Il disegno è una tecnica di rappresentazione visiva su una superficie piana. Il termine "disegno" designa sia l'azione del disegno, l'opera grafica risultante, sia la forma di qualsiasi oggetto.
Il "disegno lineare" rappresenta gli oggetti con i loro contorni , i loro bordi e alcune linee caratteristiche; oltre questo limite, il disegno si sviluppa rappresentando il volume per ombre , spesso mediante tratteggi , ingloba i colori, e si unisce, senza netto passaggio, al dipinto .
La parola è scritta o "design" o "disegno" al XVII ° secolo, che coinvolge il concetto di intenti, di progetto, in una lunga autonomia di lavoro, in architettura , in pittura, incisione .
La crescita della produzione industriale nel XIX ° secolo era strettamente distinguere il disegno artistico e disegno tecnico , una forma altamente codificata di linea di disegno è comunicare informazioni più specifiche necessarie per la fabbricazione o l'uso di un oggetto o edificio per dare un evocazione visiva . A partire dalla metà del XX ° secolo di design , una parola inglese che porta entrambi i sensi di disegno o di progettazione , i mezzi che uno dei suoi promotori, Raymond Loewy , appellait design industriale .
Il significato del termine "disegno" si evolve con la storia delle arti visive . La parola disegno è tratta da disegnare , con l'influenza del disegno italiano che significa rappresentazione grafica (1444). Il termine italiano indicava sia la pratica che il progetto o intenzione. Questo doppio significato è stato mantenuto con la parola francese dessein. Non è stato fino al XVIII ° secolo, intorno al 1750, che si evolve campo semantico, disegno (senza e dopo ss) significherà più che il layout. Il significato di progetto o design è stato mantenuto nel termine inglese design , che deriva dall'italiano designo e dal francese dessein. È necessario considerare i due significati della parola, anche se l'hobbista può essere interessato ai disegni prodotti come preparazione di un'opera, così come a quelli validi per se stessi ( Jacquet 2010 ).
Il disegno, come progetto di un'opera, è stato riscontrato ovunque fin dal Medioevo nelle arti plastiche, tra cui l' oreficeria e la moda . Riassume e sviluppa il pensiero plastico dell'autore, e gli permette di presentarlo ai suoi clienti o sponsor, in una forma più leggera e che richiede meno tempo rispetto alla realizzazione finale. I disegni non erano generalmente destinati a essere conservati; tuttavia, secondo Paul Valéry , «la sollecitudine per la persona e il momento superiore a quella dell'opera in sé e per la durata, la condizione del compimento sembrava […] contraria alla “verità”, alla “sensibilità” e alla manifestazione di “genio” […] il bozzetto valeva la pittura” , e questo gusto si estendeva anche a progetti preparatori, studi e disegni. Questa tendenza è iniziata in Francia alla fine del XVIII ° secolo. La prima mostra di disegni del Cabinet du Roi ebbe luogo al Louvre nel 1797.
Il disegno come arte autonoma, che mira a nient'altro che se stessa, nasce da discussioni tra artisti e dilettanti sulle qualità plastiche e sui principi che governano la pittura. Il litigio di colore si oppone al XVII ° secolo, il colore di quei sostenitori del disegno. Il "disegno" in queste discussioni non dipende dalla tecnica o dal mezzo. Si tratta principalmente della linea di contorno dei soggetti, contrapposta alla superficie colorata e alle sue modulazioni, come fece Leonardo da Vinci . Le polemiche oppongono chi prende l'esempio di Poussin per privilegiare il disegno, arrivando a considerare con sospetto il taglio corto , le sovrapposizioni di personaggi, le ombre forti, a chi, ammirando Rubens , dà più valore a chi sa come sfumare, accostare, organizzare i colori, con un tocco visibilmente vario. Questo senso stretto del "disegno", associata alla prospettiva lineare , continuerà fino alla XX ° secolo. Il rapporto tra disegno e pittura è fluttuante. L' impressionismo in generale critica al disegno il carattere intellettuale e vincolante attribuito dalle correnti pittoriche che lo hanno preceduto. Il cubismo fa rivivere il disegno, senza l'obbligo di presentare, per la prospettiva , una prospettiva unica.
