L' arte tradizionale africana , o più precisamente l'arte dell'Africa prima dell'arte moderna e contemporanea dell'Africa , si manifesta in una moltitudine di arti , spesso associate. La musica e la danza, la realizzazione di molti tipi di oggetti, scolpiti, eventualmente rivestiti, dipinti o prodotti assemblando molti elementi, così come le arti del corpo (acconciature, ornamenti e dipinti del corpo, scarificazioni, tatuaggi) possono presentare un carattere artistico nell'Africa tradizionale. Ma "l'apprezzamento" arte africana "[scultura, considerata fuori di qualsiasi contesto culturale] è un fenomeno del XX ° secolo, associato con artisti e collezionisti europei. [...] La nozione di "arte africana" era più o meno estranea alle società di origine degli oggetti. " Anche la contestualizzazione culturale di arte africana nel suo contesto storico origine precisa resta un obiettivo di XXI ° secolo.
Il vasto spazio dell'Africa ha dato origine, nel corso della sua storia , a pratiche sociali e creazioni artistiche, il più delle volte generate da una certa popolazione ad un certo punto della sua storia. Alcune di queste creazioni artistiche potrebbero essere condivise anche da più popolazioni. A causa dei reciproci movimenti, molti tratti culturali non sono necessariamente specifici o fissi. Recentemente, studi approfonditi hanno messo in dubbio l'identità assegnata ad alcune popolazioni nel XIX ° secolo, con uno specifico stile artistico attribuito al XX ° secolo, come quello identificato come Senufo . La distribuzione di queste popolazioni è comunque variabile, alcune potendo essere omogenee localmente, altre saranno separate da una o più altre popolazioni, o talvolta disperse su un territorio molto vasto. Il concetto di etnia è stato oggetto di studi critici. Il termine "arte tribale", proposto dall'antropologo William Fagg (in) negli anni Cinquanta, ma è comunque mantenuto ancora da Babacar Mbaye Diop nel 2018, che gli consente di studiare ogni stile tribale costituito dai tratti comuni a tutte le produzioni artistiche in la tribù in questione.
Delle arti dell'Africa antica non restano che gli oggetti a testimoniarlo. La ceramica più antica dell'Africa subsahariana compare intorno al 10.000 a.C., nell'attuale Mali, in un sito di Ounjougou che riceve i primi monsoni dopo il cosiddetto Grande periodo arido, all'inizio dell'Olocene . Queste ceramiche hanno una decorazione stampata. Nel 2012 le forme più antiche di dipinti e incisioni africane attualmente datate, l' arte rupestre di tassili n'Ajjer , sono approssimativamente da 9 a 10.000 anni BP. La ricerca archeologica, spesso difficile, continua a portare nuove forme di arte antica nel loro contesto, che permette di datarle e collocarle nella loro cultura di origine per una migliore comprensione della storia degli abitanti dell'Africa.
Il primo teorico dell'arte africana, dall'Africa (ovest e centro) Carl Einstein , scrisse nel 1915 "Alcuni problemi che sorgono nell'arte moderna hanno provocato un approccio più scrupoloso all'arte dei popoli africani" [ ...] "[noi raramente] posto con tale chiarezza precisi problemi di spazio e formulato un modo specifico di creazione artistica".
Numerosi studi continuano ad esaminare la ricezione occidentale delle arti africane. Questo si basa in gran parte sul lavoro iniziale degli etnologi, poi su questioni estetiche dibattute tra artisti e teorici, nonché sul lavoro dei mercanti d'arte e sulla diffusione di queste forme, infine con la passione dei collezionisti. L'etnoestetica e la filosofia dell'arte si sono impadronite di queste questioni in Francia sin dai lavori di Jacqueline Delange (1967) e Jean-Louis Paudrat (1988).
La conservazione delle opere d'arte africane nei musei un tempo era sconosciuta in questo continente, le opere avevano vocazioni religiose o politiche, o una funzione utilitaristica nella vita quotidiana. Paradossalmente, il fatto che molte di queste opere siano state conservate in altri continenti, in particolare in Europa, ne ha consentito la conservazione. Sono in corso i lavori preliminari per la restituzione all'Africa del suo patrimonio.
