Un libro d'artista è un'opera d'arte che prende la forma o adotta lo spirito di un libro .
Questa frase rimane oggi alquanto problematica e la sua definizione in francese - necessariamente plurale - comporta lo studio dei diversi significati che la sottendono, che si sono evoluti nel tempo:
Mai più, queste battaglie di parole si riferiscono all'evoluzione stessa delle arti e, formalmente, del libro. Questa ricca e complessa evoluzione è ovviamente legata al mercato dell'arte , ai bibliofili , all'evoluzione delle tecniche di stampa , dei metodi di produzione, e ai vari punti di vista privati o istituzionali che trovano espressione, e soprattutto a cosa si intende per artista e libro : anche l'editore, il poeta, il grafico stesso non sono riconosciuti come produttori di forme? Se finalmente ci poniamo dalla parte dell'oggetto “libro”, dovrebbe adottare sistematicamente la forma del taccuino rilegato? Qui si vede chiaramente che se riduciamo la parola artista a quella di pittore e la parola libro all'oggetto che contiene l'opera di uno scrittore, la portata del libro d'artista si riduce improvvisamente.
Le origini del libro d'artista sono necessariamente legate alla storia della scrittura, della pittura, della stampa (testo e immagine) e quindi all'evoluzione dell'“oggetto libro” in quanto tale. Il libro d'artista prende in prestito varie forme e presentazioni spaziali note fin dall'Antichità ( volume ) e dal Medioevo ( codice ). Alcuni manoscritti occidentali, con le loro miniature - per il principio di organizzazione dei legami tra il testo e l'immagine -, possono essere visti come i precursori dei libri d' artista dell'era moderna.
In Europa, la tradizione della stampa, dalla sua invenzione da parte di Johannes Gutenberg fino ad oggi, rappresenta un'altra fonte del libro d'artista . Così, un esempio (forse uno dei più splendidi) del libro che combina le forme di presentazione è La Prose du Transsibérien (1913) di Sonia Delaunay e Blaise Cendrars . È un nastro di due metri, composto da quattro fogli incollati e disegnato come un volantino alla cinese. Un altro punto di riferimento storico è stata la creazione del libro Parallel di Pierre Bonnard e Paul Verlaine , pubblicato da Ambroise Vollard nel 1900. Da quel momento il libro d'artista è stato considerato come un genere di arti grafiche e plastiche utilizzando il mezzo del libro.
D'altra parte, è da tenere conto anche dell'evoluzione degli statuti dell'artista, dello scrittore e dell'editore, attraverso il concetto di "autorialità": il libro d'artista è in definitiva un dispositivo che si configura gradualmente nel corso del XIX esimo secolo. Ecco le fasi principali:
Uno dei primi libri interamente immaginati, progettati e prodotti ai margini di un sistema legato all'epoca al privilegio dell'editoria che ne regolava e limitava la stampa, è la raccolta di poesie Songs of Innocence e of Experience prodotta da William Blake in un poche copie, preceduta nel 1788 da Tutte le religioni sono una , opere ideate con l'aiuto della moglie Caterina. Con questa serie di libri miniati (nove collezioni principali), Blake si dimostra un creatore multidisciplinare: poeta e pittore, incisore, stampatore ed editore. Formatta i suoi testi e le sue incisioni secondo una tecnica a lui specifica, vicina all'acquaforte , organizzando sulla stessa lastra di rame i rapporti tra testo e immagini che prima ha lavorato con l'acido, poi, una volta stampato, il foglio è stato ritoccato con acquerello, che alla fine ha reso ogni copia unica. Questo fa parte della lunga tradizione che risale ai libri miniati del Medioevo come Les Très Riches Heures du Duc de Berry , solo che Blake allestisce qui una piccola unità di produzione meccanica perfettamente autonoma, non soggetta a nessun controllo del lavoro.
Secondo Yann Sordet, la passione dei collezionisti di libri aumenta man mano che vengono illustrati. Questo movimento ha origine verso la fine del XVIII ° secolo , almeno in Francia. Citiamo questa edizione di Contes et nouvelles en vers de La Fontaine illustrata da Fragonard (1762) o successiva, quella di Caprices de Goya (c. 1799), o questo Faust di Goethe illustrato da Eugène Delacroix (1828), opere estremamente rare (precursori del libro d'artista ) che il collezionista Henri Beraldi considerava i primi gioielli del libro illustrato moderno .
