Artista | Karl Brioullov |
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Datato | 1830-1833 |
Sponsor | Anatole Demidoff |
Tipo | Pittura di storia |
Tecnico | Olio su tela |
Dimensioni (A × L) | 456,5 × 651 cm |
Collezioni | Museo Russo , collezione Demidoff |
N o libro | -5084 |
Posizione | Museo Russo , San Pietroburgo ( Russia ) |
L'ultimo giorno di Pompei (1830-1833) è un dipinto monumentale attualmente al Museo Russo di San Pietroburgo , l'opera più nota del pittore russo Karl Brioullov . Ha guadagnato al suo autore la notorietà internazionale e l'ammirazione di Alexander Pouchkine che gli ha dedicato una poesia.
La tela fu completata nel 1833. È conservata al Museo Russo con il numero di inventario n o Ж-5084. Le sue dimensioni sono 456,5 × 651 cm . Il dipinto rappresenta le vicende di Pompei al tempo dell'eruzione del Vesuvio del 79 d.C.
Karl Brioullov visitò gli scavi di Pompei durante l'estate del 1827, durante un viaggio a Napoli , e fu lì che ebbe l'idea di dipingere una grande tela dedicata alla distruzione di Pompei. Lo sponsor di questo dipinto è il principe Anatole Demidoff . In tutto, il lavoro su questo dipinto durò circa sei anni, dal 1827, quando Briullov eseguì i primi schizzi e schizzi , fino al 1833. La versione finale di questa grande tela fu prodotta tra gli anni 1830 e 1833.
Dopo aver terminato il lavoro sulla sua pittura, Brioullov inizia a mostrarla nel suo studio a Roma . La popolarità de L'ultimo giorno di Pompei e del suo autore sta crescendo enormemente : lo scrittore Nikolai Rojaline (ru) scrive che a Roma "l'evento principale è una mostra di pittura nello studio di Brioullov", "l'intera città si è precipitata ad ammirarlo". Da Roma la tela fu trasportata a Milano dove fu presentata alla mostra d'arte del 1833. Ispirato dal successo del dipinto in Italia, il suo proprietario Anatole Demidoff la presenta alla mostra del Salone di pittura e scultura , inaugurato nelmarzo 1834 a Parigi, dove il suo autore Karl Brioullov ottiene la grande medaglia d'oro per questo.
L'estate del 1834, il dipinto L'ultimo giorno di Pompei viene inviato dalla Francia a San Pietroburgo , dove Demidov presenta all'imperatore Nicola I er . Nelagosto 1834, il dipinto viene collocato nell'Ermitage , quindi alla fine di settembre in una stanza separata dell'Accademia Russa di Belle Arti per la visione del pubblico. Il dipinto ebbe un enorme successo e il poeta Aleksandr Pushkin gli dedicò la sua poesia Il cratere del Vesuvio si aprì Per quanto riguarda lo scrittore Nicolas Gogol , scrive un articolo in cui definisce L'ultimo giorno di Pompei uno dei fenomeni più popolari . del XIX E secolo "e una luminosa resurrezione della pittura rimasta a lungo in stato semi-letargico". Nel 1851 il dipinto entrò nel Nuovo Ermitage e nel 1897 fu trasferito nella collezione del defunto imperatore Alessandro III (oggi Museo Russo ).
Il critico d'arte Alla Vareshchaguina (ru) osserva che il soggetto della tela L'ultimo giorno di Pompei era sconosciuto nella pratica della pittura storica classica. L'artista non mostra le gesta di un eroe, ma un disastro naturale che ha colpito moltissime persone, che per la prima volta ha portato la pittura storica nel mainstream del pubblico popolare invece di essere confinata in una ristretta cerchia aristocratica. Secondo il critico Svetlana Stepanova (ru) , il lavoro di Briullov è diventato non solo uno dei successi della Scuola nazionale russa di pittura, ma anche un vero fenomeno che ha accelerato lo sviluppo dell'arte in Russia.
Nel 1821, Karl Brioullo o Brioulleau (o anche Bruleleau) (e non ancora Brioullov) terminò l' Accademia Russa di Belle Arti , con una grande medaglia d'oro. A causa del disaccordo su chi dovrebbe essere il suo insegnante, Brioullo si rifiuta di continuare a lavorare all'accademia. L'anno successivo, l'artista e suo fratello, l'architetto Alexander Briullov, furono invitati a diventare residenti della Società Imperiale per l'Incoraggiamento delle Belle Arti per un periodo di quattro anni. I frati accettano questa proposta e, il16 agosto 1822, lasciano San Pietroburgo e fanno un viaggio all'estero. Dapprima in Germania, poi nel 1823 in Italia dove si stabilirono a Roma . Prima della loro partenza dalla Russia, il cognome dei due fratelli fu ufficialmente cambiato con l'aggiunta delle lettere cirilliche "в" o v nell'alfabeto latino e in francese e divenne Brioullov invece di Brioullo. I Brioullov provenivano da una famiglia di ugonotti francesi emigrati dopo la revoca dell'Editto di Nantes e che si erano trasferiti in Germania e poi in Russia. Da qui la necessità di russificare il loro cognome aggiungendo un ov finale.
Distruzione di Pompei ed Ercolano di John Martin . tela, olio, 161,6 × 253,0 cm , 1822, Tate Britain
Alessandro Sanquirico Eruzione del Vesuvio , 1827, (decorazione dell'opera di Giovanni Pacini L'ultimo giorno di Pompei )
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Fino al 2018 le pubblicazioni informavano dell'eruzione del Vesuvio e della sepoltura di Pompei ed Ercolano alla data di24 agostodall'anno 79 della nostra era. Ma, dal 2018, le pubblicazioni hanno messo in dubbio questa data di24 agostocome la maggior parte degli storici del mondo e utilizzano una data non anteriore all'ottobre 79. Alcune fonti storiche ritengono addirittura che l'eruzione risalga a novembre. Secondo alcuni resoconti, questa eruzione a Pompei causò la morte di circa duemila persone. Anche se scavi sistematici hanno iniziato nel 1748, hanno continuato nei primi anni del XIX ° secolo. Sono state realizzate opere d'arte legate all'evento. Ad esempio, nel 1822, l'artista inglese John Martin realizzò un grande dipinto La distruzione di Pompei ed Ercolano (tela, olio, 161,6 × 253,0 cm , ora alla Tate Britain Gallery ). E nel 1824 fu prodotta l'opera italiana del compositore Giovanni Pacini Gli ultimi giorni di Pompei , la cui decorazione fu eseguita da Alessandro Sanquirico .
Il primo dei due fratelli Brioullov a visitare gli scavi di Pompei fu Alexander Briullov , che, a quanto pare, disse molte cose interessanti a suo fratello Karl. Dopo aver lasciato Roma all'inizio del 1824, Alessandro visitò la Sicilia , quindi si trasferì a Napoli , dove creò numerosi ritratti ad acquarello . Appreso che a Pompei era stato aperto un edificio ben conservato, Alessandro fece eseguire alle autorità del Regno delle Due Sicilie misurazioni e schizzi di tutte le strutture architettoniche che lo interessavano alle rovine. Ottenere un tale permesso non è stato facile, e per farlo, Alexander Briullov ha beneficiato del fatto che si trovava a Napoli Elisabeth Khitrovo (ru) , figlia di Mikhail Kutuzov e vedova in seconde nozze di Nikolai Fyodorovich Khitrovo , amico del poeta Pushkin . Su suo consiglio dipinse i ritratti della famiglia reale napoletana e ottenne così le necessarie autorizzazioni. Grazie a queste autorizzazioni, lo stesso anno 1824, Alexandre Brioullov visitò Pompei, cosa che gli fece una grande impressione. In una lettera ai suoi genitori da8 maggio 1824, Alexandre scrive che “questo tipo di vestigia involontariamente mi ha fatto viaggiare nel tempo, quando queste pietre erano ancora abitate, quando questo foro dove ci troviamo soli era riempito dalla folla dove il silenzio non è più interrotto oggi che da alcune lucertole”. In un'altra lettera a sua madre, datata6 dicembre 1825, così descrive le sue impressioni: "Vedo fiumi di fuoco, che sgorgano dal cratere del Vesuvio", "Una pioggia di sabbia, cenere e sassi che si addormenta con Pompei; Pompei scompare davanti ai miei occhi”. Le misurazioni delle terme di Alexander Briullov furono completate nel 1826. I risultati del lavoro di Alexandre Brioullov sulle terme di Pompei furono pubblicati nel 1829 in un'opera pubblicata a Parigi con il titolo Thermes de Pompéi . Secondo alcune ipotesi, sarebbe stato Alessandro che avrebbe potuto suggerire al fratello il soggetto del dipinto raffigurante l'ultimo giorno di Pompei.
Il fratello di Alexander Brioullov Karl di Karl 1823-1827
PF Sokolov , ritratto di Elisabeth Khitrovo, amica di Alexander Pushkin
La contessa Yulia Samoylova e sua figlia adottiva, dipinto di Karl Brioullov
Durante questo periodo, Karl Brioullov continuò a lavorare su scene di genere della vita italiana, creando tele come Italian Morning (1823), Italian Midi (1827) e Young Girl Gathering Grapes in the Suburbs of Naples (1827). Dal 1825 al 1828 lavorò ad una copia de La Scuola di Atene di Raffaello , commissione che diede all'artista esperienza lavorando su composizioni multicarattere e che gli fu offerta dall'Ambasciata Russa in Italia e per la quale fu insignito di 10.000 rubli. Nel 1825 Brioullov decise di visitare Napoli con il pittore Fyodor Bruni , ma alla fine il viaggio non ebbe luogo per un motivo o per l'altro.