Sorgono infatti diverse domande. Dato che il concetto di arte è apparso in Occidente, che ha portato alla creazione, emissione, parole nuove in Giappone nel 1873 e in Cina nei primi anni del XX ° secolo, in combinazione con nuovi concetti, perché gli stranieri pensiero dell'Estremo Oriente, è ragionevole per chiedere se la parola, applicato al XX ° secolo in Africa, con l'apprezzamento che richiede, buona ha il suo posto qui. Lucien Stéphan indica il carattere più spesso religioso dell'arte africana. Di conseguenza, come dice Jean-Louis Paudrat, non appena questi oggetti vengono strappati al loro luogo di origine, ai loro riti, alle configurazioni sociali, intellettuali e spirituali che ne hanno giustificato l'elaborazione, «frammento residuo di una totalità assente, la lattina africana oggetto nutrire ancora un giusto apprezzamento di ciò che era? Sembra necessario conoscere il suo luogo di origine e tutto ciò che ne ha determinato la realizzazione, come ci appare oggi, e le sue funzioni iniziali. Ma affidandoci agli abbondanti dati dell'antropologia, non rischiamo di perdere di vista la sua natura “artistica”? La soluzione, seguendo il progetto di Jean-Louis Paudrat, consisterebbe nel vedere ogni oggetto nel suo contesto artistico, all'interno degli oggetti e delle pratiche a cui è collegato e fondare così il nostro apprezzamento in questo lavoro dello sguardo.
Seguendo l'approccio tradizionale, il termine "arte africana", sottinteso dall'Africa sub-sahariana , non comprende generalmente l'arte (o le arti) delle aree nordafricane situate lungo la costa mediterranea, queste aree per lungo tempo parte di diverse tradizioni. Per più di un millennio, l'arte di tali regioni è stata in gran parte arte islamica, con molte caratteristiche proprie. L'arte etiope, con una lunga tradizione cristiana e islamica, è anche diversa da quella della maggior parte dei paesi dell'Africa sub-sahariana, dove la religione tradizionale africana era dominante fino a tempi relativamente recenti. Tuttavia queste diverse produzioni artistiche sono ben nate nel continente africano.
Inoltre, il riferimento al Sahara non comprende la distinzione essenzialmente ideologica, basata sul colore della pelle, imposta dalla nozione di “Africa nera”. Ma permette l'integrazione dell'Africa orientale, quindi della cultura swahili e anche del Corno d'Africa .
Per gli storici dell'Africa, nel 2018, la questione si pone diversamente, se si considera l'intero continente, come fanno gli autori di Ancient Africa , sotto la direzione di François-Xavier Fauvelle e pubblicato nel 2018. Perché questo metodo permette di indicare gli scambi, le rotte, ma anche spazi con un clima mutevole: ad esempio popolazioni con morfologie “pre-berbere” del “Sahara Verde”, praticanti una ceramica apparsa nella valle prima del 7000 aC dal Niger. Il “ Sahara verde ”, almeno tra il 10.000 e il 4.000 a.C., ha infatti funzionato come un vero e proprio “ crogiolo ” umano. Questa storia del continente africano integra una Preistoria e un'Antichità dove sono presenti le arti dell'Africa. Così le arti africane pre-contemporanee non ignorano le arti dell'Africa settentrionale e occidentale, le arti dell'Africa orientale e le arti di tutte le altre regioni dell'Africa.
Tradizionale o precontemporaneo: Più che un riferimento a vecchie "tradizioni" si può quindi preferire considerare ciò che precede l'era contemporanea o precoloniale, purché si concordi sul limite tra "vecchio" e "contemporaneo" e "precoloniale", limite che può essere collocato tra la fine del XVIII E e l'attuale del XX E secolo. Tale periodizzazione della storia dell'arte africana deve basarsi su eventi determinanti, a livello locale. Ma questa storia è in divenire che va avanti a poco a poco.
