Gli Sposi Arnolfini

Gli Sposi Arnolfini

Artista	Jan van Eyck
Datato	1434
Civilizzazione	Primitivo fiammingo
genere	scena interna con doppio ritratto
Tecnico	olio su tavola di quercia
Dimensioni (A × L)	82,2 × 60 cm
Movimento	Primitivo fiammingo
Proprietario	galleria Nazionale
Collezione	galleria Nazionale
N o libro	NG186
Posizione	National Gallery , Londra (Inghilterra)

Gli Sposi Arnolfini è il nome dato a un dipinto su tavola (82,2 × 60  cm ) del primo pittore fiammingo Jan van Eyck risalente al 1434, conservato alla National Gallery di Londra.

Storia

Poco si sa del dipinto prima che entrasse a far parte della National Gallery di Londra .

• Nel 1516 il dipinto apparteneva a Margherita d'Austria . Un inventario redatto quell'anno lo descrive come segue:

“Un grande dipinto chiamato Hernoul-le-Fin con sua moglie che è stato dato a Madame da Don Diégo, le braccia sono sulla copertina di detto dipinto. Fatto del pittore Johannes. "

• Nel 1524, un altro inventario dei possedimenti di Margherita d'Austria dà la seguente descrizione:

"Un altro dipinto molto squisito che termina con due foglie, dove sono dipinti un uomo e una donna, in piedi, che si toccano la mano, fatto dalla mano di Johannes, le armi e il motto del defunto Don Diego si dice che siano due fogli. Nominato il personaggio: Arnoult finito. "

• Il dipinto passò poi nelle mani di Maria d'Ungheria , che lo portò in Spagna, dove apparve in un inventario redatto nel 1558.
• In un libro sulle antichità fiamminghe pubblicato nel 1568, Marcus van Vaernewyck afferma che il dipinto fu acquistato da Maria d'Ungheria da un barbiere di Bruges e lo descrive come un piccolo dipinto di un uomo e una donna in piedi per mano e uniti dalla fede .
• Nel 1599, il viaggiatore tedesco Jacob Cuelvis, in visita al Royal Alcázar di Madrid , vide lì il dipinto, che descrisse come segue:

“Un'immagine che rappresenta un uomo e una giovane donna che uniscono le mani come se facessero una promessa di matrimonio. Ci sono tante cose scritte e anche questa: “  Promittas facito, quid enim promittere laedit? Pollicitis dives quilibet esse potest  ” . "

• Appare nell'inventario, nel 1700, della collezione reale spagnola:

"Un dipinto su tavola con due ante di chiusura, cornice in legno dorato e versi di Ovidio iscritti sulla cornice del dipinto, che mostra una donna tedesca incinta, vestita di verde, che stringe la mano ad un giovane; sembrano sposarsi di notte, ei vermi dichiarano di essersi sbagliati e le porte sono dipinte a finto marmo: prezzo, sedici dobloni. "

• Durante le guerre napoleoniche, il dipinto scomparve dalla Spagna e cadde nelle mani del tenente colonnello scozzese James Hay, sia perché lo acquistò, come sosteneva, nel 1815 a Bruxelles, dove si stava riprendendo dalle ferite riportate. la battaglia di Waterloo, o, come suppongono alcuni storici dell'arte, che lo ottenne come bottino di guerra durante la battaglia di Vitoria (1813), in Spagna, durante la quale scomparvero opere d'arte appartenute a Giuseppe Bonaparte .
• Nel 1815, Toussaint-Bernard Émeric-David sembra conoscere il dipinto, poiché evoca, tra le altre opere di Van Eyck, "un giovane e una giovane donna che stanno per sposarsi" .
• L'anno successivo, il dipinto fu portato da Hay in Gran Bretagna. Fu offerto in consegna tramite Thomas Lawrence al principe reggente Giorgio IV nel 1816, poi descritto come "un dipinto in una cornice dorata - doppio ritratto di un uomo e una donna che si stringono le mani - la donna vestita di verde - l'uomo in nero con un grande cappello rotondo [...] Di Jean van Eyck, l'inventore della pittura ad olio ” . Il dipinto fu restituito nel 1818, il principe reggente non volle acquistarlo. Nel 1841, grazie ad un crescente interesse per i primitivi fiamminghi, Hay prestò il dipinto alla National Gallery . Conferenza con il titolo "Ritratto di gentiluomo e una signora," porta a recensioni dettagliate ed entusiasti del libro, sia dalla critica George Darley  (in) nel Athenaeum nella rivista di Blackwood . Nel 1842, la National Gallery, su iniziativa di Charles Lock Eastlake , acquistò il dipinto per 630  sterline.