Con Flaxman inizia una successione di artisti che presentano solo il disegno lineare. Nel XIX ° secolo, i progettisti hanno trovato con la litografia e stampa il disegno dei mezzi di vivere dal loro lavoro, senza necessariamente produrre qualcosa. Anche se le tecniche di riproduzione limitano il loro stile un po ', si può altrettanto facilmente produrre dipinti disegnati, rendendo chiaro scuro da cova , come disegni lineari puri, come Picasso , Matisse o facevano André Lhote .
Il cartone animato dall'uso della sua invenzione nel 1920 ammonta a designer.
Nella seconda metà del XX ° secolo, il fumetto continua applicarsi specificamente ai bambini e il disegno narrazione, tecniche alimentati dei cartoni, film, letteratura, diventando uno dei rami importanti nella progettazione art.
Quando il progetto grafico punta alla durata, scegliendo a questo scopo il suo materiale, si parla di pittura . L'atto del disegnare, su pietra o su intonaco, su legno, su tela può ben essere la base: la pittura è definita, al contrario del disegno, come dover durare.
Se per Leonardo da Vinci il disegno d'insieme fa parte della pittura, per Braquemond , quattro secoli dopo, "la parola "disegno" riassume tutti i termini del linguaggio delle arti plastiche (...) Espressioni: linea, modellata , colore, ornamento, forma, linea, valore, effetto, ecc. servono solo per aiutare nell'analisi del significato della parola disegno” .
Non c'è differenza fondamentale tra disegno e pittura, se non che, secondo alcuni teorici dell'arte, il disegno è essenzialmente monocromo, pittura colorata. Ma i disegni possono essere a colori, sia direttamente nella linea, sia colorando in un secondo momento. Un quadro può essere lineare e può essere monocromo come nel caso delle grisaglie . La maggior parte dei dipinti (soprattutto quando sono figurativi) sono disegnati in anticipo o disegnati durante lo sviluppo. Disegniamo sia con un pennello largo che con una matita appuntita, anche se il materiale è diverso. Si parlerà quindi di disegno quando i contorni, le linee, restano evidenti, rispetto ad opere dove dominano le macchie colorate, le aree piatte di colore.
Il designer Alfred Kubin , trattando il disegno, non come progetto, ma “come fine immediato a se stesso” , scrive: “Questa arte risponde a un impulso modesto. Non compete con i fenomeni della natura, ma si accontenta di produrre segni di essi. È simbolico” . Per lui è proprio questa modestia che contraddistingue il designer, che lo porta a limitare il suo campo di esplorazione a carta e china , penna e pennello, che approfondisce. “La mia contemplazione interiore è diventata più chiara: la mia visione si è poi spostata verso un assemblaggio di linee rigoroso come un sistema economico” ( Kubin 2015 , p. 37).
I disegni non sono destinati ad essere conservati e visualizzati; questi obiettivi portano a processi che ne ostacolerebbero la leggerezza e la spontaneità ( Jacquet 2010 ). Ciò non toglie che fin dal Rinascimento i disegni e gli appunti di artisti venerati come Leonardo da Vinci si siano conservati come preziose reliquie . Per i curatori, ciò che caratterizza il design è la sua fragilità. L'esposizione all'aria e le carte ingiallite e scoloriscono gli inchiostri; la fiamma lo distrugge all'istante, l'umidità favorisce la muffa ; sporco, il disegno è difficile da pulire; i pigmenti polverosi di matite, carboncini, gessetti e gessetti rossi passano di pagina in pagina; la carta si piega permanentemente se maneggiata male ( VTT , p. 1111sq). Le cosiddette vernici fissative penetrano nella carta e non possono, se ingiallite, essere rimosse e sostituite.