Inoltre, Claire Bosc-Tiessé e Peter Mark hanno notato nel 2019 che pochi lavori si sono davvero concentrati sulla ricerca nella storia dell'arte degli oggetti in Africa, che li immerge in una confusa atmosfera di atemporalità. Ma le difficoltà sono davvero enormi su queste questioni di datazione in un contesto storico. Il ricercatore deve dimostrare vera inventiva metodologico, come Jan Vansina dimostrato nel 1984. Tuttavia, l'assenza di riferimenti alla storia è mescolato con la pratica ricorrenti che consiste nel attraente per il “ One Tribe, One ” paradigma. Style ”, cioè“una tribù o un'etnia, uno stile”. Eppure questa pratica è stata chiaramente denunciata nel 1984 da Sidney Kasfir. La categorizzazione etnica degli stili, fuori da ogni storia, va respinta perché non valida, eppure questa pratica che si perpetua è estremamente dannosa per il discorso tenuto sugli oggetti, sia dal Théodore-Monod Museum of African Art , che dal Musée de l' IFAN di Dakar, o nel mercato dell'arte.
Oggetti, sculture su legno, ma anche in metallo o con metallo e altri materiali, così come ceramiche e vimini, tessuti o cuoio e perle costituiscono solo una parte delle arti così come sono o sono state tradizionalmente praticate in Africa. Ovviamente vanno presi in considerazione anche la musica e le danze tradizionali africane . I documenti fotografici, inoltre, ci informano sulla decorazione del corpo come arte, che si estende agli oggetti usati per adornare il corpo (gioielli, perle) e che può essere considerata altrettanto arte; così la pittura del corpo, come tra i Nouba , potrebbe essere l'occasione di un'intensa creatività artistica. Gli ornamenti del capo e le acconciature, documentati anche in fotografia, sono spesso associati a copricapi le cui qualità estetiche ne hanno consentito la conservazione. Queste acconciature sono stati modificati in seguito nuove mode, come è avvenuto a livello di un gruppo, il Mangbetu inizi XX ° secolo, quando i capelli "nel cestino" passò di moda, dopo aver spostato da un marchio riservato per l'elite a un prassi più diffusamente condivisa. A questo proposito, sono essenziali documenti fotografici datati. D'altra parte, in generale, le scarificazioni riguardano più dei codici che un'arte, pur testimoniando una grandissima creatività da un popolo all'altro. L'abbigliamento, se è, come ovunque, un sistema di comunicazione che può significare genere, età e appartenenza a un gruppo, offre anche l'opportunità di una creatività sempre rinnovata, manifestazione di una personalità. Infine, l'arte tessile si manifesta magistralmente in alcune maschere, con sontuosi ricami e applicazioni. A questo primo insieme possiamo aggiungere anche l'architettura, in senso lato, ma anche l'arte rupestre. Quanto alle arti "per turisti", esse si riferiscono a pratiche moderne e contemporanee facendo spesso riferimento a pratiche o forme tradizionali.
La diversità di plastica di tradizionali mostre d'arte africana un'immaginazione prodigiosa e un'intensità magica, rivelando l'onnipresenza dei sacri - che ha affascinato molti artisti e collezionisti in Occidentale XX ° secolo tra cui André Breton - e complessi riti cerimonie in cui giocare la definizione della pura e la impuro, la perpetuazione del lignaggio, la legittimazione delle alleanze, la forza e la coesione del clan.
Tra gli oggetti di uso quotidiano africani troviamo anche oggetti di artigianato come carrucole, serrature da soffitta, scale a pioli, zucche pirografate e armi, oggetti personali (bambola premaman, feticcio), ma anche oggetti come le statue intagli decorativi per ville bianche negli anni Cinquanta e Sessanta , o come insegne ingenue. Questi oggetti sono " falsi " per i puristi e per gli " etni " che li disprezzano, ma questi pezzi, oggi segnati dal tempo, rivelano spesso quanto c'è di molto bello e molto toccante in un'arte davvero popolare, testimone di un tempo ormai superato. Ad esempio, le statue dei cosiddetti " colonisti " rappresentano il " colonista ", l'uomo bianco visto dall'uomo nero, e sono spesso statue piene di umorismo e umorismo (elmo coloniale, pistola alla cintura, mani in tasca. ).