Nel luglio 1827, Karl Brioullov, parte infine per Roma e Napoli. A Napoli e dintorni si soggiorna da inizio luglio a fine agosto. A Pompei dedica quattro giorni alla visita delle rovine che lo colpiscono molto. Tra coloro che lo hanno accompagnato in questo viaggio, ricordiamo la contessa Maria Razoumovskaïa , il futuro senatore Hypolite Podtchassky , e anche la contessa Yulia Samoïlova e il principe Anatole Demidoff . Robert Vinspiere, importante funzionario dell'Ambasciata russa a Roma, scrive ad Alexander Briullov, fratello di Karl, il6 luglio 1827 : "Tuo fratello Karl è stato condotto a Napoli dalla contessa Razoumovskaya"; si è poi presentata e ha fatto da committente del bozzetto del futuro dipinto. Con la contessa Yulia Samoïlova Brioullov incontrò la principessa Zinaïda Volkonskaya a Roma nel 1827 . Yulia Samoylova e Briullov furono in seguito legati da una lunga e tenera amicizia. La critica d'arte Galina Leonteva scrive che uno dei motivi del viaggio di Brioullov a Napoli potrebbe essere la presenza della contessa Samoylova, che aveva conosciuto poco prima e che si recava anche lì.
Il pittore Mikhail Jeleznov , nelle memorie che scrisse in seguito, annota che Karl Brioullov gli aveva detto questo: a Napoli aveva conosciuto Anatole Demidov e lo aveva portato a Pompei. Secondo Jeleznov, "durante la visita di questa città nacque l'idea a Brioullov di realizzare un grande dipinto che rappresentasse la distruzione di Pompei", e fece conoscere questo progetto a Demidov, che promise di acquistare il dipinto. Demidov riteneva che probabilmente non sarebbe seguito nulla, ma in seguito riferisce che Jeleznov, una signora, di cui non gli era rimasto il nome, dopo il pranzo, al quale partecipava anche Briullov, iniziò la conversazione con Demidov sul viaggio a Pompei e "riuscì a metterla in posizione tale che, per compiacimento, il suo interlocutore chiese a Brioullov di realizzare il dipinto L' ultimo giorno di Pompei . Incrociando queste informazioni, i ricercatori specializzati nel lavoro di Brioullov ritengono che questa signora potrebbe essere la contessa Razoumovska, che avrebbe poi consegnato il suo ordine a Demidov. Dato che nel 1828, quando fu realizzato il bozzetto per la contessa Razumovskaya, Demidov aveva solo 15 anni, il giornalista Nikolai Projogin suggerisce che forse il trasferimento dell'ordine avrebbe potuto essere effettuato un po' più tardi. Non esclude che "la signora che ha spinto Demidov a prendere il comando" potrebbe essere anche l'altra contessa, Yulia Samoïlova .
In tutto, la creazione del dipinto ha richiesto sei anni di lavoro. Dal 1827, quando Karl Brioullov visitò Pompei e realizzò i primi schizzi e bozzetti, fino al 1833 quando la tela di grande formato fu esposta a Roma e Milano. I critici d'arte dividono il periodo creativo in due parti. Durante il primo (1827-1830) si svolge il lavoro preparatorio, compresa la realizzazione dello studio e dei primi bozzetti, e durante il secondo (1830-1833) avviene la realizzazione della grande tela.
A partire dalla realizzazione del dipinto, Brioullov studiò attentamente i documenti storici legati all'eruzione del Vesuvio . Ha letto con particolare interesse la testimonianza di uno dei testimoni oculari dell'evento (anche lui politico e avvocato) Plinio il Giovane . Quest'ultimo scrisse allo storico Tacito : “Dalla prima ora del giorno, la luce del giorno è insolita, veramente debole. Le case circostanti tremano; su una stretta striscia di terra sono sul punto di crollare ed è molto spaventoso. Decidiamo finalmente di lasciare la città; dietro di noi ci segue una folla di persone che hanno perso la testa. [...] D'altra parte, una spaventosa nuvola nera invade il cielo, attraversato da zigzag di fuoco; si dispiega in grandi bande sgargianti come grandi fulmini. […] Allora mia madre chiede, supplica, ordina che me ne vada: per un giovane è possibile; Quanto a lei, sopraffatta dall'età e dalla malattia, preferisce morire serena sapendo che non è stata lei la causa della mia morte”.
Secondo gli storici dell'arte, la prima menzione scritta di Briullov sulla sua pittura su Pompei risale a marzo 1828 : in una lettera al fratello Theodore Brioullov , Karl Brioullov scrisse: “Il bozzetto del dipinto, che la contessa Razoumovska mi ha ordinato, è finito; l'opera si chiamerà: L'ultimo giorno di Pompei . Nella stessa lettera il pittore indica di aver scelto di lavorare sulla tela la via delle Tombe ( Strada dei Sepolcri o Via dei Sepolcri ), ma che la cornice partirà dalla tomba di Skaurus ( Sepolcro di Scauro ) per arrivare a quella del figlio della sacerdotessa di Cerere . E continua: “Ho preso il mio decoro dalla natura, senza togliere o aggiungere, in piedi, la schiena appoggiata alla porta della città, per vedere parte del Vesuvio, soggetto principale senza il quale non può. ”. Nella stessa lettera Brioullov descrive il gruppo di figure che intende ritrarre sulla sua tela. A quel tempo, la rue des Tombes era stata sgomberata dagli archeologi solo in tempi relativamente recenti, circa dieci anni prima che Brioullov arrivasse in Italia. Il luogo scelto dal pittore era ai margini della città, sulla strada che porta al Vesuvio. La tomba di Scauro è stata descritta nell'edizione del 1817 del libro dall'archeologo William Gell e dall'architetto John Peter Gandy. La parte più a sinistra della targa apposta sul monumento è scheggiata e si legge solo parte del suo nome … icius Scaurus , nonché del suo status sociale duumviro di giustizia. Gelle e Gandy suggerirono che il nome completo fosse Aricius Scaurus , ma in seguito si scoprì che fu sepolto come Umbricius Scaurus e suo padre fu sepolto come Aulus Scaurus .
. Pompei, tomba di Scauro (incisione dal libro di Gelle e Gandy, 1817)
Nella primavera del 1828 il Vesuvio riprese la sua attività vulcanica. Il pittore russo Sylvestre Shchedrin scrisse in una lettera al fratello Apollo Shchedrin datata6 maggio 1828 : "Finalmente sono riuscito a vedere e realizzare l'eruzione del Vesuvio dalla natura". La notizia di questa visita si diffuse rapidamente in Italia: molti stranieri che si trovavano a Roma si precipitarono a Napoli. Nella stessa lettera, Sylvestre Chtchedrine indica che tra questi c'era Karl Brioullov, "Ma era appena arrivato da me, è divertente, ma il vulcano si è calmato e ha smesso di fumare così bene che dopo quattro giorni Brioullov è tornato a Roma".
Nel 1828, Karl Bryullov completò i lavori sugli affreschi di Raffaello intitolati La scuola di Atene , trovandosi nei Palazzi Vaticani . La sua esperienza nella copiatura di un'opera a più caratteri si è rivelata molto preziosa per la realizzazione di una composizione pittorica come quella dell'Ultimo giorno di Pompei . Anche un altro affresco vaticano dello stesso artista Raffaello e dei suoi allievi, L'incendio di Borgo , ebbe un'influenza significativa su Briullov. I critici d'arte ritengono che questo lavoro abbia dato a Brioullov l'impulso per la creazione dei primi schizzi e dei primi personaggi della sua futura tela. Secondo lo stesso Brioullov, citato nelle sue memorie dallo scultore Nikolai Ramazanov , "bisogna assorbire 400 anni di successi nel mondo della pittura per poter creare qualcosa di sufficientemente degno delle esigenze del secolo presente". Ramazanov cita ancora le seguenti affermazioni di Briullov: “Per dipingere Pompei avevo ancora troppo poco talento e dovevo osservare con attenzione ciò che avevano fatto i grandi maestri. ". Per poter seguire i Maestri Antichi fin dall'inizio del suo processo lavorativo, Brioullov partì per Venezia e Bologna . A Venezia volle rivedere le opere di Tiziano e Tintoretto , ea Bologna si fermò a copiare l'Estasi di S. Cecilia di Raffaello .
I ritardi che portarono a rinvii nella realizzazione della grande tela causarono infine il malcontento del committente, il principe Anatole Demidoff . In una lettera a Demidoff di4 settembre 1830, Karl Brioullov scrive di aver ricevuto l'informazione circa l'intenzione del committente di interrompere l'ordine dell'Ultimo Giorno di Pompei se i lavori sulla tela non fossero ancora iniziati. Il pittore fa notare a Demidoff che per circostanze impreviste “non c'era ancora nulla sulla tela oltre al disegno di un personaggio; si avvicinava il momento di finire i lavori previsti nel contratto ma il completamento della tela era infatti ancora lontano dall'essere completato”. È possibile che Brioullov abbia in qualche modo ridotto il progresso del suo lavoro, poiché ha scritto allo stesso tempo allo scultore Samuel Galberg che "metà del dipinto su Pompei per Demidoff è finito". Ad ogni modo, in risposta alla lettera di Brioullov, Demidoff gli chiede di continuare il suo lavoro sul web "prendendo come data di conclusione del contratto il tempo che Briulov sceglierà da solo a suo piacimento". Il pittore Mikhail Jeleznov scrive a questo proposito che "alla fine dell'anno 1830 tutti i personaggi del dipinto erano a posto sulla tela e dipinti in due toni", "tutto questo lavoro era stato eseguito in due settimane e aveva stancato il pittore al punto che aveva perso ogni forza e tutte le sue membra tremavano”. Nikolai Ramazanov notò anche che durante la realizzazione del suo dipinto su Pompei, Brioullov era così esausto delle sue forze che doveva spesso lasciare il suo studio”.