Soggetto

Si dice che il dipinto rappresenti Giovanni Arnolfini , un ricco mercante toscano stabilito a Bruges (che indossa un farsetto nero e un huque di velluto viola foderato di pelliccia), e sua moglie Giovanna Cenami (che indossa un abito blu, un cerchio bianco, un soprabito verde orlato con pelo grigio), un cagnolino sui piedi, perché il soggetto esatto del dipinto è oggetto di discussione per gli storici dell'arte . Secondo Erwin Panofsky si tratterebbe del matrimonio dei due personaggi, celebrato in privato, e di cui Van Eyck sarebbe il testimone (l'altro testimone è l'uomo allo specchio) e il pittore. La mano sinistra della donna, posta su un ventre grassoccio, annuncerebbe di essere già incinta (ipotesi speculativa perché la taglia del suo vestito corrisponde alla moda dell'epoca), il che spiegherebbe in segreto il matrimonio. Il dipinto sarebbe un documento legale che attesta questo matrimonio, da qui la firma magniloquente sopra lo specchio (calligrafato in cattivo latino, è scritto "  Johannes de Eyck fuit hic 1434  "). Tuttavia, questa teoria è oggi piuttosto controversa. Resta il fatto che questo dipinto è considerato una delle opere maggiori dell'artista. Questo è uno dei più antichi ritratti non agiografici conservati. Inoltre, per il suo realismo, il dipinto fornisce molti dettagli sulle condizioni di vita materiali dell'epoca. Il dipinto rappresenta la coppia in piedi nella camera da letto, l'uomo che tiene la mano della donna. La posa è ieratica e solenne, come si comprendeva quando era corrente l'ipotesi del matrimonio; alcuni critici lo hanno visto piuttosto come un segno di ironia da parte del pittore.

Aspetti formali e stilistici

Specifiche del materiale

Questo ritratto è un dipinto ad olio su tavola di legno di quercia. La pittura ad olio utilizza pigmenti naturali, minerali o vegetali ridotti in polvere, come coloranti, olio di lino o olio di garofano come legante , trementina come solvente e varie altre resine naturali che garantiscono la durata della pittura. I vantaggi della pittura ad olio sono la flessibilità e la forza.

I fratelli van Eyck usavano la tecnica di combinare resine trasparenti, resistenti e flessibili con l'olio. Jan mostra qui tutta la sua ricchezza, applicando ampie zone di colori accesi, tra cui le tende e il copriletto o il cappotto verde della moglie. L'olio ha diversi vantaggi rispetto alle tecniche a base d'acqua come la tempera usata fino ad allora dai pittori. Trasparente, permette una migliore resa di profondità e luce; più consistente, permette una finitura più meticolosa; asciugandosi più lentamente, può essere lavorato più meticolosamente.

La flessibilità dello strato pittorico consentirà successivamente il montaggio su cornice (e non più su pannello) e quindi formati più grandi.