Tuttavia, i falsi odierni stanno facendo scompiglio, perché in molti villaggi africani gli artigiani sono maestri nell'arte del pattinaggio nuovo, tanto più che secondo gli esperti diventa impossibile trovare oggi un'opera importante nel continente. Tutto è già in Europa , tra i collezionisti (come il residente a Bruxelles Willy Mestach ), nelle famiglie degli ex coloni o in America nei musei. Trovando un oggetto rituale divenuto estremamente raro, sono numerosi i furti riguardanti questi oggetti, legati alla scoperta di quest'arte primitiva. D'altra parte, molti " procacciatori " perlustrano i villaggi della boscaglia più lontani per incoraggiare gli abitanti del villaggio a vendere loro i loro oggetti di uso quotidiano come statuette, maschere o bambole. Durante la moda delle scale da granaio Dogon , alla fine degli anni '80, gli antiquari africani travolsero tutte le scale del villaggio e saturarono il mercato parigino, fecero lo stesso per le serrature Bambara . Negli anni '90, i trafficanti hanno rubato centinaia di waka , lapidi in legno intagliato, posti sulle tombe dei capi dei clan Konso.
I governi africani dal canto loro lasciano che accada perché non mostrano molto interesse per il mercato dell'arte africana e addirittura lo evitano, mentre una risoluzione adottata dall'UNESCO ha vietato, fin dai primi anni '90 , di far uscire maschere e statue dal continente africano. Ma in realtà né l' UNESCO né i governi africani hanno i mezzi per arginare l'emorragia e proteggere questo patrimonio. Inoltre, alcuni critici si sono espressi contro tale provvedimento con l'argomentazione: "Nulla impedisce a europei, americani o giapponesi di vendere le proprie opere all'estero o di acquistarle". Perché questo diritto dovrebbe essere vietato agli africani? ".
L'Africa resta comunque una fonte artistica naturale di grande importanza, perché da un capo all'altro di questo vasto continente si trovano migliaia di tombe millenarie che contengono ancora decine di migliaia di oggetti da scoprire. Alcuni musei africani, i cui stati non hanno i mezzi o la volontà per intraprendere scavi, stanno cercando di organizzarsi e proporre ai mercanti scavi misti o congiunti con l'obiettivo di preservare i pezzi più eccezionali e almeno di potersi interessare al vendita degli oggetti raccolti, per avere i mezzi per attuare una vera politica di acquisizione.
Oggi l'arte africana è una miniera inesauribile di ispirazione per i creatori che la reinterpretano ma “ fuori dal suo ambiente, avulso dal suo contesto, non solo geografico ma anche sociale, l'oggetto perde la sua identità culturale. (...) Dalla panoplia del "coloniale" al muro del "collezionista" associato oggi all'arte contemporanea, si tende a dimenticare il rapporto dell'oggetto africano con il suo ambiente di origine, ignorando l'"ovvia implicazione etnologica " .
In merito alla "restituzione" di 26 opere d'arte rivendicate dal Benin e attualmente al Quai Branly - Museo Jacques-Chirac , il 4 luglio 2019, il Ministro della Cultura, Franck Riester , ha dichiarato che "La restituzione delle opere (Beninese, editore nota) sarà oggetto di una iscrizione in legge.Il calendario resta da precisare visto il gran numero di testi in discussione in Parlamento (...) Nel frattempo, queste 26 opere devono poter essere viste, ammirate e studiato in Benin." La relazione sulla restituzione richiesta a questi due ricercatori, Felwine Sarr e Bénédicte Savoy , è stata presentata nel novembre 2018 al presidente della Repubblica francese, Emmanuel Macron.
Se così si pone la questione degli oggetti, essa resta tuttavia necessariamente legata a quella delle risorse, a tutte le testimonianze raccolte o ricostruite sulle società produttrici di detti oggetti, per dare obiettivi scientifici a queste restituzioni. E queste risorse sono altrettanto da considerare nel contesto delle restituzioni.
Il 4 novembre 2020, il Senato francese ha adottato all'unanimità il disegno di legge per la restituzione delle opere d'arte in Benin e in Senegal. I senatori hanno cambiato il titolo del disegno di legge, sostituendo la parola "restituzione" con la parola "ritorno". Che dà “progetto di legge relativo alla restituzione dei beni culturali alla Repubblica del Benin e alla Repubblica del Senegal.