Nel maggio 1831, lo scrittore Alexis Konstantinovich Tolstoï visita lo studio di Brioullov e scrive nel suo diario: "Eravamo con il pittore Brioullov, che iniziò a dipingere per il principe Demidoff un quadro rappresentante l'ultimo giorno di Pompei". Nel 1832, poco prima di morire, Brioullov ricevette la visita dello scrittore scozzese Walter Scott , che trascorse diverse ore davanti alla tela. Secondo lo stesso Brioullov, il famoso scrittore “sedette tutta la mattina davanti alla tela; ne comprese tutto lo spirito”. Dopodiché Walter Scott andò dal pittore, gli strinse entrambe le mani e gli disse che si aspettava di vedere un romanzo storico, ma che aveva visto molto di più, piuttosto un'epopea. Per Briullov, il sostegno dello scrittore è stato molto importante non solo perché la concezione storica della sua pittura è stata riconosciuta come quella di un romanziere storico, ma anche perché ha ricevuto il riconoscimento da uno scrittore romantico . , che è riuscito a comprendere il significato profondo della sua tela.
L'opera di Brioullov su L'ultimo giorno di Pompei affascinò anche il pittore Alexander Ivanov, futuro autore de L'apparizione di Cristo al popolo , che lavorava a Roma dal 1830. Scrisse a Brioullov: “Sono curioso di vedere il tuo dipinto di cui parla tanto, ho provato più volte a venire nel tuo laboratorio, ma alla fine siccome tutti pensano che non possiamo entrare in casa tua senza un invito, ho deciso di scriverti questa lettera per chiederti di poter vedere i tuoi lavori”. Anche Piotr Bassine, un altro pittore, ha potuto vedere l'Ultimo giorno di Pompei come uno schizzo che lo ha ispirato per il suo dipinto Terremoto a Rocca di Papa vicino a Roma .
All'inizio dell'anno 1833, in una lettera alla Società per l'Incoraggiamento degli Artisti, Alexander Ivanov scrisse: "Brioullov sta finendo la sua pittura e già sorprende Roma e farà lo stesso in Europa". Tuttavia, secondo la testimonianza dell'artista residente a Roma Jacob Ianenko, nella primavera del 1833 il lavoro di Briullov sulla sua tela L'ultimo giorno di Pompei continuava ancora. In una lettera ad Alexandre Brioullov di13 aprile 1833, il pittore Ianenko scrive che il fratello di Alessandro fa miracoli e che il suo nuovo quadro è una meraviglia. Secondo Ianenko, Karl Brioullov si sta rendendo famoso tra i nuovi artisti. Tutti vogliono vedere il suo nuovo dipinto nel suo studio anche se non è finito. Il pittore Mikhail Jeleznov ricorda che quando finì il suo lavoro sulla grande tela, Brioullov non era contento di lui “secondo i suoi calcoli, i personaggi dovevano davvero uscire dalla tela, ma nel dipinto non avevano il rilievo. che voleva dare loro”. Per due settimane Brioullov andò nel suo laboratorio per cercare di capire quale errore avesse commesso. Più tardi Jeleznov riporta i seguenti pensieri di Brioullov: “Mi sembrava che il fulmine sulla carreggiata fosse troppo debole. Ho assottigliato le pietre vicino ai piedi di un guerriero e la figura è emersa dalla tela. Poi ho assottigliato tutta la strada e ho visto che il mio quadro era finito”.
Quando il lavoro sulla tela fu completamente completato, Karl Brioullov iniziò a mostrarlo a Roma nel suo studio in Via di San Claudio . Il committente del dipinto, il principe Anatole Demidoff, pagò quarantamila franchi francesi per il dipinto . La popolarità del dipinto e del suo autore crebbe rapidamente: allora, invece di sentire il solito ciao, come stai? solito nelle strade e nei caffè della capitale si sentiva la frase: "Hai visto il dipinto L'ultimo giorno di Pompei di cui tutti parlano a Roma?" ". Lo scrittore Nikolai Rozhaline, in una lettera al critico letterario Stepan Chevyriov dal25 agosto 1833scrive: “Abbiamo un evento importante a Roma con la mostra di pittura di Brioullov nel suo studio. Tutta la città ha marciato e si è meravigliata”. Secondo il racconto dello stesso autore del dipinto pompeiano , che compare nei ricordi del suo allievo Apollo Moritsky, un giorno arrivò nel suo studio uno dei capi della scuola di artisti romani, Vincenzo Camuccini , che alla fine del pochi minuti davanti al quadro, si avvicinò a Brioullov, lo abbracciò e gli disse: "Baciami, Colosso!" ". Lo scultore danese che ha lavorato a Roma Bertel Thorvaldsen scrive che “nessun artista contemporaneo può dipingere una tale tela, o anche solo comporla. Il pittore Grigori Gagarin scrive che "il successo di questo dipinto Distruzione di Pompei è stato, si può dire, l'unico che sia esistito nella vita di questo artista". Secondo Gagarin, “questa grande opera provocò in Italia un entusiasmo illimitato”: in varie città del Paese, l'autore organizzò solenni ricevimenti del dipinto, “gli furono dedicate poesie, fu portato per le strade con musica, fiori e fiaccole ”.
Da Roma la tela fu trasferita a Milano , dove fu esposta con successo all'Esposizione milanese del 1833 che fu organizzata alla Pinacoteca di Brera . La partecipazione della tela di Brioullov alla mostra è stata resa possibile grazie alla contessa Julia Samoiolova; Il critico Vladimir Stassov nel sottolineare gli sforzi della principessa a tal fine fa riferimento alla lettera di Demidoff al fratello innovembre 1833. Ne derivò la fama dell'artista e la sua pittura fu paragonata a quella di Raffaello , Michelangelo e Tiziano . Brioullov ha ricevuto un diploma honoris causa dall'Accademia di Belle Arti di Milano accompagnato da una lettera che diceva: "Nominandoti membro onorario, l'Accademia ha solo aumentato lo splendore della tua reputazione". Le Accademie di Bologna, Firenze e Parma nominarono anche Brioullov membro onorario.
Entusiasmato dall'eccezionale successo del dipinto su Pompei in Italia, il suo proprietario Anatole Demidoff ha voluto assolutamente esporlo in Francia. Grazie ai suoi sforzi, la pittura di Brioullov è stata inclusa nella mostra del Salon de peinture et de sculpture a Parigi , che ha aperto nelmarzo 1834. Contemporaneamente a L'ultimo giorno di Pompei , al Louvre , dove si è tenuta la mostra dei più famosi pittori francesi, ha esposto: Il martirio di Saint Symphorien di Ingres , Le Supplice de Jane Gray di Paul Delaroche , La battaglia di Maria contre les Cimbres di Alexandre-Gabriel Decamps , La Mort de Poussin di François Marius Granet , The Arab Storyteller di Horace Vernet , Le donne di Algeri nel loro appartamento di Delacroix e altri. Il contenuto di questi dipinti, come quello di Brioullov, era il tema della sofferenza. In generale, l'accoglienza del dipinto di Brioullov a Parigi L'ultimo giorno di Pompei si è rivelata meno entusiasta che in Italia. In particolare, l'autore dell'articolo su The Artist scrive che a suo parere la tela di Brioullov è decisamente troppo grande, e il dipinto è indietro di 20 anni, nonostante sia stato disegnato con molta fantasia. Ancora più negativa la critica pubblicata dal quotidiano Débats : “Non c'è ispirazione in questo lavoro, lascia lo spettatore freddo e disinteressato”. Uno dei motivi di questa accoglienza piuttosto fredda è, secondo il critico della Gazette de France, “il bellissimo dipinto di Monsieur Brioullov è arrivato troppo presto a Parigi dopo la battaglia di Parigi . Nonostante queste critiche sulla stampa, il lavoro di Brioullov è stato elogiato dalla giuria del Salon, che gli ha conferito la grande medaglia d'oro. Secondo la critica d'arte Esther Atsarkina , il dipinto di Karl Brioullov “è stato molto apprezzato dalla giuria perché li ha colpiti dalla grandiosità dell'evento rappresentato, dai sentimenti patetici che emergono, dalla veridicità della situazione descritta”, creando così un “ autentica impressione di un'epopea monumentale”.
