata all'arte ( d ) |
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Apertura | 7 novembre 1929 |
Capo |
Alfred Barr , primo regista Glenn D. Lowry, attuale direttore |
La zona | 11.600 m 2 |
Visitatori all'anno | 2.750.000 ( 2017 ) |
Sito web | www.moma.org |
Collezioni | Arte Moderna |
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Numero di oggetti |
150.000 dipinti , sculture , disegni , incisioni , fotografie , modelli e oggetti d'arte 22.000 film 4.000.000 diapositive |
Architetti | Yoshio Taniguchi , Edward Durell Stone |
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Nazione | stati Uniti |
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Comune | New York |
Indirizzo |
11 West 53rd Street New York City 10019 |
Informazioni sui contatti | 40 ° 45 ′ 41 ″ N, 73 ° 58 ′ 40 ″ W |
Il Museum of Modern Art , noto con l'acronimo MoMA , è un museo di arte moderna e contemporanea inaugurato nel 1929 e ora si trova nel distretto di Midtown a Manhattan , New York il 53 ° Strada, tra la Quinta e la Sesta Avenue .
Il MoMA è uno dei musei di arte moderna più importanti e influenti al mondo. La collezione del MoMA offre uno spaccato di arte moderna e contemporanea, principalmente europea e americana ; comprende disegni , dipinti , stampe , sculture , fotografie , opere di architettura e design , libri illustrati e libri d'artista, film e supporti elettronici.
La biblioteca del MoMA comprende circa 300.000 libri e cataloghi di mostre, oltre 1.000 titoli di periodici e oltre 40.000 schede effimere su artisti o movimenti. Gli archivi contengono fonti primarie legate alla storia dell'arte moderna e contemporanea.
A metà degli anni '20, tre donne, Abby Aldrich Rockefeller (moglie di John D. Rockefeller, Jr. ) e due delle sue amiche, Lillie P. Bliss (dentro) e Mary Quinn Sullivan (dentro) , influenti mecenati e progressisti , vedono la necessità di offrire un'alternativa alle politiche conservatrici dei musei tradizionali negli Stati Uniti . Persuaso con successo l'industriale e banchiere Anson Goodyear (in) supporto, che era stato uno dei maggiori benefattori della Albright-Knox Art Gallery ( Buffalo ), decisero di creare un'istituzione dedicata esclusivamente all'arte moderna il cui ruolo sarà quello di preservare opere ben note ma soprattutto per aprire le sue porte a giovani artisti contemporanei. Alfred Barr è il suo primo regista. Nessuna istituzione museale dedicata all'arte contemporanea esisteva prima a New York, ad eccezione del Museum of Living Art fondato da Albert Eugene Gallatin (in) alla New York University (1925) e la collezione Société Anonyme, Inc. . fondata da Katherine Dreier e Marcel Duchamp e ospitato dal Brooklyn Museum (1927). Il7 novembre 1929una grande mostra è organizzata nell'Heckscher Building al 730 della Fifth Avenue, una stanza prestata per l'occasione, che riunisce 35 Cézanne, 28 Van Gogh, 21 Gauguin e 17 Seurat, consentendo di raccogliere più di $ 50.000 in fondi per il nuovo museo. Nel 1930, la seconda mostra ha permesso di mettere in luce 19 giovani pittori americani: la scommessa è stata vinta.
Nel corso della sua storia, il museo occupò successivamente uno spazio per uffici affittato sulla Fifth Avenue nel novembre 1929 pochi giorni dopo il crollo della borsa ; nel 1932 una casa di città affittata ai Rockefeller ; nel 1937 locali provvisori al piano terra del Rockefeller Center . Nel 1939 un edificio progettato dagli architetti modernisti Philip L. Goodwin e Edward Durell Stone in stile internazionale fu costruito in 11 West 53rd Street , la sua posizione attuale. Questo edificio subì ampliamenti firmati dall'architetto Philip Johnson (membro del consiglio di amministrazione) nel 1951 e nel 1964. Anche la riconfigurazione dell'Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden fu firmata da Philip Johnson nel 1953. Nel 1984 il museo è stato ampliato da Cesare Pelli e nel 2004 è stato effettuato un importante restauro e ampliamento sotto la guida di Yoshio Taniguchi .
All'inizio degli anni 2010, il museo ha acquistato la sede dell'American Folk Art Museum per costruire una nuova estensione.
L'ultimo intervento di ristrutturazione e ampliamento è affidato allo studio di architettura Diller Scofidio + Renfro ; la consegna è prevista dopo quattro mesi dalla chiusura del15 giugno a 21 ottobre 2019.
Dalla sua apertura nel 1929 ad oggi, il MoMA ha continuato a modificare e ampliare sia i suoi edifici che le sue collezioni; Il MoMA è passato dall'essere un'entità sperimentale e incerta a un proclama trionfante, inscritto sul suo tetto, designandolo come il Museum of Modern Art di New York.
I fiduciari , Abby Aldrich Rockefeller e due dei suoi amici, Lillie P. Bliss e Mary Quinn Sullivan, avevano scelto Barr come loro preside, quando aveva solo ventisette anni, perché nella sua qualità di professore al Wellesley College , aveva sviluppato e ha tenuto un corso visionario di arte moderna, il primo negli Stati Uniti. Si era formato in storia dell'arte alla Princeton University e alla Harvard University sotto lo storico dell'arte medievale Paul Sachs. Inoltre, una visita al Bauhaus nel 1927 lo aveva reso consapevole di un approccio multidisciplinare, aperto a molte pratiche artistiche, un approccio innovativo per l'epoca.
Fu durante la prima mostra al MoMA del 1929 che Alfred Barr spiegò le sue scelte e il suo approccio per questo museo di arte moderna.
Così nella prima brochure del MoMA pubblicata nel 1929 dal museo, Alfred Barr nota che in tutto il mondo c'è un crescente interesse per gli artisti contemporanei e che si trovano sia in collezioni private che in gallerie e mostre. istituzioni. Si stupisce che: "la metropoli americana non ha una galleria espositiva di questo tipo, è straordinariamente anormale". Egli paragona questa situazione a quella delle moderne collezioni pubbliche di altre grandi città del mondo, come Londra , Parigi , Berlino , Monaco , Mosca , Tokyo , Amsterdam . È a questi esempi che New York deve rivolgersi per le idee.
Il progetto iniziale di Barr comprendeva dipartimenti dedicati alla pittura e alla scultura, ma anche disegno, incisione, fotografia, tipografia , design commerciale e industriale, architettura (che offre una raccolta di progetti e modelli ), scenografia , mobili e arti decorative . Sarebbe stata inoltre creata una cineteca.
Eppure il consiglio , temendo che il pubblico potesse non essere pronto ad accettare queste nuove forme d'arte, ridusse significativamente la lista dei desideri di Barr, così che il testo finale recitava semplicemente: " In futuro, le collezioni del museo si espanderanno oltre la pittura e la scultura per includono dipartimenti dedicati al disegno, alla stampa e ad altre aree dell'arte moderna. " .
Alfred Barr terrà comunque presente il suo progetto. Su un'altra copia della brochure dagli archivi del MoMA, possiamo vedere, in fondo alla pagina, l'elenco manoscritto di Barr dei diversi dipartimenti del museo e le date desiderate delle loro creazioni: disegno 1929, architettura 1932, fotografia 1932, 1934 design industriale, film del 1935, teatro e danza del 1940.
Inoltre, i primi comunicati stampa dal MoMA indicare chiaramente che non ci sarà alcun conflitto tra la missione del nuovo museo e quella del Metropolitan Museum of Art , prendendo come analogia il rapporto tra il Musée du Luxembourg e il Louvre. A Parigi che insieme hanno dato al pubblico l'opportunità di vedere l'arte di oggi e l'arte del passato. “Il giovane museo avrà diverse funzioni; dovrà prima costituire una collezione di vecchi maestri, americani ed europei, che hanno appena preceduto il movimento moderno. Le gallerie del museo esporranno raccolte accuratamente selezionate dei più importanti maestri viventi, in particolare di Francia e Stati Uniti anche se forse sarà presente un rappresentante da Inghilterra , Germania , Italia , Messico e altri Paesi” .
Il MoMA ha voluto affiancare altre istituzioni newyorkesi e più in particolare il MET , quello di un'istituzione sempre in movimento, secondo il modello tracciato da Alfred Barr nel 1933, il siluro: il "naso" del siluro che rappresenta il presente, il suo corpo l'arte degli ultimi cinquant'anni e la sua trascina lo spargimento negli anni delle opere più antiche per conservare solo l'essenziale.
Costituzione delle collezioniIl museo ha costruito la sua collezione nei decenni e spesso nel corso di mostre da quattro generazioni di curatori con diverse sensibilità, sono state notevolmente arricchite anche da donazioni esterne di collezionisti il cui contributo è stato determinante.