Le 26 opere beninesi non verranno restituite prima del 2021, perché il museo Abomey che le ospiterà è ancora in costruzione. Dal 2019, sei paesi del continente africano hanno presentato richieste di restituzione di opere tradizionali conservate in Francia. Senegal, Costa d'Avorio e Mali rivendicano diversi oggetti. Chad ha chiesto di recuperare 10.000 pezzi. L'Etiopia ha elencato 3.000 persone esposte al Quai Branly nel febbraio 2019.
Le statue dei re di Abomey nel XIX ° secolo. Museo del Quai Branly
Una delle quattro porte del palazzo reale di Abomey. Atelier Sossa Dede, 1889 circa. Legno policromo, pigmenti, metallo
Sede reale di Cana. Prima del 1893. Legno, pigmento, H. 1 m .
Trono che apparteneva al re Ghézo. Arte del Dahomey, cultura Fon. 1818-1848. Legno, metallo, 199 x 122 × 88 cm , 130 kg . Parigi, Museo Quai Branly
Statua dedicata a Gou, divinità del ferro e della guerra. Scultura Fon attribuita ad Akati Ekplékendo. Repubblica del Benin. Prima del 1858. Ferro battuto, legno, 178,5 × 53 × 60 cm . Tra 100 e 150 kg .
Questa domanda non è esclusiva della Francia. E il rapporto problematico dell'arte africana con i musei, africani e occidentali come l' Humboldt Forum e l' AfricaMuseum , è stato oggetto di dibattito dagli anni '90 e fino al 2020.
Per lungo tempo è stato accettato senza discussione che l'arte africana fosse un'arte anonima, un'arte le cui produzioni, governate da preoccupazioni etniche, religiose e rituali, dominavano completamente l'individualità creativa. Si dava per scontato che gli oggetti fossero tutti legati a questioni rituali o mistiche e avessero poco a che fare con l'estetica. Se è vero che gli oggetti d'arte non avevano valore di mercato nelle società tradizionali africane e che le opere ovviamente non venivano firmate nel contesto delle società senza scrittura, non è meno vero che gli artisti a volte contrassegnavano le loro opere con segni distintivi che gli europei non riconoscevano e ignorare. L'ideologia dell'anonimato ha così partecipato a un generale deprezzamento degli europei nei confronti dell'arte africana. Tuttavia, la ricerca nell'etnologia dell'arte sta cominciando a decostruire questi pregiudizi. Secondo l'etnologo Patrick Bouju, “l'etnologia dell'arte, sviluppandosi, scopre la creazione individuale e abbandona l'ideologia dell'anonimato”. Le qualità estetiche degli oggetti non vengono solo enfatizzate, è ormai accettato che l'artista africano apprenda il suo mestiere, talvolta in botteghe il cui funzionamento è stato paragonato a botteghe medievali o rinascimentali, secondo precise regole sul piano estetico e sociale, e che di solito lavora su ordinazione. Questo processo crea emulazione tra gli artisti che si distinguono all'interno delle rispettive società. Così, da soli, gli Yoruba della Nigeria distinguono almeno trenta maestri scultori che godono di una considerazione speciale. Il Fân du Woleu-Ntem riconosce una quarantina di artisti i cui nomi sono stati tramandati di generazione in generazione. La trasmissione del sapere da padre in figlio produce talvolta famiglie di scultori. Da ora in poi, le opere sono sempre più spesso attribuite a botteghe o artisti. Sembra quindi che la persistenza dell'anonimato derivi in gran parte dal modo in cui le opere sono state raccolte, senza riguardo per il loro creatore, in particolare durante il periodo coloniale, mostrando così il disinteresse dei funzionari coloniali nel momento in cui hanno effettuato questi ritiri.