Nell'estate del 1834, dopo la fine dell'esposizione parigina, per ordine di Anatole Demidoff, il dipinto L'ultimo giorno di Pompei fu imballato in un'enorme cassa (le dimensioni del dipinto sono 456,5 cm per 651 cm ) che viene caricata su la nave Zar Pietro e inviata dalla Francia a San Pietroburgo via mare.La tela è arrivata a San Pietroburgo in giugno e ad essa era attaccata una cornice di legno dorato. Il proprietario del dipinto doveva chiedere che la tela della cornice e il telaio potessero passare. Lo stesso Demidoff, preso dall'irrefrenabile desiderio di presentare il dipinto alla critica più eminente, torna per strada a San Pietroburgo e vi arriva ancor prima dell'arrivo della barca e della tela. L'imperatore Nicola I per primo accettò di buon grado il tavolo che Brioullov Demidov gli offrì e chiese di esporlo al Museo dell'Ermitage , nell'ex laboratorio dell'artista inglese George Dawe , dove fu installato in agosto. Alla fine di settembre dello stesso anno il dipinto viene spostato in un'apposita sala dell'Accademia di Belle Arti dove è accessibile al pubblico. In una lettera datata12 settembre 1834, Deminoff scrive a Brioullov: “Ho portato il tuo dipinto all'imperatore che l'ha accettato con piacere. […] Peccato che tu non fossi qui, quando tutti ammiravano il tuo lavoro e il tuo straordinario genio”. Demidoff consiglia di non perdere l'occasione di venire qui senza paura, aggiungendo che guadagnerai molto dalla tua presenza e che non sarai trattenuto inutilmente.
L'Accademia di Belle Arti ha informato Briullov che mentre i suoi successi gli sono valsi il posto di professore dell'Accademia, gli è stato assegnato solo il titolo di Membro Onorario Libero . Titolo che gli dava il diritto di indossare l'uniforme di professore principale pur rimanendo nelle file dei consiglieri titolari della Tavola dei Gradi . Il motivo del rifiuto dell'Accademia di assegnare il titolo di professore a Briullov era che il soggetto del suo dipinto L'ultimo giorno di Pompei era una scelta personale che non proveniva dal programma accademico. Secondo gli statuti dell'Accademia, il titolo di professore potrebbe tornare a lui una volta che sarebbe diventato un pensionato distinto che sarebbe tornato in patria dopo un lungo soggiorno all'estero e che sarebbe stato poi penetrato dal programma che il consiglio gli assegna . . il25 settembre 1834Il consiglio dell'Accademia tentò di chiedere e ottenere da Nicola I la prima autorizzazione a conferire eccezionalmente il titolo di professore Brioullov, data la qualità della sua pittura di Pompei, che può essere considerata una delle creazioni più straordinarie dell'Europa di oggi. il29 novembredello stesso anno, il ministero della corte imperiale informa l'Accademia che “l'imperatore sovrano non concesse l'autorizzazione a concedere al pittore Karl Brioullov il titolo di professore, poiché nel caso di specie è necessario rispettare lo statuto della Accademia”. Ma il ministero ha aggiunto che volendo esprimere la sua buona volontà verso questo artista i più brillanti talenti l'imperatore gli ha concesso l' Ordine di Sant'Anna di 3 ° grado (Decreto su questo premio è datato27 novembre 1834). L'imperatore Nicola I offrì per primo oltre a Brioullov un anello di diamanti.
Il padre del pittore, lo scultore Pavel Brioullo (1760-1833), non sopravvisse a questi eventi e morì nelgennaio 1833. Sebbene non abbia mai visto suo figlio Karl dopo una lunga separazione, gli sono giunte voci sul successo di questa, a causa di questa grande tela su Pompei. Il fratello minore di Karl, di nome Ivan, un artista ancora agli inizi, morì, lui, il27 ottobre 1834di tubercolosi all'età di circa 20 anni. Poco prima della sua morte, mentre il dipinto L'ultimo giorno di Pompei iniziava ad essere esposto nella sala dell'Accademia, gli amici di Ivan lo presero per mano per mostrargli il dipinto di suo fratello Karl. Secondo una descrizione della scena, "fu trasportato attraverso una folla enorme che si fece da parte per lasciarlo passare in silenzio". Secondo un'altra descrizione: "hanno portato Ivan in un momento in cui il pubblico non c'era, in una poltrona dell'infermeria dell'Accademia e lo hanno messo davanti alla tela". Dopodiché Ivan resta a lungo in silenzio, seduto davanti al quadro, e per la prima volta dopo tanto tempo non tossisce ma chiude gli occhi, poi li apre come se volesse catturare l'immagine del quadro per tenerlo in lui.
La tela di Brioullov ha ispirato poeti e scrittori a creare opere in versi e in prosa. Al ritorno dalla mostra del 1834 che aveva visto la tela esposta, Alexander Pushkin disegnò uno dei gruppi di personaggi della tela (quella in cui un vecchio è portato dai suoi figli) sotto la quale scrisse una poesia. Sotto l'influenza dell'opera di Brioullov, lo scrittore inglese Edward Bulwer-Lytton scrisse nel 1834 il romanzo Gli ultimi giorni di Pompei . La tela che lo scrittore vide in una mostra a Milano divenne una delle fonti del suo slancio creativo, e i motivi cristiani del romanzo sono probabilmente legati all'immagine del sacerdote raffigurata sulla tela da Briullov.
Nonostante il successo con cui L'ultimo giorno di Pompei era già stato adottato in Russia, ciò non ha impedito a Briullov di essere desideroso di tornare in patria. Cosa fa alla fine del 1835: il17 dicembrearrivò a Odessa da Costantinopoli sulla nave imperatore Nikolai . Come riportato dal quotidiano di Odessa Messenger di4 gennaio 1836, gli abitanti della città attendevano con impazienza di vedere Brioullov e la sua pittura il cui nome aveva acquisito così grande importanza tra gli artisti europei. Nello stesso numero è descritta la cena alla quale ha preso parte il Governatore Generale di Novorussia e Bessarabia , Mikhail Vorontsov e che ha concluso con un brindisi dicendo: "Siamo lieti di essere i primi nostri connazionali per voi. assicuriamoci di il nostro rispetto e la nostra gratitudine che ogni russo proverà di fronte all'Ultimo giorno di Pompei ”.
All'inizio del mese di gennaio 1836(secondo altri dati nel 1835), Brioullov lascia Odessa per Mosca dove trascorrerà diversi mesi. Durante un pranzo in suo onore offerto dalla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura di Mosca , il28 gennaio 1836, il cantante baritono Nikolai Lavrov (ru) esegue la canzone Dov'era l'aquila bicipite , il cui testo era il seguente: "Riporterai il trofeo della pace / Con te all'ombra del padre / Ed era l'ultimo giorno di Pompei / E il primo giorno della pittura russa! ". L'autore della musica era il compositore Alexey Verstovsky e il compositore dei versi, Yevgeny Baratynski (secondo altre fonti l'autore dei testi era Stepan Chevyriov ).
Brioullov rimase a Mosca per alcuni mesi, poi accompagnato da Michel Zagoskine , si recò a San Pietroburgo. Al suo arrivo all'Accademia di Belle Arti, fu organizzato un ricevimento su11 giugno 1836. L'evento solenne è descritto in dettaglio in una lettera del pittore Andrei Ivanov (ex mentore di Briullov) a suo figlio Andrei Ivanov (pittore) , datata8 agosto 1836. Secondo la lettera di Ivanov, la tavola era apparecchiata davanti al dipinto L'ultimo giorno di Pompei, davanti al quale alla distanza di un sagen c'era una rete metallica in modo che non ci si avvicinasse al dipinto. Un brindisi va a Karl Brioullov per la sua pittura che "ha glorificato in Europa il nome di un pittore russo" .
Nel 1851, il dipinto L'ultimo giorno di Pompei , che era conservato presso l'Accademia di Belle Arti, fu trasferito nell'edificio di nuova costruzione del Nuovo Ermitage , dove fu installato nell'aula della scuola russa. Durante il suo soggiorno al Nouvel Ermitage, fu spesso copiato da artisti studenti. Dopo la morte di Alessandro III , il museo di Alessandro III divenne il Museo Russo e la tela vi è installata ed è ancora lì oggi. Il Museo Russo è ospitato nel Palazzo Mikhailovsky e la tela si trova nella stessa stanza di altri dipinti di Briullov come L'assedio di Pskov . Nella stessa sala si trovano anche Il serpente di bronzo (ru) e La morte di Camille, sorella di Goratsia Fyodor Bruni , Martiri cristiani al Colosseo di Costantino Flavitsky , L'apparizione di Cristo a Maria Maddalena dopo la sua risurrezione Alexander Ivanov , L'ultima cena di Nikolai Gay e due o tre tele di Ivan Aïvazovsky . Va notato che all'Ermitage e dopo il trasferimento al Museo Russo, il dipinto di Brioullov L'ultimo giorno di Pompei si trovava proprio accanto al Serpente d'ottone del russo di origine italo-svizzero Fyodor Bruni . Scriveva Alexandre Benois : "I due colossi della pittura russa hanno trovato il loro posto sulla stessa parete [...] come se questi giganti fossero davvero opere gemelle". Lo storico francese Louis Réau scrive:
"Geloso del successo dell'Ultimo giorno di Pompei, lo svizzero-italiano Bruni costruì nel 1838 una grande macchina biblica: l'Erezione del Serpente di bronzo che è ancora più cava e più spenta del suo modello"
Eduard Hau per l'interno del Nuovo Ermitage che esponeva : Il Serpente di bronzo opera di Fyodor Bruni e L'ultimo giorno di Pompei opera di Karl Bryullov
L'ultimo giorno di Pompei al Museo Russo
Durante la seconda guerra mondiale , una parte dei dipinti della collezione del Museo Russo fu evacuata. Per dipinti di dimensioni come L'ultimo giorno di Pompei , sono stati preparati tronchi d'albero con una lunghezza di 10 metri e un diametro da 60 cm a 120 cm per poter arrotolare le tele. Poi queste tele arrotolate sono state protette in una cornice di legno di compensato e ricoperte di camoscio . Il primoluglio 1941, gli oggetti del museo pronti per essere evacuati sono stati inviati alla stazione di Mosca poi da un convoglio speciale al centro di sicurezza di Nizhny Novgorod (ex Gorky), e infine dal Volga e dal Kama a Perm (ex Molotov). Una volta lì i dipinti e le altre opere furono collocate nella Galleria d'arte regionale dell'Oblast di Molotov (ora chiamata Perm e Galleria nazionale di arte di Perm ), situata negli edifici della Cattedrale della Trasfigurazione a Perm . Dopo l'occupazione e la guerra, i dipinti tornarono al Museo Russo in casse di legno e arrivarono su17 aprile 1946 a Leningrado.