Così le Bagnanti (1885) di Paul Cézanne presentate durante la prima mostra su7 novembre 1929, ricevuto attraverso un lascito di Lillie P. Bliss nel 1934 ed è stato uno dei primi dipinti ad entrare nelle collezioni del MoMA. House by the Rail Road (1925), opera di Edward Hopper , fu anche una delle primissime opere ad entrare nelle collezioni. Fu prestato per la prima volta dal suo proprietario Stephen C. Clark (erede delle macchine da cucire Singer che entrò a far parte del consiglio di amministrazione del MoMA per la seconda mostra del museo, Dipinti di diciannove artisti viventi americani indicembre 1929. Poco dopo la fine della mostra Stephen Clark dona anonimamente il dipinto al museo. Queste donazioni sono fondamentali per il giovane museo perché all'inizio, senza fondi dedicati agli acquisti, Barr deve contare sulla generosità dei fiduciari e degli altri mecenati per iniziare a costituire la collezione. Tuttavia, se il primo direttore era molto grato per le donazioni ricevute, era ansioso di mettere in atto una politica di acquisizioni coerente e controllata . “Lo sviluppo di una collezione non può essere lasciato al caso”, afferma.
Fin dalla creazione, Alfred Barr ha voluto che questo museo fosse ancorato al suo tempo ma non rinnegasse il passato. Questo è perché ha scelto di presente alla prima mostra in 1929 artisti dalla fine del XIX ° secolo, quelli della seconda generazione come Gauguin , Seurat , Van Gogh , e il seguente mostra Matisse e Picasso (non mostrato al MET ).
Nel 1929, la data del 1880 corrispondeva all'inizio di un periodo di quasi cinquant'anni di spirito moderno che il museo si proponeva di far conoscere al pubblico di New York.
Quasi tutte le discipline raccolte ancora oggi, pittura e scultura, architettura e design, disegno e stampa come libri d'artista, cinema e fotografia, hanno fatto il loro ingresso nelle collezioni fin dal primo decennio dell'istituzione.
Il MoMA è stato uno dei primi musei d'arte al mondo ad istituire, nel 1940, un dipartimento specifico dedicato alla fotografia, fondato da Beaumont Newhall ; ciò ha contribuito notevolmente al riconoscimento di essa come un'arte a sé stante e ha avuto una grande influenza nell'accettazione della fotografia da parte di altri musei di tutto il mondo.
Organizzazione e sviluppiAll'interno di un'organizzazione amministrativa relativamente stabile, gli oggetti raccolti dai dipartimenti sono molto diversi e la loro definizione in continua trasformazione, sposando, a volte con ritardo, l'evoluzione delle pratiche e delle tecnologie.
Ad esempio, la raccolta di opere su carta, inizialmente confinata al disegno in bianco e nero solo fino agli anni Cinquanta, si è aperta, gradualmente e tardivamente, ad altre pratiche, dal collage al colore, quando contemporaneamente si sono aperte le stampe ai multipli e al manifesto con, ad esempio, le opere derivate di Ronald Haeberle .
Il potenziamento, alla fine degli anni Sessanta, del disegno e dell'incisione, fino ad allora di competenza del Dipartimento di Pittura e Scultura, avviene quando queste pratiche diventano centrali per le avanguardie del periodo.
L'architettura, a lungo limitata alla presentazione di disegni, progetti o modelli, si è recentemente rivolta volontariamente alla fotografia e alle immagini in movimento.
Allo stesso modo, il Dipartimento di Fotografia, guidato dal 1947 al 1962 da Edward Steichen , responsabile della mostra La famiglia dell'uomo , ha iniziato solo negli anni '60 a prendere in considerazione nelle sue collezioni non forme di fotografia artistica, soprattutto pratica amatoriale .
Mentre il MoMA è spesso visto come il deposito di una visione elitaria dell'arte moderna (esponendo solo artisti di fama mondiale), la cultura popolare è stata comunque presa in considerazione presto da molti dei suoi dipartimenti: negli anni 1930, sotto la guida di John Hay Whitney , Iris Barry , prima direttrice della Cineteca, riuscì ad acquisire per il museo un film di Walt Disney , ( Steamboat Willie del 1928) e il film di Eisenstein (La corazzata Potemkin uscito nel 1925), uno è l'esempio più lampante di un film di intrattenimento e l'altro di un film d'autore. Siegfried Kracauer lavorerà anche per la cineteca.
Per quanto riguarda il design, dalla mostra “Machine Art” del 1934, il MoMA ha affermato criteri molto rigidi dai quali si è discostato poco, privilegiando il prodotto industriale piuttosto che l'oggetto prezioso, il prototipo , l'uso sul terreno, l'estetica, la cultura o addirittura approccio antropologico all'arte. In questo contesto, il Dipartimento di Architettura e Design ha continuato a spingere i limiti della collezione mettendo in discussione la definizione dell'oggetto museale: l'ingresso negli ultimi anni delle forme popolari.