Inoltre, sembra necessario evocare il contesto della sorprendente creatività degli artisti tradizionali africani, producendo opere nettamente distinte l'una dall'altra, anche realizzate dallo stesso artista. Louis Perrois sottolinea che "lo scultore è libero di creare nel quadro del suo stile tradizionale". Ma precisa, nel 2017, che "qualsiasi motivazione di ispirazione fantasiosa e individuale degli artisti era altamente improbabile in quanto il risultato finale di un'opera doveva imperativamente inserirsi in un sistema di significato compreso da tutti". Nella stessa opera, questo autore fa emergere diversi grandi stili, come quelli di Fang , Kota e Kwele , mostrando, ogni volta, ciò che chiama il "cuore" e la "periferia" di ogni stile. . Questo studio dettagliato per l'Africa Equatoriale Atlantica indica, in occasione di quartieri o migrazioni, molti prestiti fatti da entrambi. Questi prestiti possono essere effettuati "per motivi rituali e per rafforzare la carica spirituale di oggetti o per motivi di prestigio sociale". Così ogni artista è del tutto libero, nello spazio del sistema di senso compreso da tutti, giocando sugli effetti dello stile della sua comunità e integrando, eventualmente, elementi presi in prestito per uno scopo preciso.
I progressi nelle tecniche di datazione consentono anche di ripristinare la profondità storica di quest'arte. Oggetti in legno, una volta pensiero del XIX ° secolo, a causa della fragilità del supporto, possono tornare al X ° secolo. Prove di termoluminescenza eseguite su anime fittili bronzi di Ife , si riteneva soggette a influenze europee a causa del loro classicismo, risalenti al XIV ° secolo, prima dell'arrivo dei portoghesi in Benin nel 1485
Altri etnologi concentrano la loro ricerca sull'estetica africana. Suzanne Vogel insiste sul classicismo e la serenità delle arti africane, stabilendo legami tra categorie etiche ed estetiche all'interno delle società africane. L'emergere dell'anonimato dall'arte africana, la sua storicità e il suo attaccamento a valori estetici universali sono legati alla scoperta di forti personalità artistiche all'interno delle società tradizionali. Se Olowe d'Ise gode di un riconoscimento internazionale già di lunga data, altri, come Bamgboye (1893-1978), Areogun (1880-1954) e suo figlio George Bandele, Esubyi (morto nel 1900 circa), Fagbite Asamu, suo figlio Faloda Edun (nato nel 1900), Osei Bonsu (scultore ghanese, 1900-1977) o Ologunde (di Efon Alaye) iniziarono a beneficiare di un riconoscimento ben oltre il loro inserimento in un contesto tradizionale. Questo riconoscimento aiuta anche a comprendere meglio la continuità che lega l'arte africana tradizionale e l'arte africana contemporanea , nonché le complesse relazioni che gli artisti africani contemporanei hanno con le proprie tradizioni.
La questione degli stili africani, della loro storicità, della loro distribuzione geografica, degli scambi e delle influenze è complessa e qui si può solo brevemente accennare.
La prima osservazione rende necessario notare la molteplicità delle arti africane. Non c'è da nessuna parte un'arte monolitica e permanente, ma una molteplicità di stili e varianti coincidenti più o meno con etnie e regni, mobili e in contatto con i loro vicini. Per fare un esempio, l'unico bacino del dell'Ogooué , in Gabon , alla fine del XIX ° secolo, ha provocato non meno di 25 stili, come sono comunemente accettate nei cataloghi letteratura e dell'arte. Ogni stile si presenta con forme ricorrenti e forme atipiche. Quando le forme ricorrenti dominano, localmente, e probabilmente per un periodo limitato, questo costituisce come il "cuore" dello stile. Le forme atipiche possono rappresentare aspetti di transizione tra più stili, anche forme inaspettate; si può allora parlare di “periferia”. In ogni caso, per lo scultore, non può trattarsi di affidarsi solo alla sua ispirazione, poiché deve imperativamente inserirsi in un sistema di significato compreso da tutti. Il prestito può essere motivato dal desiderio di aumentare il carico spirituale dell'oggetto, a meno che la motivazione non sia correlata al prestigio sociale associato a queste forme prese in prestito.
Il modo più comune per avvicinarsi a stili diversi è considerare l'origine etnica degli oggetti. Agli occhi del grande pubblico, sono le sue tradizioni che incarnano più immediatamente l'arte africana. Agli occhi del grande pubblico, sono costituiti da statuette e maschere le cui deformazioni espressive e geometrizzazioni hanno affascinato artisti moderni come Picasso . Ma è abbastanza ovvio che la realtà delle pratiche artistiche nell'Africa subsahariana, come si è detto sopra, va ben oltre queste idee ricevute e copre una grandissima diversità di pratiche artistiche all'interno della loro cultura socio-religiosa e dei suoi riti. . Quest'arte, nella logica del lavoro svolto dagli etnologi occidentali durante il periodo coloniale, è presentata in opere d'arte, di solito e con più o meno rilevanza, evocando il contesto delle pratiche religiose per le quali quest'arte è progettata, in modo preponderante, e che determina il background culturale di ogni stile.