La conservazione dei disegni su carta comporta generalmente un trattamento biocida chimico o mediante radiazioni ionizzanti ( VTT , p. 1129-1130). Nelle collezioni museali, i disegni sono custoditi in sale appositamente progettate, e vengono mostrati solo occasionalmente, in stanze con illuminazione soffusa. La valorizzazione del design comprende spesso una grande chiave maestra e un vetro di protezione; gli originali smontati sono presentati su un campo, in una teca leggermente inclinata.
Per organizzare e valorizzare le collezioni, i curatori devono ancora identificare gli autori. Gli artisti spesso non firmavano quelli che consideravano documenti di lavoro. Le iscrizioni possono essere effettuate da commercianti o collezionisti che hanno attribuito a un maestro quella che in realtà è una copia.
Il disegno è generalmente più che la bozza di un'incisione. Un maestro come Dürer potrebbe disegnare su legno, e lasciarlo a uno dei suoi compagni, anonimo, per scavarlo; ma aveva tracciato ciascuna delle linee dell'incisione. Nel caso in cui l'incisione prendesse come soggetto dipinti famosi, l'interpretazione spettava all'incisore, il quale talvolta gli dava, sebbene il disegno fosse nel complesso coerente con l'originale, un carattere alquanto diverso, come Marcantonio Raimondi per Raffaello .
L' acquaforte riproduce direttamente (sinistra-destra invertita) le linee che un artista ha tracciato sul supporto.
Nel XIX ° secolo, la litografia su pietra granulare permette agli artisti di disegnare a matita per la riproduzione. Tuttavia, il vincolo dell'inversione del soggetto, che verrà riprodotto da destra a sinistra, il divieto di appoggiare la mano sul supporto, perché lo segna, portano i più a disegnare un progetto prima su carta, e alcuni a lasciare il interpretazione sulla pietra agli specialisti. La produzione di litografie conosce una prima specializzazione dei disegnatori; la produzione di una litografia da Voyages pittorescos et romantiques dans Ancient France può avvalersi di un disegnatore della natura , un litografo per il paesaggio, uno per le figure, uno per la lettera.
Il photogravure libera il progettista della maggior parte delle difficoltà tecniche; ha solo bisogno di conoscere i limiti specifici della tecnica di stampa per cui lavora. Nei disegni di stampa e nei fumetti , l'artista produce generalmente una "linea" di disegno lineare, inchiostro nero su carta bianca; la riproduzione fotografica elimina il posizionamento della matita e i segni blu. I disegni originali, con tutti questi segni dove si sente “la mano e il genio dell'autore” , sono diventati oggetti da collezione.
La tecnica del disegno si evolve con i supporti e gli strumenti. Gli uomini preistorici disegnano su muri, rocce, ossa, utilizzando da un lato l'incisione e dall'altro i pigmenti colorati applicati mediante strumenti rudimentali. L'avvicinamento ai disegni attuali appare con supporti come papiro, pergamena, quindi carta e strumenti di tracciamento come calame (canna), piuma di uccello intagliata. In Oriente predomina il pennello. I Romani usavano punte metalliche , antenate della moderna mina di matita su un supporto preparato, rivestito con una miscela, generalmente costituita da pigmenti, bianco spagnolo, gomma arabica e polvere d'osso.
Alla fine del XIX ° secolo, Jules Adeline definisce disegno come rappresentazione di oggetti con tratti di penna o una matita, tra i quali spiccano i disegni per due e in tre colori , che sono gessetto nero, bianco gesso e il sangue , ma anche carbone . Distinguiamo anche gli strumenti ausiliari del disegno, righelli e compassi di cui facciamo a meno nel disegno a mano libera.
Il design sfrutta l'hardware e il software del computer odierno che, liberando l'implementazione hardware, consente percorsi lisci e infinite possibilità di correzione - se davvero questo è l'obiettivo dell'artista.
Il supporto può essere carta , tela , o qualsiasi altro materiale: i primi disegni noti furono realizzati su pareti rocciose . Disegniamo più spesso su fogli o album da disegno con matite, penne o pennarelli.