Nel 1995 ha avuto luogo un importante restauro della tela. Durante questo sono stati eseguiti il raddoppio della cornice su una nuova tela, il rinforzo della pittura ad olio , la rigenerazione della vecchia lacca e la tintura delle perdite di colore, l'eliminazione delle impurità, il restauro dei bordi e il posizionamento delle pezze. sul retro della tela. Questo restauro è avvenuto nella sala delle colonne dell'Aile Benois , dove è stata collocata la tela. I lavori di restauro sono opera di un gruppo di restauratori del Museo Russo , tra i quali si segnala la presenza di Irina Korniakova, Alexander Minin e Yevgeny Soldatenkov.
Il dipinto L'ultimo giorno di Pompei si trova nella sala № 14 del Palazzo Mikhailovsky , dove sono presenti altri dipinti di Briullov e alcuni dipinti di Ivan Aivazovsky ( La nona onda e altri).
Il dipinto rappresenta le vicende di Pompei al tempo della catastrofica eruzione del Vesuvio. Il luogo scelto da Brioullov per lo svolgimento della scena è la Rue des Tombes ( Strada dei Sepolcri o Via dei Sepolcri ), che visitò nel 1827. Il firmamento è coperto di nere nuvole temporalesche, all'orizzonte brilla un bagliore rosso sangue, l'oscurità nel cielo è solcata da lunghi lampi penetranti. Le scosse del terreno fanno crollare gli edifici.
Le persone cercano di sfuggire alla natura infuriata, tra urla, preghiere e gemiti. La tragedia fa emergere i loro sentimenti e svela l'essenza dell'anima umana in tali circostanze. Alcuni personaggi diventano personificazioni della generosità: di fronte al pericolo mostrano sentimenti esaltati, dedizione, coraggio e amore. Tra loro, alcuni figli portano sulle spalle un padre storpio, un giovane cerca di convincere la madre a scappare con lui. Una madre e le sue due figlie stanno ferme: la loro fede in Dio è così forte che mettono tutte le loro forze nella preghiera. Accanto a loro, un prete cristiano osserva senza paura ciò che sta accadendo davanti a lui. Una famiglia cerca di superare la propria paura fuggendo. Un giovane sposo, dimenticando il pericolo, guarda il volto morto della sposa. La figura al centro del dipinto è una donna caduta da un carro e ferita a morte mentre il suo bambino rimane vivo accanto a lei. Molti gruppi di figure sono sui gradini della tomba di Scauro e riconosciamo in mezzo ad essi il pittore Briullov che volle rappresentarsi sulla tela. Ci sono anche personaggi negativi, come questo prete pagano che fugge impaurito e un ladro che raccoglie gioielli caduti.
Nonostante il fatto che la maggior parte delle figure sia rappresentata da Briullov seminudo, il drappeggio gioca un ruolo importante nello schizzo della loro silhouette. I vestiti di tela leggera dei soggetti cadono in pieghe ondulate, permettendo di delineare chiaramente i contorni dei loro corpi. L'uso delle pieghe dei panneggi testimonia una buona conoscenza da parte di Brioullov dei capolavori dell'arte antica; inoltre, alcuni schizzi iniziali del dipinto mostrano l'influenza diretta esercitata dall'antica arte dei vasi in ceramica. Man mano che il dipinto continuava, la posizione di ciascun personaggio e la natura del drappeggio utilizzato venivano resi con ancora maggiore precisione. Secondo Era Kouznetsovoy , "è solo attraverso il suo duro lavoro che l'artista è riuscita a trasmettere i sentimenti di grandezza e bellezza che ci seducono ancora oggi".
Per la costruzione della composizione della sua tela, Brioullov usa l' accademismo . I personaggi sono divisi in gruppi distinti che si dispongono nel rispetto dell'equilibrio secondo la massa degli altri gruppi. Inoltre, secondo i canoni accademici, il pittore utilizza una rigorosa alternanza di piani: le figure in primo piano hanno forme scultoree convesse, sporgenti rispetto alla silhouette delle figure poste sullo sfondo. Anche i colori sono stati scelti secondo gli stessi principi. Per il primo piano in ombra l'artista utilizza toni densi tra cui rosso, blu, arancione brillante, marrone. Per lo sfondo usa mezzitoni sbiaditi, tra cui azzurro pallido, verde chiaro e giallo dorato. L'opposizione tra i luoghi in ombra del dipinto e quelli illuminati conferisce alla composizione un certo dinamismo. Il carattere innovativo di Brioullov si esprime nell'audacia con cui affronta il problema della rappresentazione delle fiamme rosse del vulcano e della luce bianca dei fulmini.
Nella composizione del dipinto, l'artista si allontana dalle tradizioni e dalle norme del classicismo : l'azione si sviluppa così non solo in primo piano ma anche più profondamente nel dipinto; non tutti i gruppi di caratteri si trovano nel triangolo classico. Riprende caratteristiche sia antiche, quelle del classicismo , sia nuove, quelle del romanticismo .
La giovane donna caduta da un carro con il suo bambino è il gruppo più centrale nella versione finale della tela. Per molto tempo Brioullov ha cercato di trovare una variazione su questo gruppo centrale della composizione. In una prima versione, il pittore rappresentava un ladro di Pompei chino sul corpo della defunta per rubarle i gioielli. Quindi il ladro fu sostituito da una giovane ragazza, ma nella versione finale rimane solo l'immagine della madre morta con il figlio vivo. Lo stesso pittore descrive così questo gruppo in una lettera al fratello Teodoro datatamarzo 1828 : “... Al centro del quadro, una donna che è caduta a terra e ha perso conoscenza; il suo bambino è vicino al suo petto, ma non tiene più la mano di sua madre, si aggrappa ai suoi vestiti e guarda in silenzio il corpo senza vita; dietro di essa vediamo la ruota rotta del carro da cui è caduta la giovane. ". Secondo alcune fonti, a rappresentare la donna morta sarebbe stata la contessa Yulia Samoylova a fare da modella.
Secondo il critico d'arte Galina Leonteva , la donna caduta dal carro al centro del dipinto simboleggia la bellezza ma anche la fine del mondo antico; allo stesso tempo, il bambino che striscia lungo il corpo della madre, "può essere percepito come un'allegoria del nuovo mondo che deve svilupparsi sulle rovine del vecchio mondo". Lo storico Alla Vereshchaguina nota che il bambino, con i suoi riccioli dorati, occupa il centro della composizione, e che sua madre con il suo vestito giallo brillante e la sua sciarpa blu rappresenta il centro dei colori della tela. Secondo Verectchaguina, "le ricette classiche non permetterebbero di risolvere il problema posto dal centro dell'immagine con la coppia della madre morta e un bambino vivo", "il romanticismo rivela deliberatamente l'opposizione tra la vita e la morte e rivela le intenzioni del pittore”.
Plinio e sua madreIl gruppo di Plinio e della madre fu ripreso dal pittore sotto l'influsso della lettura della testimonianza di Plinio il Giovane che descrive le vicende di Pompei allo storico Tacito . Nonostante Plinio si trovasse a Misene , situata a poche decine di chilometri da Pompei, per rafforzare l'effetto drammatico della sua pittura, Brioullov si permise di deviare dalla verità storica dei fatti. Descrivendo questo gruppo in una lettera al fratello Teodoro, scrisse: "... introduco un episodio accaduto allo stesso Plinio: la madre di quest'ultimo, indebolita dall'età avanzata, non gode di buona salute. figlio di scappare da solo. Ma il figlio, usa tutte le sue forze per portarla con sé. Questo episodio avvenne a Capo Misene , come racconta Plinio in una lettera a Tacito . Brioullov lo localizzò a Pompei, a diverse miglia di distanza da questo promontorio, per rappresentare un esempio di amore filiale tra i diversi gruppi della sua pittura.
Il gruppo di Plinio e sua madre è uno dei primi a comparire negli schizzi del pittore. Nelle prime versioni della composizione, il gruppo è rappresentato a sinistra, mentre nelle successive variazioni che seguono, viene progressivamente spostato sempre più a destra. Il pittore ritrasse Plinio il Giovane mentre tentava di persuadere la madre esausta a scappare con lui e se il suo destino è morire, morire insieme. Da una parte un figlio che rischia la vita che non può abbandonare alla morte la madre e dall'altra una madre che implora il figlio di salvarsi la vita. Incapace di rispecchiare appieno le emozioni e il gioco dei sentimenti sui volti di Plinio e della madre, il pittore trasmette il dialogo drammatico riproducendo i gesti dei personaggi. Il movimento della mano della vecchia madre che spinge via il figlio quando vuole abbracciarlo è una bella espressione del sacrificio di una madre.