L'arte di corte, quando non rientra nelle pratiche religiose, ha come funzione principale la celebrazione del potere regio. Le famose teste di Ifé, veri e propri ritratti individualizzati, corrispondono a strutture sociali basate su città-stato aventi, quello che chiamiamo, un re, una corte e un intero cerimoniale legato al potere regio. I rilievi del regno del Benin (del XVI ° e XVIII ° secolo) sono veri e propri memoriali che glorificano le gesta dei loro governanti e la vita del regno. Lo stile naturalistico che usano queste società si trova, in altre forme, in società sontuose, altrove nel mondo.
Possiamo anche analizzare gli stili delle arti africane dal punto di vista della loro successione storica (la successione Nok -Ifé-Benin è spesso presa come esempio). Lo studio dello stile può concentrarsi anche sulla matericità degli oggetti considerati, come la terracotta, eventualmente diversi materiali come pelle, legno, tessuto e perla, oppure legno e metallo, o ancora un supporto specifico di una tradizione locale, come la pittura .sotto vetro dal Senegal . Altri criteri, purché gli stili siano studiati lì, potrebbero essere mantenuti. Un criterio negativo è giustificato, come nel caso di “Africa senza maschera”, che si concentra su oggetti utilitaristici e decorativi. Infine, l'approccio basato sulla funzione consentirebbe di avvicinarsi, ad esempio, ai copricapi in Africa all'interno delle arti che coinvolgono il corpo, come supporto.
Già nel 1930 il teorico tedesco Carl Einstein avvertiva della necessità di differenziare gli 'stili' dai loro attributi culturali: «Ci sembra che la classificazione in zone ( sic .) delle culture sia insufficiente, dato che le diverse culture ed etnie strati dell'Africa si sovrappongono e si intersecano. La cultura africana non è abbastanza semplice perché questo modello sia sufficiente. Questa griglia predefinita, basata su un'adeguatezza tra "stile"/cultura ed etnia, ha però segnato definitivamente il campo della storia dell'arte dell'Africa occidentale. Nonostante molti studiosi, da oltre trent'anni, abbiano cercato di ripensare il problema, le arti africane sono ancora classificate, studiate, esposte, vendute e raccolte con questo approccio. Nel 2018, la mostra Native Forests: Arts of Atlantic Equatorial Africa utilizza l'espressione "gruppi culturali".
Può anche sorgere la questione dell'evoluzione delle culture tradizionali nel mondo di oggi. Per fare solo un esempio, i riti di iniziazione tradizionalmente praticati nel bacino del Congo richiedevano la creazione di molti oggetti di riconosciuta qualità artistica. Tuttavia, la maggior parte di questi rituali di passaggio sono ormai scomparsi lì, sostituiti da feste e uscite di maschere con uno scopo più turistico che sociale. Questo non gioca necessariamente sulla qualità artistica di tutto ciò che viene prodotto oggi, e non necessariamente sull'arte moderna, ma piuttosto sulle nuove declinazioni dell'arte tradizionale.
L'elenco che segue non va inteso come una rigida classificazione di stili chiusi e stabili, con popoli immobili. Per rispondere alla diversità degli stili e alle loro mutazioni, allo spostamento e all'immigrazione, sono stati proposti diversi metodi. Così, di recente, Louis Perrois ha sviluppato il concetto di “cuore e periferia dei complessi stilistici”; queste “periferie” testimoniano di probabili prestiti da uno o più stili vicini.