Gli strumenti sono costituiti da tutto ciò che può lasciare una traccia, depositando materiale (gesso, matita, ecc.) o anche asportando materiale dal supporto (graffiti, graffiti, incisioni). Sono molto vari, a partire dalle dita e strumenti specifici come il gesso , il carboncino , la matita , la penna , il pennello , le penne stilografiche (penna a sfera, penna, tubolare), le penne , con inchiostri neri o colorati, fino a lo strumento informatico. Tra i materiali da disegno più comuni vi è la matita , il carboncino , il pastello , la pietra nera , il sangue , il gesso bianco e la penna e inchiostro .
Non tutti i materiali da disegno sono a base di acqua o olio : alcuni vengono applicati a secco sul supporto, senza alcuna preparazione.
Il materiale depositato sul supporto è un pigmento secco (gesso, grafite) o miscelato con un legante chimico, olio , acqua , solventi vari per vernici e inchiostri .
Secondo una concezione convenzionale, il disegno consiste essenzialmente nel delimitare con linee i contorni dell'oggetto da rappresentare. Questa è una delle differenze essenziali che Heinrich Wölfflin distingue nei suoi Principi fondamentali della storia dell'arte tra il grafico (disegno) e il pittorico (la pittura).
Ciò implica un processo di interpretazione e sintesi: passare da un oggetto volume a un disegno piatto richiede una scelta di rappresentazione. O l'articolazione degli elementi grafici può evitare la prospettiva , o questa può essere empirica e spontanea, oppure questa obbedisce a un sistema di collocazione delle linee: prospettiva cavalleresca , prospettiva "italiana" conforme a una visione basata sulla proiezione, come se il disegno erano una finestra sull'oggetto rappresentato come scriveva Alberti . L'applicazione delle regole della prospettiva alle figure umane o animali si chiama scorcio ( VTT , p. 66).
Il disegno può obbedire a concetti che non tengono conto delle leggi geometriche dell'ottica o che non le considerano primordiali. Ritrarre una montagna più piccola di una figura può sembrare del tutto illogico, anche se la prospettiva può richiederlo. I personaggi sono talvolta rappresentati in proporzione alla loro importanza nella società. Civiltà diverse hanno utilizzato convenzioni di rappresentazione che tentano di conciliare aspetti ritenuti essenziali. La rappresentazione potrebbe non corrispondere a una realtà geometrica. Il disegno obbedisce a convenzioni e codici: per gli egiziani un occhio è rappresentato di fronte, ma un volto di profilo, un busto di fronte e le gambe di profilo. Jean Fouquet disegna l' arrivo dei crociati a Costantinopoli visto da uno spettatore centrale: a sinistra i cavalieri di fronte, al centro di profilo e a destra di spalle, come se lo spettatore girasse la testa, essendo la strada dritto. Più vicino a casa, non è stato fino alla comparsa della fotografia per rappresentare correttamente un cavallo al galoppo, tutte le rappresentazioni del passato essendo anatomicamente "false", ma sicuramente più espressive.
Il disegno può riflettere i contorni in modo preciso e fedele (considerando che è visto da un sistema ottico come la camera chiara o la fotocamera), oppure la linea può subire deformazioni e distorsioni che accentueranno alcuni caratteri del modello, eventualmente anche caricaturale , o semplicemente esprimere i gusti e la sensibilità del designer.
La rappresentazione del volume è generalmente fatta dallo scorcio, rafforzato dalle modulazioni della luce e quindi dalle ombre locali del modello e dalle ombre proiettate sullo sfondo e sull'ambiente circostante. Queste modulazioni di luminosità, che chiamiamo “valore” nell'ambito del disegno e della pittura, si ottengono per linee successive che formano tratteggi , parallele o incrociate, per riempimento con variazione della pressione secondo l'intensità voluta, sfumatura nello sfregamento a mano o con uno strumento, strofinare per schiarire, ecc. ; alcune tecniche adottate da alcuni e disapprovate da altri.