Iconografia

Una miriade di forme simboliche circondano la coppia. Ecco alcune e poche possibili interpretazioni:

• Ciliegie dall'albero esterno e arance poste sul tavolino e sul davanzale della finestra: oltre al fatto che le arance sono prodotti esotici di lusso a sottolineare la prosperità economica dello sponsor, questi frutti ricordano l'innocenza prima del peccato originale . Le ciliegie e l' erba cipollina in vetro soffiato simboleggiano il paradiso, le arance (chiamate fiammingo sinaasappel , letteralmente "Mela cinese") simboleggiano il pomo d'Adamo .
• Il lampadario porta una candela accesa: sopra gli sposi, è posata nella fiamma nuziale.
• Il cagnolino in primo piano: per fedeltà coniugale .
• Il letto matrimoniale dai drappi rosso vivo: l'atto fisico d'amore per la perfetta unione dell'uomo e della donna (principio religioso).
• Pattini, sandali da esterno: scarpe che si tolgono nei luoghi sacri.
• Lo "  specchio della strega  " al centro della composizione è una chiave che permette al pittore di disegnare l'intera scena e la stanza in un'unica veduta, di creare una prospettiva complessa con linee curve sfuggenti perché è uno specchio a cupola, e di creare una diretta riferimento all'argomento perché questo tipo di specchio è stato inventato proprio in quel momento per consentire a commercianti e banchieri di monitorare i loro negozi.

Analisi stilistica

L'opera rispecchia fedelmente le caratteristiche stilistiche dei primitivi fiamminghi , ma soprattutto illustra perfettamente lo stile del suo autore. Noteremo in particolare:

• L'accuratezza: in questo dipinto per uso privato, che permette una visione molto ravvicinata, i dettagli sono resi con precisione microscopica, resa possibile dall'uso di colori ad olio e pennelli appositamente adattati. Ad esempio, nello specchio appeso alla parete di fondo, la cui cornice è decorata con medaglioni raffiguranti la passione di Cristo , tutta la stanza, con i suoi mobili, gli sposi visti di spalle e il pittore stesso, si riflette capovolta in una mise en abyme che ha reso famoso il dipinto. Vediamo anche altri due personaggi che non compaiono in primo piano nel dipinto e una veduta di Bruges attraverso la finestra. I pattini abbandonati a terra da Arnolfini hanno la suola e il tallone macchiati di fango fresco, che ci ricorda che l'uomo appartiene al mondo terrestre ma nessun valore simbolico sembra esserne stato toccato.
• Firma o atto di testimonianza: se il dipinto porta il nome del pittore (cosa ancora rara per l'epoca) la frase al centro del dipinto "  Johannes de eyck fuit hic  " ("Jan Van Eyck era qui") sulla parete sopra lo specchio, pone il pittore come testimone e ospite dell'evento (“c'era” piuttosto che il tradizionale “fatto” o “composto” di pinxit o pingebat delle firme del pittore).
• La ricchezza della rappresentazione degli oggetti che compongono l'arredamento: i fiamminghi erano orgogliosi della comodità dei loro interni, dei loro mobili e dei loro ninnoli, e non esitavano a includerli nei dipinti, come qui il candelabro, il e mobili decorati, tessuti ecc. Nel dipinto compaiono anche altri oggetti, la cui presenza è più problematica (come gli zoccoli di legno), ed è su questi che Erwin Panofsky si è basato per sviluppare la sua tesi di un matrimonio privato.
• Realismo: van Eyck voleva rappresentare il più fedelmente possibile la realtà, ma allo spettatore moderno la scena appare molto artificiale a causa della posa ieratica dei personaggi, compresa quella del cane. Nessun movimento in questo dipinto le cui forme hanno qualcosa di scultoreo e la cui atmosfera rimane molto teatrale e priva di spontaneità.
• Prospettiva e luce: caratterizzano l'arte di Van Eyck, pioniere in questo campo. La luce che attraversa il vetro modella delicatamente le forme e crea una sensazione di spazio; la cornice architettonica e l'uso dello specchio in fondo alla stanza danno l'illusione della profondità. Diego Velasquez lo ricorderà quando dipinse le Menina .

Se la prospettiva di Van Eyck non ha il rigore geometrico delle pratiche albertiane che compaiono contemporaneamente in Italia, dice qualcosa di più simbolico che naturalistico, quindi nella rappresentazione spaziale coesistono diversi punti di fuga : quello della finestra finisce. sul cuore della moglie, quello del letto sul cuore del marito, quello del pittore e dell'osservatore (e il resto del decoro, tavola, mobile...) sullo specchio, una dimostrazione insomma in epanorthosis dell'affermazione dei fiorentini (e Alberti in particolare) che poi si definiscono “inventori di prospettiva”.

Lo sponsor

C'è un ritratto in busto di Giovanni Arnolfini dipinto nel 1438 da van Eyck e conservato alla Gemäldegalerie di Berlino.

Giovanni, figlio di Arrigo Arnolfini, nato a Lucca intorno al 1400, si stabilì a Bruges intorno al 1421, gli archivi di Bruges contengono tracce di una grande vendita di sete e cappelli che vi fece1 ° luglio 1421. Intorno al 1423 vendette al duca di Borgogna una serie di sei arazzi con scene di Notre Dame per dono al papa. Nel 1431 divenne consigliere aulico di Philippe le Bon , poi ciambellano e maggiordomo di Charles le Téméraire . Fu nobilitato nel 1462. Nel 1446 concesse un prestito al Duca e quest'ultimo in cambio gli concesse i dazi doganali fissi sulle merci importate dall'Inghilterra successivamente rinnovati per altri sei anni.

Sposò Giovanna Cenami (morta nel 1480) di una famiglia di banchieri lucchesi residenti a Parigi. La tavola potrebbe rappresentare il fidanzamento o il matrimonio e quindi corrispondere al principio della tavola nuziale .

Gli Arnolfini vivevano a Parigi, rue de la Verrerie, nel quartiere Saint-Jacques-de-la-Boucherie . Giovanni mantenne rapporti cordiali con il Delfino, futuro Luigi XI , che si assicurò la collaborazione di Giovanni appena salito al trono. Luigi XI nominò Giovanni consigliere e custode delle finanze della Normandia e nel 1465 concesse a Giovanni la nazionalità francese, cosa che facilitò i rapporti con la Repubblica di Lucca , che prestò ingenti somme al re. È morto il11 settembre 1470e fu sepolto nella cappella dei mercanti Lucquois a Bruges. Lui e sua moglie lasciarono in eredità tutti i loro beni a Jean Cename, Signore di Luzarches , loro nipote.

Un'altra ipotesi è che il committente sia Giovanni di Nicolao Arnolfini, cugino di Giovanni di Arigo Arnolfini. Uomo in lutto, avrebbe fatto realizzare per sua moglie il dipinto postumo del titolo, che spiegherebbe i colori del lutto in nero e viola: grande cappello nero , farsetto nero , cerchio di velluto viola foderato e foderato di zibellino , calzoni neri, sottili stivaletti neri, anello in oro con pietra nera sull'anulare. Secondo la storica dell'arte Margaret Koster, molti dettagli suggeriscono che il dipinto sia effettivamente un omaggio funebre di Giovanni di Nicolao Arnolfini alla defunta moglie Costanza Trenta morta di parto: i dieci medaglioni attorno allo specchio che rappresentano le scene della Passione , quelli che illustrano la morte di Gesù rivolto alla donna; la singola candela, simbolo della vita, curiosamente accesa in pieno giorno, mentre dal lato della donna, finissime gocce di cera gelate sull'asta di uno dei rami del candelabro attestano che lì c'era una candela; il patenôtre con 29 perle traslucide, appeso al muro, che evoca la recita del rosario da parte del marito che prega per la salvezza dell'anima della moglie; su un montante del letto, il ritratto di Santa Margherita , patrona delle gestanti.

Inoltre la stanza, le candele, il letto e la finestra potrebbero evocare la calda atmosfera che preannuncia una futura gravidanza, ambientazione frequente delle scene religiose dell'Annunciazione .

posterità

Il dipinto è una delle “105 opere decisive della pittura occidentale  ” che costituiscono il museo immaginario di Michel Butor .