A metà del XIX ° secolo , nacque l'idea di combinare un artista-scrittore e poeta, nello spirito di un bibliofilo meno lussuoso (o "borghese"), quindi più accessibile. Dobbiamo questi primi tentativi ad editori come Alphonse Lemerre (associato a Philippe Burty ), Richard Lesclide e Auguste Poulet-Malassis , almeno in Francia. Il nome “libro del pittore” viene poi utilizzato per qualificare queste produzioni.
Intorno al 1875, parallelamente alle esperienze britanniche del movimento Arts & Crafts che sosteneva lo sviluppo di piccole unità di produzione indipendenti ( gilde ), emerse in Francia una nuova scuola di bibliofilia che ridisegnava il libro alla luce di una più stretta collaborazione con i pittori. Questi libri, la cui produzione inciampò per lungo tempo su problemi tecnici di natura reprografica, furono venduti in abbonamento e alcune sperimentazioni fallirono dal punto di vista commerciale. Ma hanno sempre coinvolto un editore, uno scrittore - o un testo - e un artista per metterlo in un'immagine. Ad esempio, Le voyage d'Urien (1893) è spesso considerato come una delle prime opere della collaborazione tra l'autore e l'artista ( André Gide e Maurice Denis ). Pochi artisti poi intraprendono da soli un'operazione editoriale piena e completa: citiamo ad esempio Paul Gauguin che, dalle xilografie, ha prodotto egli stesso poche copie, raccolta e recensione. Fu negli anni '60 che alcuni artisti ereditarono questo modo di lavorare con il libro, tra questi: Bertrand Dorny , Alain de La Bourdonnaye (in Francia), ma anche Dietrich Lusici (in Germania).
Gli anni 1900-1930 designano il periodo importante per il libro d'artista. Così, Walter-John Strachan cita i nomi degli artisti, quelli che furono i pionieri di questo genere in questo periodo: Pablo Picasso , Georges Braque , Juan Gris , Pierre Bonnard , Auguste Rodin , Maurice Denis , Émile Bernard , Pierre Laprade , Raoul Dufy , Aristide Maillol , Georges Rouault , André Derain , Marc Chagall , André Dunoyer de Segonzac , Odilon Redon ...
Negli ultimi anni della Belle Époque , alcuni artisti scelsero di ripensare al mezzo “libro”. Citiamo Marinetti i cui scritti teorici porteranno all'inizio degli anni 1930 all'ideazione di libri futuristici , immaginati e concepiti da artisti italiani che richiamavano materiali inconsueti; citiamo anche le esperienze costruttivista con in particolare Rodtchenko , Olga Rozanova o Alexeï Remizov . Ad esempio, Ilia Zdanevich (Iliazd), tornato a Parigi nel 1921, inizia a produrre i libri con lo zaoum tipografico . Queste esperienze hanno contribuito a rivoluzionare le arti grafiche , a ripensare tipografia , rilegatura , formati e arrangiamenti testo-immagine e sostanzialmente a scuotere gli standard di presentazione dell'oggetto libro.
Ben diverso l' approccio di Marcel Duchamp : molto prima di essere legato al dadaismo tramite Man Ray e Francis Picabia , immaginò nel 1913 di raccogliere in una scatola le riproduzioni dei suoi scritti e dei suoi disegni, cosa che fece nel 1914. Questo gesto fondativo diede poi vita a il concetto di scatola surrealista , che un movimento come Fluxus ha sistematizzato alla fine degli anni Cinquanta.
Infine, negli anni 1930-1950, i confini tra editore, artista e scrittore si fanno ancora più labili con le esperienze di un Georges Hugnet o di un Pierre-André Benoit : qui l'editore è visto come un artista, l'artista sceglie di essere un editore e altro ancora. Chi, l'autore, l'artista, l'editore, detiene la parte decisiva che conferisce all'oggetto la sua singolarità? Non esiste una risposta univoca a questa domanda, che rimane aperta.
L'avanguardia emersa dopo il 1945 negli Stati Uniti, in Europa, in Brasile o in Giappone ha avuto un'influenza decisiva sull'approccio concettuale del libro. Da un punto di vista teorico, uno scritto importante come L'opera d'arte all'epoca della sua riproducibilità tecnica da parte di Walter Benjamin non fu distribuito fino alla metà degli anni 50. Ma l'idea che si possa fare arte in serie, che l'unicità non condizionare lo statuto di un'opera, e che finalmente si possa attribuire a un oggetto prodotto in più copie una notevole dimensione estetica, era già in germe in molti artisti molto prima della guerra: dadaismo e surrealismo non furono da meno a scuotere il rapporto tra libro e artista, in particolare sequestrando il libro e producendo una grande quantità di opere. Infine, l'invenzione del readymade contribuì notevolmente a profanare lo status di opera d'arte: Duchamp si era impegnato, già negli anni Trenta, a produrre "copie certificate" dei suoi readymade, deviando i processi di fabbricazione dei cosiddetti manufatti oggetti.