La velocità di esecuzione caratterizza il bozzetto , disegnato davanti al soggetto. I bozzetti sono le prime idee per un lavoro importante. Gli studi , solitamente più elaborati, servono per l'apprendimento generale o quello di un elemento difficile di un progetto.
Lo schizzo dovrebbe catturare l'essenziale senza soffermarsi sui dettagli. Serve come punteggio ed esercizio. La sua velocità di esecuzione fa del "gesto" grafico un elemento importante del suo carattere.
Schizzi e schizzi sono utilizzati in tutti i tipi di disegno.
Il disegno artistico utilizza tutte le possibili tecniche grafiche in un approccio o intenzione artistica e destinato al mercato dell'arte.
Il disegno tecnico è staccato dal design artistico per lo sviluppo del settore verso la fine del XIX ° secolo.
Il disegno tecnico, o disegno industriale, è una disciplina trasversale che è alla base della comunicazione tecnica, del design e dell'analisi sistemica. Viene utilizzato principalmente nell'ingegneria meccanica (ufficio progettazione, ufficio metodi) e nell'ingegneria civile (architettura).
Il design industriale conserva il significato originario della parola design : è l'espressione di un progetto, "per comunicare senza ambiguità, in particolare tra il progettista (l'ufficio stile) e il produttore (l'officina)" . Quando il designer disegna l'aspetto del progetto, viene chiamato designer . Il naturalizzato francese americano Raymond Loewy avviò questa attività come professione indipendente dai produttori sotto il nome di disegno industriale , tradotto ancora nel 1953 con disegno industriale ; propose di chiamarla estetica industriale in francese .
Il disegno è alla base della professione di architetto , anche se l'utilizzo di strumenti informatici riduce l'importanza della manualità. È disegnando, prima sotto forma di schizzi e schizzi , poi disegni più elaborati, che l'architetto trova e specifica il suo progetto. Questa fase preliminare di disegno a mano libera è praticata praticamente universalmente. Il passaggio successivo consiste nel disporre gli elementi visivi indipendenti, come le linee del fluido, ed eseguire i calcoli della resistenza del materiale . Torniamo quindi al disegno per disegnare i piani necessari per i costruttori. Questo passaggio viene ora eseguito mediante disegno assistito da computer con software specifico per l'architettura. Usava gli strumenti del disegno tecnico , la penna o la mina dura, il regolo, il quadrato , il lato su un tavolo da disegno e un passaggio all'inchiostro nel pennarello e successivamente con una penna tecnica .
L'architetto fornisce inoltre al committente piani di facciata realistici e viste prospettiche , a colori, con ombre che indicano il rilievo, e gli elementi decorativi che daranno vita all'insieme: piante, personaggi, veicoli, ecc. L'architetto deve quindi avere una conoscenza approfondita della prospettiva, rigorosamente costruita. A seconda del grado di precisione di questi disegni, gli accessori potrebbero essere trattati in modo semplificato, in modo da non prevalere sull'essenziale, l'architettura. Ogni architetto poteva avere il suo modo di trattare alberi, veicoli e figure (chiamati grouillots nel gergo degli architetti). Gli architetti hanno disegnato vere e proprie opere d'arte, spesso colorate con acquerelli. Al giorno d'oggi, il software 3D fa a meno della parte tecnica di questo lavoro, mentre illustratori specializzati eseguono dai piani o dalle prospettive fornite dagli architetti disegni di presentazione per progetti non ancora realizzati, per pubblicizzare e informare i potenziali acquirenti.
Il disegno viene utilizzato dallo scultore per svolgere la sua ricerca. La sua specificità è dovuta al fatto che non è fine a se stesso, ma una fase del suo lavoro, per consentirgli di visualizzare i suoi progetti in vista di una realizzazione in tre dimensioni: la resa del volume è quindi preponderante, aree ombreggiate con o senza gradienti e l'assenza o la neutralità dello sfondo. Non tutti i disegni degli scultori sono capolavori dal punto di vista rigoroso della qualità del disegno, ma sono sempre testimoni fedeli dell'opera del loro autore, e alcuni sono opere d'arte a sé stanti.