Note e riferimenti

• (es) Questo articolo è parzialmente o interamente tratto dall'articolo di Wikipedia in spagnolo intitolato “  Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa  ” ( vedi elenco degli autori ) .

Appunti

1. Lo stesso inventario descrive un altro dipinto di Van Eyck, offerto anche da Diego de Guevara, che rappresenta "una giovane donna, accosutée à la mode de Portugal, il suo mantello rosso foderato di martora, che tiene nella mano destra un ruolo con un piccolo santo. Nicolas en hault, chiamato: la bella donna portoghese” .
2. Questa descrizione sarà ripresa e ampliata da Carel van Mander nel 1604, nelle sue Vite di illustri pittori tedeschi e fiamminghi, che non solo ripeté la leggenda del barbiere, ma descrisse il dipinto senza averlo visto come raffigurante "un uomo e un le donne s'offrono l'una all'altra la mano destra […] e sposate da Fides che unisce l'una all'altra” .
3. Le "porte in finto marmo" sono le persiane che chiudevano il dipinto, di cui Edwin Hall nota che il qualificatore finto marmo ( jaspeado ) evoca il trattamento di Van Eyck delle cornici di molti altri dipinti e suggerisce che questi pannelli, tutti come la cornice su cui apparvero i versi di Ovidio, furono disegnati dallo stesso Van Eyck.

Riferimenti

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18. Hicks 2011 , pag.  190
19. Questo titolo è stato assegnato al dipinto dal 1857 secondo l'interpretazione congiunta di Joseph Archer Crowe e Giovanni Battista Cavalcaselle . Da allora sono state emesse molte interpretazioni divergenti. Nel 2016 Jean-Philippe Postel ha così evocato 12 interpretazioni divergenti prima di presentare la sua ( L'affare Arnolfini: indagine su un dipinto di Van Eyck , Actes Sud, ( ISBN  978-2-330-06091-6 ) ).
20. Nel periodo medievale, questa pelliccia veniva spesso utilizzata per rappresentare la sessualità femminile. Alcuni storici presumono che si tratti di pelliccia di scoiattolo, e più precisamente della sua parte ventrale, sottolineando il lusso della famiglia, molto del quale si riflette nell'abbigliamento.
21. Brigitte Dekeyzer, I primitivi fiamminghi , Artoria,1999, pag.  17.
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28. Alberti affina il suo trattato Della pittura che sarà pubblicato l'anno successivo alla realizzazione del ritratto.
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34. Il medaglione che rappresenta il Cristo Risorto, si trova invece sul fianco della donna, che suggerisce la sua salvezza.
35. Perline infilate su un cordino che termina con due nappe di seta verde.
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38. Michel Butor , Il Museo Immaginario di Michel Butor  : 105 opere decisive della pittura occidentale , Parigi, Flammarion ,2019, 368  pag. ( ISBN  978-2-08-145075-2 ) , pag.  86-89.

Vedi anche

Bibliografia

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• Alexandre Pinchart , "  Dipinti e sculture di Maria d'Austria, regina vedova d'Ungheria, 1558  ", Revue Universelle des Arts , n .  3,1856( leggi in linea )
• Jean-Philippe Postel , L'affare Arnolfini , Actes Sud ,2016
• (it) Linda Seidel , Ritratto di Arnolfini di Jan Van Eyck , Cambridge University Press ,1993

Articoli Correlati

• Prospettiva conica

link esterno

• Risorse per le belle arti  :
  • (it)  Art UK
  • (nl + en)  RKDimages
• (it) Avviso della National Gallery
• Léon Mirot, Les Cename , sul sito Gallica
• Catherine Jordy, “  Rispetto per l'interpretazione. Una mise en abyme dello specchio  ” a Le Portique. Rivista di filosofia e scienze umane , 2003.
• Jean de Loisy e Sandra Adam-Couralet. Con Jean-Philippe Postel, "L'  arte è materia: i mariti Arnolfini - 1434  " , su France Culture ,18 settembre 2016(consultato nel 2021 ) .