Secondo il critico d'arte Olga Liakovskaya , le teste di Plinio e di sua madre sono rappresentate con grande naturalezza e sono a immagine degli italiani contemporanei di Briullov. L'immagine della madre è un tipico esempio del carattere e dell'energia di un'anziana donna italiana. Secondo Galina Leonteva il gruppo di Plinio e sua madre è la scena più drammatica ed espressiva della tela.
I figli che portano il padreUn gruppo composto da un figlio soldato e un giovane che trasporta un padre anziano è apparso relativamente rapidamente negli schizzi del dipinto di Brioullov. All'inizio il gruppo era molto numeroso tanto che durante l'avanzamento della tela l'artista cambiò il principio della sua costruzione. Brioulov descrive così questo gruppo in una lettera al fratello Teodoro: "Tra il gruppo formato da Plinio e sua madre e il sacerdote pagano vediamo due giovani pompeiani, che portano sulle spalle il loro vecchio padre [...]". Secondo la storica dell'arte Olga Liakovskaya per rappresentare questa scena del padre portata dai figli Briullov utilizzò i principi della costruzione di gruppo della tela di Tintoretto Rapimento del corpo di San Marco d'Alessandria .
I figli portano sulle spalle il padre invalido, ignari del proprio destino, temendo solo per la vita del padre. Sebbene la sua testa sia per metà in ombra, il gesto della sua mano alzata con le dita aperte, esprime la sua paura e compensa la mancanza di espressione sul suo viso seminascosto. I figli che trasportano il padre compiono movimenti rapidi, come dimostra la distanza delle gambe di uno di loro come in una corsa. Tuttavia, secondo il critico d'arte Magdalena Rakova , sulla tela questo gruppo sembra congelato e immobile. La differenza tra i movimenti dei due figli deriva dal fatto che Brioullov vuole dare ad ogni personaggio una personalità e un atteggiamento individuale. È particolarmente visibile a livello delle loro gambe: "muscolose, stanche per le lunghe marce richieste ai soldati, fatte magre, delle gambe dei giovani". Secondo Olga Liakovskaïa , la testa della più giovane è resa con una vita eccezionale: "è disegnata con uno straordinario rilievo, quasi al centro della tela e attira lo sguardo dello spettatore con i suoi occhi morbidi, neri e vivi".
La madre e le sue due figlieIl gruppo della donna con le sue due figlie, come quello di Plinio con la madre, è uno dei primi a comparire negli schizzi di Briullov. Nelle prime variazioni della composizione, la madre, alzando le braccia al cielo, e le sue figlie erano sullo sfondo e venivano mostrate di spalle. Rendendosi conto di ciò che questo gruppo di figure poteva apportare all'intero dipinto, il pittore lo ha quindi spostato in primo piano, apportando modifiche ai gesti e alla posizione della madre e delle figlie. L'artista descrive questo gruppo in una lettera al fratello Teodoro: "Sul lato destro, metto in ginocchio la madre e le sue due figlie (i loro scheletri sono stati trovati in questa posizione tra le rovine)" .
La critica d'arte Magdalena Rakova nota la semplicità della composizione e la chiarezza del conflitto psicologico di questo gruppo madre-figlia. Secondo lei, questo gruppo è costruito come un triangolo isoscele tipico della composizione nel classicismo, magistralmente eseguito senza sacrificare la precisione dei bordi del triangolo. L'unificazione di questo gruppo è ottenuta dal gesto ampio e tenero della madre che abbraccia con le mani le figlie. Il movimento è chiuso dalla mano sinistra della ragazza che abbraccia la giovane sorella. Rakova sottolinea anche la somiglianza di questo gruppo con l'antico motivo di Niobe e dei suoi figli trafitti da frecce da Artemide ( Diana nell'antichità romana) e Apollo . ( Diana e Apollo trafiggono i figli di Niobe con le loro frecce ).
La critica Olga Liaskovskaya ha notato che l'aspetto della madre ricorda la contessa Yulia Samoylova, la cui immagine sembra aver ispirato Briullov per molti dei suoi personaggi femminili. Galina Leonteva ritiene che le fattezze della contessa Yulia Samoylova si trovino non solo nell'aspetto della madre ma anche in quello della figlia maggiore. Alcuni autori ritengono che le figlie del dipinto di Brioullov potrebbero essere le eroine del dipinto di Brioullov intitolato Cavaliere (1832) che sono Giovannina e Amatsilia, le figlie adottive della contessa Yulia Samoylova .
Gli sposiniIl gruppo dello sposo con il corpo della sposa esanime tra le braccia è introdotto tra gli ultimi nei soggetti del dipinto, collocato nella parte destra del dipinto di Brioullov, rappresenta una delle scene più tristi del dipinto. Dimostra che ci sono momenti nella vita in cui "la montagna è più potente della paura della morte": non ascolta né il fulmine né il fulmine, né le grida delle persone intorno a lui il giovane sposo guarda senza sosta il volto pallido della sposa che è appena morta, i fiori che formano una corona tra i suoi capelli non sono ancora appassiti.
La storica dell'arte Olga Liskovskaya sottolinea che, a differenza delle altre figure, la figura della sposa è disposta in modo molto audace dal punto di vista della prospettiva, a causa dell'angolo formato con le sue spalle.
Pompeiano che ripara la sua famiglia sotto il suo mantello e alza la mano sinistraIn una lettera al fratello Theodor, il pittore descrive così il gruppo familiare ai piedi delle scale della tomba di Scauro: “la famiglia fuggì per trovare rifugio in città: il marito si coprì con il suo mantello. sua moglie. Tiene nel braccio destro un neonato e con la mano sinistra cerca di proteggere l'anziano che cammina tra i suoi genitori” . Questo gruppo è apparso in una fase iniziale nella realizzazione della tela. Trovò il posto che gli si addiceva direttamente nella composizione, così che l'artista non doveva spostarlo. I loro movimenti e l'espressione del loro stato d'animo sono espressi con uguale forza dal pittore. La bocca dell'uomo rimane aperta ed esprime l'orrore di questi momenti. Il modello prototipo di questo gruppo familiare è diventato il lanciatore del peso e giocatore di pallone in Italia, Domeniko Marini. Il suo ritratto fu dipinto da Briullov nel 1829 e si trova oggi nella Riserva-Museo di Novgorod . Un'iscrizione in lingua italiana sul retro della tela indica che si tratta del: "Ritratto del famoso giocatore di pallone Domenico Marini" dipinto da Brioullov Karl, pittore russo residente a Roma nel 1829. Magdalena Rakova nota che la figura del padre protettore la sua famiglia dal suo mantello doveva, secondo l'intenzione di Briullov, essere catturata in un rapido movimento. Ma sulla tela, sembra pietrificata e in una posizione eretta instabile. L'uomo è mostrato in piedi sulla gamba destra, come se continuasse la sua corsa, subito dopo essere passato sul corpo di una donna a terra. Ma sembra ancora immobile come gli altri membri della sua famiglia.
Il prete pagano e il prete cristianoIn una lettera al fratello Theodor, Karl Brioullov descrive così la rappresentazione del sacerdote pagano: “A destra della donna caduta sulla carreggiata, un sacerdote porta oggetti di culto e di sacrificio coprendosi il capo e si precipita in avanti. in una direzione imprecisata […]”. Nelle prime composizioni Brioullov aveva collocato il personaggio di questo sacerdote sui gradini della scalinata della tomba, poi lo aveva spostato a destra. In schizzi successivi, questo sacerdote è raffigurato ulteriormente sullo sfondo. La sua figura perde così l'importanza che aveva nelle prime variazioni della composizione.
Il sacerdote cristiano è una delle ultime figure nella ricostruzione della composizione. È in piedi davanti alla madre con le sue due figlie, nella parte più a sinistra del dipinto, in modo che una parte del suo corpo sia tagliata dal bordo del dipinto. Sentiamo nel suo aspetto un misto di rigidità e determinazione nel movimento che lo ha portato in questo luogo in rue des Tombes. Questo prete è "uno dei rari personaggi del dipinto che, senza paura, volge il viso e gli occhi verso il fulmine e la catastrofe", come se fosse "pronto a entrare in duello contro gli elementi infuriati".
Secondo Alexeï Savinov, le immagini dei sacerdoti pagani e cristiani simboleggiano rispettivamente il tramonto del vecchio mondo e l'alba dei tempi nuovi: "... non è un caso che il sacerdote pagano sia fuggito nel mondo. confusione, con il capo coperto, come il nuovo prete cristiano si reca sul luogo del disastro con una fiaccola e un turibolo in mano soddisfatto di vedere crollare le statue delle divinità pagane”.