Il cosiddetto fashion design viene utilizzato in tutti gli ambiti della creazione, dall'abbigliamento agli accessori: scarpe, cappelli, borse, gioielli. Il disegno serve per chiarire l'idea generale e poi per affinarla a livello progettuale, prima di passare alla realizzazione vera e propria. Il fashion design richiede una conoscenza minima dell'anatomia basata sullo scheletro, che determina le posizioni e le posture del corpo, e talvolta su un particolare trattamento dei materiali (tessuti e altri). Un altro aspetto del fashion design è la rappresentazione dei modelli secondo lo stile proprio del designer, senza che lui stesso sia il creatore, che può quindi essere una delle forme del design della stampa.
Il design è anche la base per creare modelli per tessuti, stampe o jacquard .
Dopo le vignette di Maometto nel 2006, Kofi Annan , allora Segretario generale delle Nazioni Unite, ha organizzato una conferenza di due giorni, il16 ottobre 2006, presso la sede delle Nazioni Unite a New York , riunendo 12 tra i più rinomati fumettisti del mondo per “disimparare l'intolleranza” . Durante questo convegno, il fumettista francese Plantu , del quotidiano Le Monde , istigatore anche del convegno, ha lanciato un movimento il cui obiettivo paradossale era una migliore comprensione e rispetto reciproco tra popolazioni di credenze o culture diverse, con la vignetta stampa, che professa la semplificazione ed esagerazione, come mezzo di espressione di un linguaggio universale. Aveva in programma di riunire vignettisti di diversi paesi e di promuovere la libertà di stampa in termini di caricatura in tutto il mondo. il26 maggio 2008, da questa iniziativa è nata l' associazione Cartooning for Peace che oggi riunisce vari vignettisti di diverse testate giornalistiche di tutto il mondo.
I fumetti uniscono l'arte di raccontare storie a quella di rappresentarle attraverso il disegno. Spesso uno sceneggiatore collabora con un designer. Una casa editrice di fumetti può anche affidare il disegno e la sceneggiatura a più artisti. In questo caso i disegnatori rispettano uno stile grafico e gli sceneggiatori il carattere delle storie e dei loro personaggi. Una serie può quindi durare, come quella dei Pieds Nickelés , per diverse generazioni.
Dall'ultimo terzo del XX ° secolo, sia in Europa ( Duke 1981 ) in Giappone, dove il manga è popolare, i fumettisti hanno cercato di produrre uno stile grafico personale e caratteristico, in contrasto con la cancellazione dell'artista per la produzione di uno stile definito dagli editori, frequenti prima.
Il cartone animato consiste nel riprodurre il movimento realizzando immagini successive ciascuna rappresentante un istante successivo di un'azione, come nel cinema , con la differenza che queste immagini sono disegnate.
Il cartooning è un processo molto lungo e industriale, che molto spesso coinvolge molti grafici specializzati. Alcuni definiscono i personaggi ei loro movimenti con schizzi a matita, resi puliti con la necessaria qualità di sovrapposizione da plotter-guazzi su fogli trasparenti. Altri si dedicano alla progettazione delle decorazioni.
Il cartone animato spesso usato nel XXI ° secolo, le tecniche di redazione computerizzata .
Il disegno è spesso una delle attività spontanee del bambino. Lo sviluppo delle sue capacità grafiche segue uno schema regolare che va dallo scarabocchio, durante il quale il bambino sperimenta la materia, al simbolismo, durante il quale rappresenta i soggetti con tratti caratteristici. Il bambino generalmente continua la sua esplorazione nella direzione del disegno di osservazione. Jean Piaget ha particolarmente osservato e descritto questa sequenza legata allo sviluppo cognitivo generale e alla costituzione dell'individuo. I docenti osservano il prelievo dei ricavi operativi come testimonianza di questa evoluzione.
Dalla fase del simbolismo, il disegno permette al bambino di esprimersi. Quando parla abbastanza bene da comunicare con chi lo circonda, il disegno gli permette di esteriorizzare ciò che non può esprimere verbalmente. Gli psicologi cercano quindi spesso nei disegni dei bambini indizi sui sentimenti dei bambini.
Il carboncino , la canna da carbone è uno degli strumenti di disegno più antichi. È ampiamente utilizzato nella realizzazione di schizzi e studi ( Béguin1995 , p. 252).
Più che matita, gessetto nero o gessetto rosso, il carboncino si presta ad aree pianeggianti e alla resa del modellato . La linea varia in larghezza e intensità, si sfuma con un dito o uno straccio, si schiarisce o si corregge con la mollica di pane . Fa riferimento al foglio successivo se lo tocca. Ha lo svantaggio di essere fragile, a meno che non si utilizzi un fissativo generalmente applicato a spruzzo.
Nel disegno, la " matita " designa qualsiasi strumento di marcatura a secco che abbia la forma di un bastoncino. Si parla quindi di una "matita a sfera" ( Béguin1995 , p. 184).
La matita di grafite (ex matita di piombo ) offre una gamma molto ampia di possibilità, a seconda del tipo di mina , della sua affilatura, della grana della carta e delle tecniche possibili, dal semplice contorno alle sfumature dei gradienti ottenute da tratteggio, sfregamento, sfocatura. Il tratto può essere schiarito o corretto con la gomma , sebbene la gommatura influisca sulla carta, e i successivi tratti sulla parte modificata. Tuttavia, è difficile ottenere forti contrasti. Gli artisti hanno completato il disegno a matita segnando la linea forte con una penna.
Nel fumetto , il disegno a matita, detta matita è nel computer senza la produzione, il primo passo della produzione di una tavola . L'artista, o talvolta un assistente, termina poi il disegno in modo che sia pronto per la riproduzione al tratto, a china con pennino o pennello: una volta che l'inchiostro è asciutto, il disegno preliminare a matita può essere cancellato.
La linea della matita dipende, per una data durezza, dalla forza di pressione sulla mina. Il disegnatore può usare matite di grafite di diverse durezze nello stesso disegno.
Il disegno dell'accademia e il ritratto sono spesso le tre matite . Se il gesso e il sangue sbiadiscono e svaniscono con la gomma sbriciolata , la linea del gesso nero è definitiva.
Vale anche la pena menzionare la tecnica del disegno con una matita colorata. Alcune gamme di matite colorate sono " acquerelli ", che consentono di combinare il disegno al tratto con la tecnica dell'acquerello.
La penna a sfera , distribuita dal 1950, e autorizzata nelle scuole in Francia nel 1965, viene spesso utilizzata dagli studenti per disegnare nei margini dei taccuini. Può anche essere un vero e proprio strumento d'arte. Dal semplice schizzo per catturare il movimento, fino all'illustrazione precisa e al disegno architettonico, la penna a sfera si adatta a tutti i generi.
Nel disegno artistico, la penna a sfera si distingue per il fatto che non cancella; la linea è più o meno uniforme, e molto leggera. La linea forte si ottiene stirando più volte.
La piuma è stata uno strumento tanto per il disegno quanto per la scrittura, almeno dal Rinascimento . Produce una linea sottile o grassa a seconda della pressione esercitata. Le linee della penna tracciate con inchiostro indelebile si combinano anche con il lavaggio e l'acquerello, che non le disturbano.
Viene utilizzato tanto per il bozzetto sul campo, per il quale ha il vantaggio di produrre un disegno veloce e contrastante, solido appena l'inchiostro si è asciugato, quanto per i progetti elaborati, in cui il tratteggio può indicare i valori. Su un disegno o uno schizzo a matita, la penna può segnare la linea forte; a volte la matita viene cancellata per mantenere solo questa decisione finale.
La piuma è stata lo strumento principale nell'inchiostrazione dei fumetti fino agli anni '70.
Il pennello è lo strumento di disegno principale in Estremo Oriente, ma è ampiamente utilizzato anche in Occidente. La sua flessibilità consente al designer di realizzare linee sottilissime e aree piatte impossibili da riprodurre con altre tecniche come la penna .
Il pennello è spesso lo strumento preferito per inchiostrare i fumetti. È ampiamente utilizzato da artisti di stili molto diversi, come André Franquin , noto per la sua linea espressiva e nervosa, o Milton Caniff che ha giocato sui contrasti del bianco e nero.
I pennarelli , i pennarelli o i pennarelli sono disponibili in gamme di colori e spessori di tratto molto ampie. Le gamme professionali ti consentono di creare le tue sfumature da inchiostri liquidi e vari solventi. Hanno trovato un'applicazione specifica nel layout o grezzo utilizzato nella pubblicità per simulare fotografie da realizzare in seguito. Utilizziamo una carta speciale, senza grana e semitrasparente, che non diffonde solventi e permette di lavorare per trasparenza. Gli specialisti, o " ruvidi ", possono ottenere risultati di qualità pittorica.
Le apparecchiature informatiche forniscono ai progettisti strumenti per il disegno che a volte non avranno altra esistenza che il digitale . Il computer è ampiamente utilizzato per la progettazione assistita da computer e il disegno tecnico. I produttori di hardware per computer hanno gradualmente prodotto periferiche più adatte al disegno illustrativo rispetto al mouse , per le quali lo sguardo e la mano sono più importanti delle astrazioni del design industriale.
Puoi disegnare con uno stilo sulla tavoletta grafica ; questo implica imparare a guardare lo schermo del computer mentre la superficie su cui è posizionato lo stilo è altrove. Il touch screen risolve questa difficoltà. I sensori trasmettono la posizione dello stilo, la sua inclinazione, la forza di pressione, ecc. al computer o al touch pad . Un software di editor di immagini raster o vettoriali trasforma questi dati in "vettori" generando grafici con parametri raggruppati per "strumenti" denominati per analogia a quelli del disegno e della pittura.
I pastelli sono piccoli bastoncini di pigmenti usati per colorare su carta, sono più spesso usati nelle arti grafiche. Ci sono diversi tipi di pastelli, olio o acqua. I pastelli per l'iniziazione scolastica sono generalmente acquistati come set.
Il disegno è soggetto, come altre opere dell'ingegno, alle regole della proprietà intellettuale .
In Francia, deve anche obbedire, se è pubblicato e rappresenta una persona, alle regole dei diritti di immagine . La vignetta "costituisce una tolleranza tradizionalmente accettata nei confronti di coloro la cui professione o attività lascia assumere la propria quota tacita autorizzazione" , ma questa eccezione al diritto di pubblicità non sempre è riconosciuta ( Pierrat 2002 , pp. 115-119).
Nel diritto commerciale, la parola "disegno" non designa un oggetto materiale, ma la forma, riconoscibile dal consumatore, di un oggetto ( design ).
Nel diritto francese che recepisce una direttiva comunitaria del 13 ottobre 1998 relativa alla protezione dei disegni e modelli: “[…] ogni nuovo disegno o modello, ogni nuova forma plastica, ogni oggetto industriale che differisca dai suoi simili, o per una configurazione distinta e riconoscibile che gli conferisce un carattere di novità, sia per uno o più effetti esterni che gli conferiscono una fisionomia pulita e nuova” .
Beneficia quindi di una protezione per un massimo di 25 anni per un periodo di 5 anni, a condizione che sia "nuovo e abbia un carattere specifico" .
La tutela comunitaria esiste anche a vantaggio di qualsiasi disegno o modello originale. Un regolamento comunitario del 2001 conferisce una tutela esecutiva a livello di Unione Europea. Per i modelli registrati presso l' Ufficio dell'Unione Europea per la Proprietà Intellettuale (EUIPO), la protezione è nel tempo la stessa della Francia (dai 5 ai 25 anni). Per il disegno (o modello) non registrato, tale tutela nasce dalla prima divulgazione per un periodo di tre anni.
Esiste infine una tutela a livello internazionale che decorre dalla registrazione internazionale dei disegni e modelli industriali presso il World Intellectual Property Office.