In Africa
Fuori dall'Africa
Tutto ciò che arrivava dall'Africa è stato a lungo oggetto di curiosità da parte degli occidentali. A testimoniarlo inizialmente i gabinetti delle curiosità , il XV ° secolo e il primo museo etnografico alla fine del XIX ° secolo. Il primo commerciante a vendere arte africana tra le altre opere d'arte riconosciute come tali fu Joseph Brummer dal 1909. Il primo museo d'arte ad esporre oggetti africani è il Folkwangmuseum di Hagen, su iniziativa di Karl Ernst Osthaus nel 1912, seguendo i precetti del Gesamtkunstwerk e dopo aver fatto i suoi primi acquisti da Joseph Brummer. Sempre nel 1912 la Maison Brummer acquistò dalla più grande azienda specializzata nel commercio di oggetti destinati agli amanti delle curiosità e dei musei etnologici; il lotto, identificato come soddisfacente rappresentanza di un gruppo culturale, viene venduto da tale azienda al mercante d'arte, che poi tratta singolarmente ogni pezzo. Ogni oggetto è fotografato dalla sua migliore angolazione e venduto separatamente. Questa strategia commerciale consente di generare grandi profitti, con un notevole movimento a dondolo: oggetti fino ad allora considerati puramente etnografici (venduti a un prezzo complessivamente modesto) vengono venduti come opere d'arte (a un prezzo molto più elevato). Inoltre, l'oggetto non è più considerato come rappresentativo di un fatto della società, ma dal punto di vista delle qualità estetiche che gli sono specifiche.
Con i musei di belle arti che da tempo trascurano l' arte africana, la maggior parte dei capolavori sono nelle mani di collezionisti e commercianti privati, alcuni dei quali hanno fatto vere fortune dagli anni '80 .
Negli anni '50 si potevano trovare molti articoli per 10 franchi nei mercatini delle pulci in Europa. I primi oggetti a prendere valore furono quelli del Benin perché realizzati in bronzo , poi venne la moda degli oggetti a patina nera della Costa d'Avorio, e quelli dei Bakota del Gabon placcati in rame e ottone. Le statue grandi valevano più di quelle piccole, mentre il più delle volte in Africa, se sono piccole è per poterle nascondere più facilmente perché hanno una particolare importanza.
Nel 1983 , un commerciante parigino, Jean-Michel Huguenin, ha introdotto i sedili Sénoufo. Nel 1985 un altro mercante parigino, Réginald Groux, scoprì le scale del granaio Dogon - provenienti dalla scarpata di Bandiagara - e Lobi nella regione di Mopti (Mali). Acquisisce un primo lotto di cinquanta, gli fa aggiungere un basamento e li vende nella sua galleria con un bel guadagno. In totale venderà più di duecento di questi oggetti del bicentenario. Nel 1990 , un altro commerciante parigino, Maine Durieux, ha introdotto i ferri forgiati dei Bambara (statuine da 10 cm ). Tuttavia, se alcuni oggetti hanno raggiunto quotazioni elevate per alcuni anni per motivi in gran parte speculativi, la maggior parte rimane ad un prezzo molto abbordabile (poche decine o centinaia di euro), anche quando sono vecchi.
Diverse ragioni spiegano il costo molto elevato delle autentiche opere sacre tradizionali dell'Africa: da un lato, la natura della loro estetica artistica primaria unica e fuori classe in relazione a tutti gli altri concetti nel corso della storia dell'Africa. dall'altro la loro modalità di conservazione e l'ambiente a volte molto ostile in cui sono sopravvissute quando queste condizioni normalmente non avrebbero permesso alle opere di sopravvivere nei secoli. La distruzione delle maschere e degli altri oggetti che circondano il rituale ha contribuito all'estrema rarità di queste opere tradizionali o sacre dell'arte sacra africana, gli oggetti essendo stati molto spesso distrutti dal fuoco durante l'uso. La scarsità è aumentata a causa delle conversioni al monoteismo dei popoli del continente africano, che si tratti dell'Islam o dell'arrivo di missionari cristiani in Africa, queste conversioni porteranno spesso alla distruzione quasi totale e ai feticci rituali definitivi dei tempi passati. Questa estrema rarità e originalità fanno delle opere superstiti dei veri e propri tesori miracolosi della storia umana e in particolare della sua crescita spirituale e poetica. Un mercato parallelo dei falsari è emerso più volte, ma gli acquirenti sono sempre più informati sulle contraffazioni e fanno effettuare perizie preventive per verificare che si tratti di opere autentiche, le più rare scoperte attualmente appartenenti ai musei.
(solo opere generali)