Gruppo sui gradini della tomba di ScauroKarl Brioullov descrive questa parte della composizione in una lettera al fratello Theodore: “... in fondo al gruppo (della madre e delle sue due figlie) possiamo vedere un gruppo che si accalca sulle scale che portano alla tomba di Scauro, proteggendosi il capo, uno con uno sgabello, l'altro con un vaso (tutti oggetti raccolti al museo)”. Nella folla che sta sui gradini della tomba di Scauro si verificano due movimenti inversi. Da una parte chi cercava di fuggire sotto il tetto della tomba e cercava di uscire, spaventato alla vista dei crolli degli edifici dall'altra parte della strada. Al contrario, si stanno dirigendo verso di loro persone che, al contrario, stanno ancora cercando di rifugiarsi nella tomba. Sul pianerottolo di sopra, dove si accalcano i due flussi di persone opposti, un personaggio mezzo calvo e avido si insinua in avanti, sporgendosi in avanti e raccogliendo monete d'oro sulle scale. Anche in un momento così terribile, il suo unico obiettivo è l'avidità a cui non può resistere. Nella parte destra del gruppo sulle scale, dove si fermano i movimenti contrari della folla, il pittore con la sua custodia di pennelli e accessori è circondato da due giovani donne. Una tiene un vaso tra le mani e guarda ansiosa il cielo, e l'altra con la testa in una sciarpa azzurra che fluttua libera la brocca che teneva sulla testa con entrambe le mani alzate.
Secondo il critico d'arte Galina Leonteva, le persone sulle scale della tomba di Scauro non possono essere divise. Costituiscono tutti un gruppo comune o agiscono tutti di concerto ma ciascuno per se stesso . Un pompeiano sale i gradini, sollevando sopra la testa una pesante panca con la quale cerca di proteggersi dalle cadute di grosse pietre che cadono. Un altro uomo è già entrato dall'ingresso, è uno dei primi, ma in preda al panico, già torna sui suoi passi e guarda l'architrave sopra di lui. A destra dell'ingresso tre figure, due giovani donne e un giovane. La donna con una brocca in testa è l'unica figura del dipinto a guardare negli occhi gli spettatori. Il suo sguardo triste e commosso mostra che "il suo destino è chiaro, anche il destino della città, anche di tutte le persone intorno a lei, lascia cadere le braccia e la sua brocca cade a terra". L'artista dietro di lei guarda il cielo in fiamme: "...In questo fatidico momento non ha rinunciato a ciò che gli è più caro, ovvero la sua scatola con i suoi pennelli e le sue pentole di colore.". L'artista con i suoi pennelli e la giovane donna con la sua brocca in testa sono i personaggi introdotti successivamente nella composizione della tela di Brioullov. La storica dell'arte Olga Liaskovskaya ipotizzò che la giovane donna con la brocca avesse avuto come modella per il pittore la famosa Vittoria Caldoni , che in seguito divenne moglie del pittore russo Grigory Laptchenko . Galina Leonteva vede come questa ragazza quelle dell'amica di Brioullov, la contessa Yulia Samoïlova .
Madeleine Rakov nota che l'immagine dell'artista con la sua scatola piena di pennelli è vicina all'autoritratto di Briullov del 1833 al Museo Russo , non solo nei tratti del viso, ma anche nell'interpretazione del carattere della modella. Secondo Rakova, Brioullov si rappresenta con lo stesso stato d'animo in entrambi i dipinti: è in una situazione tesa e questo è espresso tanto dal gioco dei muscoli del viso quanto da un'illuminazione molto brillante. Secondo la critica d'arte Marina Choumova , l'introduzione dell'autoritratto di Brioullov nella composizione è un dettaglio del tutto romantico, poiché “l'artista diventa in qualche modo complice nella rappresentazione dell'evento e tutto ciò che accade sul web passa attraverso il prisma della propria esperienza visiva”.
Altri caratteriIl cavaliere sul cavallo bianco che si impenna , rappresentato nella parte destra della tela è una delle figure riprese successivamente durante la composizione della tela di Brioullov. Sembra che il gruppo sia stato aggiunto per bilanciare la composizione della metà campo della tela. L'improvviso alzarsi della mano sinistra riflette l'esaltazione dei sentimenti e delle passioni. Così, ancor più degli altri personaggi, si trova in uno stato di comunione con gli elementi scatenati.
Al centro della composizione, dietro la donna schiacciata stesa a terra, vediamo una ruota rotta e il carro che continua il suo viaggio su un'unica ruota con il cocchiere a terra che tiene le redini mentre i cavalli inermi continuano il loro viaggio verso un ponte.
L'artista e la sua scatola di colori.
La contessa Yulia Samoïlova e le sue figlie Giovannina e Amazilia furono le modelle del pittore
I corpi del cavaliere e del cavallo sono uniti davanti alle forze della natura scatenata
Una madre chiede al figlio Plinio di abbandonarla e salvarsi
I cavalli del carro che è caduto affondano verso il fondo del palco dove il caos è maggiore
Il Museo Russo conserva l'album di Brioullov con i suoi primi schizzi per L'ultimo giorno di Pompei , ordinato fuori ordine dal pittore. Tuttavia, insieme agli schizzi, questi schizzi forniscono ulteriori informazioni sul lavoro di Briullov nella composizione del suo dipinto e sulla posizione dei diversi gruppi di figure. L'album degli schizzi di un altro artista per questo dipinto si trova nelle collezioni della Galleria statale Tretyakov . Vi si trovano anche tre schizzi grafici, datati 1828-1830. Tra questi uno dei primi schizzi per la tela (carta seppia, penna, 15,5 x 18,9 cm (inventario n o 11733), dalla collezione di Ilya Ostroukhov . Il secondo disegno dalla collezione della Galleria Tretyakov è descritto come una variante di schizzo (carta, inchiostro, spazzola, penna, 17.5 x 24.4 cm (inventario n o 15734), anche da collezione Ostroukhov). il terzo disegno dalla galleria Tretyakov è anche descritto come una variante schizzo e fu acquistata da Pavel Tretyakov più tardi del 1893 ( carta su cartone, seppia , inchiostro, penna, la grafite matita), 51 × 71,9 cm (inventario n o 3175). Inoltre, uno schizzo grafico fatto in seppia è conservata nelle collezioni del Museo Russo , e un altro nella collezione di lo storico Museo di belle arti nella città di Murom (matita, carta, 65,5 × 89 cм (inventario n o М-7267.Г-176).
Uno dei bozzetti creati da Brioullov prima della sua pittura L'ultimo giorno di Pompei è conservato presso il Museo Russo (carta su cartoncino, olio, 58 × 81 cm , (inventario n o Ж-5081). Questo disegno è datato al 1828, e Karl Brioullov lo ricorda in una lettera al fratello Theodore: “è uno schizzo commissionato dalla contessa Razoumovskaya” . C'è ancora un altro schizzo del dipinto nel Museo Russo ( “una delle prime varianti dello sviluppo del tema” ) , datato alla fine degli anni 1820 (carta su cartone, olio), (17,5 × 19,7 cm ), (inventario n o Ж-7867), e anche una "testa modello" (carta su tela, olio, 17,2 × 17,2 cm , (inventario n. o Ж-11809) introdotto da V. Tarassov nel 1992. Nelle collezioni della Galleria Tretyakov è conservato un bozzetto ad olio e a matita italiana su tela in quadrato (58 × 76 cm , 1827-1828, (inventario n o Ж -11015), acquistato nel 1929 dal Museo Ilya Ostroukhov , uno schizzo è conservato al Gal at Galleria d'arte nazionale di Perm (dal 1827-1828 al 1986 era in una collezione privata).
Schizzo 1 Galleria Tretyakov
Schizzo 2 (galleria Tretyakov)
Schizzo (Galleria Tretyakov)
Schizzo del Museo Russo
Schizzo 3 1827-1828 Galleria Nazionale di Perm Art
Schizzo del 1827-1828 (Galleria Tretyakov)
Schizzo 6 su carta a matita Museo Mourom
Schizzo 8/1828 Museo Russo
Testa modello per L'ultimo giorno di Pompei
Lo scrittore Nicolas Gogol nel suo articolo L'ultimo giorno di Pompei , scritto inagosto 1834e pubblicato nel gennaio 1835 nella serie Arabesques , considerato il dipinto come uno dei più notevoli dei primi del XIX ° secolo, "una resurrezione della pittura che è stato a lungo è rimasto in un semi-letargo" e se stesso come Brioullov "Il primo dei pittori la cui plastica ha raggiunto l'apice della perfezione". Paragonando Brioullov a celebri predecessori, Gogol scrive: “I suoi personaggi, nonostante l'orrore della loro situazione, non contengono in sé la loro paura, provocando brividi, come fanno le austere creature di Michelangelo . Né sono posseduti da quei sentimenti, tanto insondabili quanto sottili, per i quali tutto si compie come i soggetti delle tele di Raffaello . I personaggi di Brioullov sono bellissimi nonostante tutto l'orrore in cui sono inseriti. Sono assorti nella loro bellezza”. È qui che Gogol colloca la perfezione raggiunta dall'artista in quanto in questa catastrofe riesce a mostrare tutta la bellezza dell'uomo e la grazia suprema della natura.