Dopo la guerra, il mezzo librario era di particolare interesse per i fondatori del movimento Cobra nordeuropeo , ad esempio, e il pittore Alechinsky rimane uno degli artisti più prolifici in termini di libri. Uno dei suoi membri, Asger Jorn , aderendo all'Internazionale situazionista , produsse nel 1959 con Guy Debord un'opera intitolata Mémoires , sotto forma di un diversivo del concetto di libro di pittore , con una copertina di carta vetrata . Nel frattempo, il movimento lettrista era particolarmente concentrato sul libro come campo sperimentale. L'artista belga Marcel Broodthaers e i suoi oggetti trovati, il brasiliano Augusto de Campos e le sue poesie concrete , il performer giapponese Jirō Yoshihara del movimento Gutai e la sua calligrafia minimalista su più supporti, hanno contribuito a ripensare il medium del libro e il suo rapporto con il gesto artistico . . Teorizzata dall'architetto formatosi al Bauhaus , lo svizzero Max Bill , l' arte concreta ebbe un'influenza decisiva su un artista come Dieter Roth : conobbe Daniel Spoerri nel 1954 per poi iniziare a fare libri nel 1957 in Islanda , no. diverse copie, creando una propria casa editrice: Forlag ed . Nel 1959 Spoerri creò anche una casa editrice, Éditions MAT , producendo quelli che chiamò multipli , invitando anche l'amico Roth come parte di questa struttura.
Strettamente legato a Duchamp, John Cage ha aperto dal 1957 al 1959 alla New School di New York, una serie di seminari da cui sono emersi la maggior parte degli artisti del movimento Fluxus . Dal 1958, George Brecht ha prodotto scatole, a volte divertenti distrazioni di giochi mentali o "puzzle", accompagnate da piccoli testi stampati su carte di cartone e oggetti di uso quotidiano (monete, conchiglie, perle, ecc.). Anche George Maciunas , Joseph Beuys , Yoko Ono , Emmett Williams , Nam June Paik , Ben , Ken Friedman e altri hanno prodotto questo tipo di oggetto, in collaborazione con i sostenitori del Nuovo Realismo .
Gli anni '60 furono segnati dalla produzione di un gran numero di libri firmati da artisti dell'epoca, tra cui La Liberté des mers (Parigi, Adrien Maeght, 1960, litografie di Georges Braque , poesie di Pierre Reverdy ), Poèmes et bois (Parigi, Degré quarante et un, 1961, poesie e incisioni di Raoul Hausmann , tipografia di Iliazd ), Thésée di Abram Krol (Parigi, Krol, 1963, xilografie e stampe di Abram Krol, con testo di André Gide ), Un suspçon (Paris, Degré quarante et un, 1965, incisioni di Michel Guino , poesie di Paul Éluard ), Meccano (Milano, Tosi & Bellasich, 1966, incisioni di Enrico Baj , testo di Raymond Queneau ), Cerceaux sorcellent (Basel, Beyeler & Paris, Bucher, 1967 , litografie di Jean Dubuffet , testo di Max Loreau ), L'Inhabité (Parigi, Hugues, 1967, incisioni su rame di Alberto Giacometti , poesie di André du Bouchet ), o ancora Le Chien de cœur (Parigi, GLM, 1969, litografia di Joan Miró , poesie di René Char ) ... Questi libri sono caratterizzato da un notevole lavoro plastico degli artisti, una realizzazione durata diversi anni, perché i preparativi avevano richiesto molti studi e disegni, e perché era necessario realizzare diversi stati di incisione. Le stampe erano limitate a causa della produzione artistica, la cui qualità era rassicurata dal contributo di tipografi ed editori innovativi come Guy Lévis Mano , Iliazd o Adrien Maeght …
Allo stesso tempo, artisti come Art & Language (con: Art-Language The Journal of concettuale art ), Edward Ruscha , Jan Dibbets , Christian Boltanski o Marcel Broodthaers , cercano di utilizzare il libro per presentare il testo e il visivo di un modo sperimentale. Ma la realizzazione di questi libri era in conflitto con il libro d'artista come abbiamo sentito sin dall'inizio del XX ° secolo, ha pubblicato un gran numero di copie su supporto normale, questi libri hanno rotto i relativi accordi pratiche bibliophilic e il mercato della stampa. Non numerati e non firmati, sono in una certa misura nella linea della Pop art che ha deviato i dispositivi della produzione industriale scavalcandoli con le proprie produzioni realizzate in gran numero.