Così, nel 2006, la creazione di un nuovo dipartimento Media , che nel 2009 diventerà il dipartimento Media e Performance , incaricato di opere che si sviluppano nel tempo (lavori basati sul tempo), sottolinea la necessità di tenere pienamente conto delle forme d'arte precedentemente raccolte sporadicamente e incompleto da altri reparti, Cinema con video, Pittura o Scultura, in particolare per installazioni multimediali.
All'interno di uno schema generale, ogni dipartimento ha quindi sviluppato la propria cultura, la propria logica di acquisizioni specifiche, evoluzione rafforzata dagli anni Sessanta, dalla sostituzione del comitato di acquisizione del museo con comitati di acquisizione per dipartimenti.
Per rimanere sempre un museo d'arte moderna, il MoMA ha dovuto rinnovarsi e smantellare parte delle sue collezioni ogni cinquant'anni. Ciò ha portato il MoMA a cedere i capolavori più antichi della sua collezione al Metropolitan Museum of Art di New York nel 1947 in cambio di fondi destinati all'acquisizione di opere contemporanee.
Ma non è bastato perché non è stato risolto il problema posto dalla presentazione di opere moderne nelle gallerie pur mantenendo un ritmo sostenuto di acquisizione. Il museo deve costantemente riordinare drasticamente ciò che viene presentato nelle sale e anche modificare l'interno e l'esterno dei suoi edifici per mantenere una presentazione giudiziosa delle sue opere.
Il MoMA PS1 , con sede nel Queens , affiliato al MoMA dal 2000 come allegato.
Collezione e opere storicheNel 1939, a dieci anni dalla sua creazione, la collezione del MoMA adotta i propri contorni: “una collezione d'arte internazionale” dal Post-Impressionismo , con un'enfasi sull'Europa per i primi anni e un'espansione negli anni successivi.
L'istituzione conserva una delle più importanti collezioni di arte moderna e contemporanea al mondo con quella del Centre Georges-Pompidou (Parigi) e della Tate Modern (Londra). La collezione del museo contiene fino ad oggi circa 200.000 opere. 77.000 possono essere visualizzati online. Il Centro Pompidou che contiene più di 100.000 opere dal 1905 ai giorni nostri.
La collezione del MoMA è ricca di molte produzioni artistiche moderne e contemporanee in campi diversi come la pittura, la scultura, il disegno, ma anche la fotografia, il design ( Charles Eames , Livio Castiglioni , Achille Castiglioni , Pier Giacomo Castiglioni , Isamu Noguchi ) e l'architettura ( Frank Lloyd Wright , Ludwig Mies van der Rohe ), video ( Pac-Man ) e film ( Citizen Kane , All Is Full of Love ) da quando il MoMA ha iniziato a raccogliere i suoi primi film creando nel 1935 una cineteca.
Robert Delaunay , La torre e la ruota .
Henri Rousseau , detto il Douanier Rousseau, La Bohémienne endormie , 1897 .
Henri Rousseau dit le Douanier Rousseau, Le Rêve , 1910 .
Henri de Toulouse-Lautrec , La Goulue con due donne del Moulin Rouge , 1891-1892.
Wassily Kandinsky , Piccoli mondi .
La collezione è completata da archivi documentari molto ricchi, che si tratti di archivi di mostre e attività del MoMA o di biblioteche specializzate come quella dedicata alle arti latinoamericane moderne e contemporanee .
La situazione artistica fino alla fine della seconda guerra mondiale negli Stati Uniti non era delle più favorevoli per gli artisti contemporanei. Il movimento dell'espressionismo astratto fu oggetto di numerosi attacchi da parte di tutti i politici fino allo stesso presidente Truman .
Truman credeva che l'arte non fosse innocente ma fortemente permeata di politica. E questo presidente democratico , era anche conservatore e anticomunista , e fortemente legato ai valori tradizionali nel campo delle arti. Nel 1950 , alcuni rappresentanti come il deputato repubblicano George Anthony Dondero (in) , che simboleggiava la lancia di ferro dell'anticomunismo che aprirà le porte del maccartismo , si fecero portavoce di un tradizionalista e lobbista americano , affermando con grandi effetti retorici : “Il cubismo aspira a distruzione attraverso la discordanza del design. Il Futurismo aspira alla distruzione attraverso il mito della macchina... Il Dadaismo mira alla distruzione attraverso il ridicolo. L' Espressionismo mira a distruggere scimmiottando il primitivo e il folle…” . “Gli artisti ultramoderni sono inconsciamente usati come strumenti dal Cremlino. " .
E, anche se gli artisti e l'intellighenzia americana avevano subito una “demarxizzazione” tra il 1935 e il 1941, resta il fatto che artisti come Jackson Pollock , Motherwell o Rothko avevano, negli anni Trenta, una produzione artistica e posizioni politicamente impegnate, anche per alcuni rivoluzionari. Pollock, ad esempio, aveva sperimentato la tecnica dell'affresco propagandistico insieme a Siqueiros . Questo tipo di posizione non poteva essere dimenticato dagli anticomunisti.
Pertanto, durante la Guerra Fredda , la promozione ufficiale di mostre d'arte moderna non era quindi possibile per il governo. Ma si trovava di fronte a una necessità: la cultura e in particolare le arti plastiche rappresentavano uno spazio di forte lotta ideologica di cui i sovietici non mancavano di avvalersi. E, nonostante il disaccordo estetico, ma anche sociale, che poteva esistere tra gli artisti dell'avanguardia e il governo americano, l'arte moderna rappresentava, nonostante tutto, per quest'ultimo un'ideologia di libertà.
Il governo ha tentato di realizzare progetti attraverso varie agenzie come la United States Information Agency (USIA), ma molti hanno dovuto essere cancellati a causa dell'opposizione.
Era quindi necessario rivolgersi a organizzazioni che difendessero e promuovessero l'avanguardia come modello di libertà americana. Il governo si è rivolto al settore privato, in particolare al Museum of Modern Art di New York. Negli Stati Uniti, infatti, la maggior parte dei musei e delle collezioni d'arte sono "private". Era quindi importante per i leader americani dare supporto a quei musei e fondazioni che sono già abituati a sostenere l'espressionismo astratto.
Il programma internazionale del MoMA ha già prodotto, in varie capitali del mondo ( Londra , San Paolo , Parigi …), mostre di arte contemporanea americana e, principalmente, di Espressionismo Astratto. Il museo assunse, infatti, la rappresentanza americana dove altre nazioni erano rappresentate da sostegni governativi alle mostre. Tra il 1954 e il 1962 il Dipartimento di Stato si rifiutò di assumersi la responsabilità del padiglione americano durante le Biennali di Venezia . La gestione di questo padiglione nazionale è stata quindi affidata al MoMA con il supporto finanziario della Central Intelligence Agency, distillato attraverso fondazioni.
Così, nel 1960, apre al museo delle arti decorative di Parigi una mostra intitolata Antagonism ; in questa mostra si trovavano, tra gli altri, Sam Francis , Jackson Pollock, Mark Rothko, Mark Tobey , Beauford Delaney … Questa mostra era stata presentata in parte a Vienna per controbilanciare il festival della gioventù comunista che si era svolto l'anno precedente. Nell'introduzione al catalogo della mostra The New American Painting , Alfred Barr ha mostrato il ruolo dell'espressionismo astratto durante la Guerra Fredda .
850 milioni sono stati raccolti per la ristrutturazione del MoMA nei primi anni del XXI ° secolo: 500 milioni è stato dato dal Consiglio di Amministrazione come filantropica ; 65 milioni sono stati donati dalla città di New York. Il museo è stato in grado di espandersi (la sua superficie è stata raddoppiata): ora ha tre negozi di souvenir e librerie, quattro caffè e ristoranti e può ospitare 7.000 visitatori al giorno. Il progetto è guidato da Kohn Pedersen Fox . Tuttavia, questi lavori di ristrutturazione ed espansione avviati dall'attuale direttore del museo Glenn D. Lowry non sono sempre visti come miglioramenti, quindi Michael Wolff in The Guardian li considera contrari agli interessi del museo.
Dopo la ristrutturazione, il biglietto d'ingresso è aumentato a $ 20. Tuttavia, l'ingresso rimane gratuito per i minori di 16 anni e per gli studenti di New York. L'ingresso è gratuito ogni Venerdì pomeriggio dalle 4 p.m. a 8 p.m. , grazie al supporto dello sponsor, Uniqlo negozi .
Nel 2010 il museo ha ospitato 3.131.238 persone, diventando la terza istituzione più visitata negli Stati Uniti dopo il Metropolitan Museum of Art (New York, 5.216.988 persone) e la National Gallery of Art (Washington DC, 4.775.114 persone). Nel 2017 ha ricevuto la visita di 2.750.000 persone, scivolando al settimo posto nel continente nordamericano.
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