Il critico italiano Francesco Ambrosoli (it) , pubblicò nel 1833 un opuscolo che descriveva in dettaglio il dipinto L'ultimo giorno di Pompei . Scrive che questo dipinto "meritava bene la sorpresa che suscitò" a Roma e Milano e che "questo basterebbe a stabilire la gloria del grande pittore". Secondo Ambrosoli, il confronto del talento del pittore russo con la maestria dei suoi illustri predecessori italiani è del tutto accettabile: troviamo nella sua tela la monumentalità di Michelangelo , la grazia del Beato Angelico , "a volte ricorda Raffaello , a volte sembra resuscitare Tiziano ”. Continua Ambrosoli “tutti i suoi motivi sono disposti così correttamente e collegati tra loro con tanta arte, tanta freschezza e così lontani da ogni imitazione servile che ognuno inconsapevolmente si dice: ecco un pittore che ha padroneggiato perfettamente la sua arte! "
Il pittore Fiodor Bruni , lavorò per anni alla monumentale tela " Il serpente di bronzo ", descrisse L'ultimo giorno di Pompei in una lettera allo scultore Samuel Galberg datata17 marzo 1834. Rendendo omaggio a Brioullov, scrive che questo nuovo dipinto del suo concorrente "è molto bello, soprattutto per il pubblico". Descrivendo gli effetti dell'eruzione vulcanica e del terremoto e le figure dei personaggi che corrono in tutte le direzioni, Bruni riferisce anche che la scena "è molto complessa e fa una forte impressione". Nota anche "il terribile effetto ottenuto grazie al fulmine, che si congela nell'aria per illuminare la scena rappresentata in modo mirabile artistico". In questa stessa lettera sottolinea l'insufficiente diversità psicologica degli attori della tela e scrive: "Sono forse un po' esigente, ma mi piace vedere sentimenti profondi nella pittura".
Il pubblicista e scrittore Alexander Herzen ha scritto del dipinto L'ultimo giorno di Pompei in diverse occasioni nelle sue lettere, diari e altre opere. In particolare, nel suo saggio Nuova fase della letteratura russa , pubblicato nel 1864 sul quotidiano “ La Cloche ”, descrive così le sue impressioni su questo dipinto di Brioullov: “Su questo grande quadro si vedono gruppi di persone spaventate che cercano di fuggire mentre altri muoiono per il terremoto, per l'eruzione vulcanica; cadono sotto il colpo di una forza naturale che colpisce ingiustamente e contro la quale ogni resistenza è vana. Questo è ciò che ispira il dipinto a San Pietroburgo”. Hersen paragona le forze inevitabili della natura con il potere dispotico che regna in Russia; vede così in questo dipinto un'allegoria e una metafora , che forse non facevano parte degli obiettivi coscienti dello stesso Briullov.
Il pittore e critico Alexandre Benois nel suo libro " Storia della pittura russa del XIX ° secolo ," la cui prima edizione è stata pubblicata nel 1902, scrive che per lui la pittura L'ultimo giorno di Pompei ha rappresentato "un fuoco d'artificio, un finale d'opera prodigiosa, eseguita così perfettamente, con tutte queste belle comparse così ben raggruppate, che deve aver prodotto un effetto sbalorditivo sugli spettatori”. Allo stesso tempo Benois sentiva che il pubblico e i pittori erano così entusiasti di questo dipinto che era così attraente "per il suo pathos invecchiato ma violento" . Allo stesso tempo Benois si congratula con i gruppi di modelli rappresentati su questa tela e in particolare il gruppo che si trova sulla scala di cui una parte cerca di oltrepassare una porta mentre l'altra si ritira con il terrore segnato sul volto e tra questi l'artista Brioullov se stesso con i pennelli in una cassa sulla testa che lancia uno sguardo curioso verso il cielo rabbioso.
Il critico americano George Heard Hamilton (1910-2004), in una monografia sull'arte e l'architettura in Russia, scrive che il successo riscosso da L'ultimo giorno di Pompei potrebbe essere spiegato dal fatto che lo spettatore potrebbe trovare in questa tela qualcosa a suo simpatia. Secondo il critico, la pittura di Brioullov è un'interpretazione melodrammatica di un tema classico con molti dettagli realistici, che anche nel nostro tempo continuano a colpire con la forza del loro impatto. Hamilton considera la pittura di Brioullov artisticamente impeccabile con le sue tracce di influenza di Raffaello , Nicolas Poussin e Jacques-Louis David e i suoi effetti scenici nello stile di Horace Vernet . Nella sua luminosità la tela supera per Hamilton le opere degli ultimi rappresentanti della Scuola di Pittura di Bologna .
Secondo il critico d'arte Alexeï Savinov , “il grande tema” del dipinto “L'ultimo giorno di Pompei” è stato il cambio di epoca provocato dalla catastrofe che ha interrotto il regolare corso della vita. Savinov osserva che Briullov, mostrando l'irruzione spontanea delle forze della natura nella società umana, "ha presentato una nuova comprensione della storia per il suo tempo", che avviene non attraverso l'intervento di re o generali, ma da quello delle forze naturali. Il critico scrive che Brioullov era così desideroso di essere veritiero e preciso nella sua rappresentazione dell'antichità che amava, che ancora oggi gli crediamo, indipendentemente dalle sue idee convenzionali, dai mezzi artistici e dalle tecniche personali”. Per Savinov, “Brioullov ha avuto il destino di innovatori, dal primo giorno in cui il suo lavoro è stato conosciuto”.
Il critico d'arte Alla Vereshchaguina osserva che la scelta del soggetto per la sua tela da parte di Briullov non ha precedenti nella pratica della pittura storica classica: il pittore non mostra un eroe che compie un'impresa in orgoglioso isolamento o circondato da ammiratori delle sue azioni di schegge. Al contrario, la catastrofe rappresentata colpisce contemporaneamente molti spettatori e ha permesso per la prima volta in Russia di avvicinare il popolo alla pittura storica. Brioullov mostra una moltitudine di personaggi piuttosto idealizzati e astratti, senza particolari caratteristiche sociali, e Vereshchaguina prosegue sottolineando che è difficile stimare il valore storico dato dall'autore alla sua tela ma si può dire che: “[.. . . .] Fino a lui nella pittura storica si sentiva che la voce del solista, Brioullov, faceva sentire il coro. Secondo la critica d'arte il pittore ha portato la pittura storica a un livello di conoscenza contemporaneo pur rappresentando il passato. In larga misura ciò è stato possibile per lui grazie al fatto che è stato attratto dalla verità storica e dalla rappresentazione fedele dell'architettura, dell'abbigliamento e dell'aspetto nazionale italiano degli eroi nel dipinto.
La storica dell'arte Svetlana Stepanova osserva che il dipinto L'ultimo giorno di Pompei, arrivato in Russia nel 1834, non fu solo una delle realizzazioni della Scuola nazionale di pittura russa, ma un vero fenomeno che accelerò l'evoluzione dell'arte in Russia. Trovata all'inizio all'Accademia di Belle Arti, poi dal 1851 all'Ermitage, questa tela è stata a disposizione di una nuova generazione di artisti come modello. Secondo Stepanova, per realizzare quest'opera Briullov aveva bisogno di un certo coraggio, per superare i limiti del rigoroso accademismo "per mettere in scena la sua composizione e risolverne i problemi più complessi sia in termini di colore che di problema plastico ". Il dinamismo, gli effetti di luce e spazio che emergevano dalle composizioni di Brioullov furono poi ripresi dai suoi discepoli e allievi.
René Huyghe si chiede se l'accademismo di Brioullov possa essere annoverato tra i romantici quando il pittore è prigioniero "di un patetico declamatorio", a cui la sua tela L'ultimo giorno di Pompei non sfugge "tanto la sua composizione è debole e il tragico è artificiale". La mancanza di una tradizione nazionale in Russia la lasciò dipendente dalle tradizioni dell'Occidente. Huyghe riprende la citazione ironica di Ivan Turgenev su Brioullov: "ha ricevuto il dono di esprimere quello che voleva e non aveva niente da dire".
Per lo storico francese Louis Réau, la genesi di questo grande dipinto di Brioullov si trova nell'opera di Paccini L' ultimo giorno di Pompeia, che gli ha dato il carattere. «È una scenografia teatrale, di un patetico avvallamento, di illuminazione artificiale e violenta […]». Per lo storico francese, Brioullov non sa come Delacroix resusciti figure del passato. Nessuna emozione nasce dalla messa in scena dei pompeiani sconvolti. La sua pittura ricorda più le fredde ricostruzioni di Delaroche o Gallait . Il successo del giovane pittore russo fu comunque prodigioso in Italia dove gli stranieri sono facilmente gelosi. A Parigi, invece, l'accoglienza nel 1834 fu più riservata. Ma la freddezza mostratagli fu attribuita all'atmosfera politica che all'epoca era molto polonofila. In Russia, invece, fu un vero e proprio delirio poiché si ammira la sua pittura. Alla luce dei disegni artistici del XX ° entusiasmo secolo per questa tabella è diminuito altrimenti scomparso. Ma il successo dell'Ultimo Giorno di Pompei nel suo Paese ha avuto il merito di far capire al pubblico che l'arte può essere importante e contribuire alla gloria di una nazione.
Sebbene la sua produzione sia stata abbondante, Brioullov rimane l'uomo di un singolo dipinto che a suo tempo gli è valso una reputazione europea. Tuttavia, riconosce Louis Réau, Brioullov ha brillato in campi diversi dalle ricostruzioni storiche, che senza dubbio si sarebbe sentito umiliato. Nei suoi intimi ritratti ad acquerello eseguiti a Roma sotto l'influenza di Ingres , troviamo belle qualità di freschezza e sincerità: il Cavalier , Italian Morning . I due ritratti della graziosa contessa Samoylova e della figlia adottiva sono tra i più attraenti del periodo romantico.
Allo stesso modo, Dominique Fernandez osserva che il "disfare i bagagli del pathos romantico" della tela di Pompei ci sembra oggi essere "paralizzante magniloquente". Il Narciso di Brioullov Fernandez rivela quale pittore più commovente avrebbe potuto essere se non si fosse sentito in dovere di affrontare le "grandi macchine storiche multiple personaggi"