È importante tornare al primo "libro" prodotto da Ed Ruscha. “Nel 1963 apparve uno strano libricino, indefinibile nonostante l'aspetto familiare, intitolato Twentysix Gasoline Stations . Riunisce ventisei riproduzioni fotografiche in bianco e nero di stazioni di servizio negli Stati Uniti occidentali, con solo brevi didascalie per il testo. Firmato dal pittore californiano Edward Ruscha e da lui curato, è esemplare di un nuovo genere nelle arti visive, il libro d'artista. Rompendo con la tradizione bibliofila del "libro illustrato" o "libro del pittore", fatto a mano e in cui un artista associa le sue incisioni al testo di uno scrittore, il libro d'artista ha come unico autore un artista, che sceglie di fare opera in la forma del libro moderno. Il libro d'artista si presenta quindi come un libro di aspetto ordinario, di formato modesto, stampato con tecniche contemporanee come l'offset, in un'edizione per lo più libera. » Note Anne Moeglin-Delcroix. Ciò che conta qui non è quindi la qualità della stampa, della carta, della tecnica dell'incisione, ma l'intervento diretto dell'artista nella progettazione del libro. Questi libri "all'americana", a volte classificati in modo peggiorativo come "libri fotografici", sono stati talvolta considerati un piccolo episodio nella storia del libro d'artista.
Dagli anni '60, questi libri non sono altro che "libri fotografici" e possono assumere forme diverse dalla fotografia. Ancora una volta, Edward Ruscha ha avviato altri tipi di libri d'artista "in stile americano" anche ben dopo gli anni '60, come They Called Her Styrene, ecc. pubblicato nel 2000 con edizioni Phaidon . Questo libro è un piccolo oggetto che può stare in qualsiasi libreria, misura 12,3 x 18,5 centimetri e contiene poco più di 550 illustrazioni che sono opere sulle parole di Edward Ruscha . Il libro non ha una trama particolare ma piuttosto caratterizza l'ambito artistico e l'identità dell'artista, le parole si susseguono una dopo l'altra. Qui nessuna foto, nessun dipinto didascalico, ma solo un accumulo di disegni e dipinti che rappresentano parole, senza alcun testo esplicativo.
Il libro d'artista è diventato dagli anni '70 un genere e un modo di esprimersi e non solo americano: ogni anno emergono molti titoli, pubblicati sia attraverso case editrici specializzate, centri d'arte o istituzioni, sia direttamente dagli stessi artisti per proprio conto. Se è difficile definire lo stato della produzione artistica attuale, essa è tuttavia estremamente viva, favorita ovviamente dalle nuove tecniche di stampa digitale e di autopubblicazione . Numerosi eventi e mostre testimoniano questa produzione. Lo spettacolo FIAC ha persino aperto una sezione per questo tipo di produzione nei primi anni 2000. Ci sono anche ristampe ( ristampe ) di produzioni famose, come quelle di Richard Long , Lawrence Weiner , Herman de Vries , Peter Downsbrough , Germano Celant, ecc.
La produzione di Helmut Newton , SUMO , pubblicata per la prima volta nel 1999 dall'artista e sua moglie June Newton, è stata rivista e ristampata da quest'ultima ed edizioni TASCHEN nel febbraio 2018. Questo libro è un record sotto diversi punti di vista: pesa 35,4 chili, ha un supporto unico ideato dal designer Philippe Starck e venduto a 15.000€ a libro. Eppure pubblicata in 10.000 copie, l'opera si è trovata presto fuori stampa dopo la sua uscita, il che ha avuto l'effetto di aumentarne immediatamente il valore. Copie di SUMO possono ora essere trovate in grandi collezioni di libri d'arte e libri d'artista in tutto il mondo. Il "copia mitica n o 1" firmato da oltre un centinaio di celebrità rappresentato nel libro, è stato venduto all'asta a Berlino nel 2000 e ha raggiunto il prezzo di 317.000 €, che ha guadagnato lo ha battuto record per il libro più costoso pubblicato nel XX ° secolo . Dopo questo successo, le edizioni TASCHEN e June Newton tornano con una copia più accessibile nel formato e nel prezzo, in particolare per raggiungere un pubblico più ampio. Anche se il prezzo di 100 € rimane un costo piuttosto elevato per un lettore generico, il libro ha ora un formato di 26,7 x 37,4 centimetri ed è sempre fornito con un supporto per facilitare la manipolazione del libro.
Molto radicata in una tradizione modernista nata a cavallo del '900, la “creazione edizione” ha trovato nuova vita negli anni '80 , talvolta sostenuta da artisti, poeti, ricercatori e istituzioni. Sono innanzitutto i poeti che trovano nel libro d'artista uno spazio da condividere con gli artisti plastici , creando di fatto un luogo di incontro privilegiato: “Per collaborare, pittori e poeti vogliono essere liberi. La dipendenza riduce, impedisce la comprensione e l'amore ", scrive Paul Éluard. Così, autori come Michel Butor , Andrée Chédid , Jacques Kober , Michel Déon , René Pons o Bernard Noël (che egli stesso ha prodotto illustrazioni), per citarne alcuni, hanno collaborato con pittori o incisori alla produzione di un gran numero di libri d'artista . Fu in questo periodo che vennero fondate le case editrici gestite dagli stessi artisti, ad esempio: Onciale Sergent Fulbert di Jean-Jacques Sergent , Parole gravée d' Alain Bar , Atelier Tanguy Garric [3] , Imprimerie d'Alsace-Lozière di Bernard Gabriel Lafabrie ...
Agli inizi del XXI ° secolo , la ricerca di alcuni artisti - come le ricerche che si basano sul lavoro sperimentale svolto dal gruppo artistico bianco Sfinge nel libro d'artista del Laboratorio - mostra un approccio critico rinnovata e strumenti per la creazione e l'analisi di un artista di libro. Inoltre, la rivoluzione digitale ha ovviamente scosso la nozione di bibliofilia e del mercato dell'arte. L'artista non solo progetta il libro e lo scrive (e non più solo a parole) ma lo produce e lo distribuisce via Internet, oltre a un circuito di librerie o luoghi specializzati. Le nozioni anglosassoni di free press e small press si uniscono in Francia a quelle di editoria indipendente , che fornisce al libro d'artista un territorio di possibilità. Insomma, il libro d'artista resta uno spazio di libertà per i creatori chiunque essi siano.
Istituzioni pubbliche in FranciaNon esclusivi della Francia (cfr. il ruolo pionieristico dell'ACI a Londra), gli aiuti pubblici consentono di promuovere libri d'artista, costituire collezioni ricercabili, finanziare ricerche e anche creazioni ed eventi. Questi centri costituiscono riserve ricche di libri d'artista e non solo francesi. Facciamo un esempio:
Laboratori e centri associativi di arte contemporanea, più o meno sostenuti dalle istituzioni locali, aprono luoghi appositamente dedicati ai libri d'artista e si occupano anche di organizzare eventi ricorrenti:
L'arte ei libri alimentano da quasi due secoli un'importante produzione in Belgio . Due istituzioni sono particolarmente aperte ai libri d'artista: il Museo Reale di Mariemont e la Biblioteca Reale del Belgio .
La città di Bruxelles ha una biblioteca privata dedicata ai libri d'artista (Bibart) e una mostra organizzata da un collezionista, "Histoires de livres". Vicino a Bruxelles c'è anche una biblioteca del Museo del Reluire et des Arts du livre, Wittockiana, con una prestigiosa collezione di libri d'artista e legatoria.
Il libro d'artista tende ad affermarsi come mezzo espressivo multidisciplinare a sé stante. Molte tecniche plastiche sono utilizzate nel libro d'artista (arti grafiche, pittura, fotografia, scultura, collage, ecc.). Vi sono espresse tutte le forme e diversi campi di scrittura (immagine, poesia, note, testi scientifici, ecc.). Assistiamo così all'emergere di poeti-artisti che concepiscono il libro come il luogo dell'arte totale dove la libertà della forma incontra quella dell'espressione.
Il libro d'artista è un documento "genetico" che corrisponde a quest'opera. L'interesse a seguire il percorso genetico della creazione di libri d'artista sta emergendo nei seguenti campi: