Amore sacro e amore profano

Amore sacro e amore profano Immagine in Infobox.
Artista Tiziano
Datato 1514
genere Pittura
Tecnico Olio su tela
Dimensioni (H × W) 118 × 279 cm
Movimenti Scuola veneziana , alto rinascimento
Collezioni Galleria Borghese , Collezione Borghese
Numero di inventario 147
Posizione Galleria Borghese , Roma

Amore sacro e amore profano ( Amor sacro e Amor profano ) è un dipinto di Tiziano (1488-1576) dipinto nel 1514 che rappresenta due donne sedute su un catino.

Storia

Tiziano dipinse questo dipinto intorno al 1514. Quest'ultimo fu probabilmente commissionato da Niccolò Aurelio, segretario veneziano del Consiglio dei Dieci, identificato dal suo stemma che compare sul sarcofago o sulla fontana al centro dell'immagine, per celebrare il suo matrimonio con un giovane vedova, Laura Bagarotto. Il dipinto raffigura probabilmente la sposa vestita di bianco, seduta accanto ad Cupido e assistita dalla stessa Venere .

L'opera fu acquistata nel 1608 dal mecenate Scipione Borghese ed è attualmente conservata con altre opere della collezione Borghese presso la Galleria Borghese di Roma .

Nel 1899 fu rifiutata un'offerta della famiglia di banchieri Rothschild per l'acquisto delle opere della Galleria per 4 milioni di lire (superiore al valore dell'intero edificio della Galleria Borghese e delle sue collezioni stimate in lire 3.600.000).

Descrizione

Il dipinto pone una vera domanda: come rappresentare la donna? La donna nuda, Venere Urania, rappresenta la felicità eterna e celeste, nonché il principio dell'amore spirituale. La giovane donna vestita è la Venere terrena, una personificazione dell'amore terreno. La Venere celeste è nuda perché è disincarnata, il suo corpo non rappresenta alcun desiderio a differenza della Venere terrestre, quindi non ha bisogno di essere coperta. Entrambi sono seduti alle estremità di un bacino. Si assomigliano molto, come sorelle gemelle, ma il loro comportamento e il loro abbigliamento sono molto diversi. La prima indossa un abito bianco con maniche viola, una corona di mirto e tiene delle rose in mano. È calma e premurosa. Ci guarda. La seconda è sollevata sopra la sua vicina e la guarda con uno sguardo comprensivo e sereno. È nuda tranne che per un panno bianco sulle cosce e un cappotto rosso che le copre la spalla sinistra. Tende verso il cielo un braciere che tiene in mano.

Questo dipinto è un'allegoria del matrimonio, da un lato la sposa vestita con il simbolo della fertilità (i due conigli), dall'altro il simbolo dell'amore sacro rappresentato da Venere con sullo sfondo i cani simbolo di fedeltà, amore Cupido nel al centro scuote l'acqua della vasca per rendere il legame tra queste due forme d'amore, il cemento di un matrimonio riuscito.

La donna nuda guarda l'altra mentre quest'ultima sembra distogliere lo sguardo e ignorarla.

La tabella contiene una serie di dettagli:

Questo dipinto è caratteristico della scuola veneziana grazie al gioco di ombre e luci sui corpi delle due donne. L'opera si inserisce nella corrente manierista .

Interpretazione

Il cupido dimostra, da un punto di vista iconografico, che il dipinto è un dialogo sull'amore. E ai tempi di Tiziano, l'amore era uno dei grandi argomenti di conversazione con la bellezza, di cui l'élite sociale e intellettuale discuteva quotidianamente. Le sue domande si trovavano anche al centro della corrente filosofica del neoplatonismo che era la filosofia dominante del tempo.

La figura della nudità diventa durante il Rinascimento una rappresentazione positiva che illustra un valore come ad esempio Verità, Amore o Bellezza in contrapposizione a nozioni effimere. Successivamente, quando è presente una figura nuda con il suo omonimo vestito, è un simbolo di Verità nel senso filosofico del termine. Quindi, con la filosofia neoplatonica, questa dualità finisce per significare il permanente e l'ideale in contrapposizione al deperibile e al sensibile. Pertanto, il credo rinascimentale è che la bellezza spogliata di ogni ornamento terrestre è superiore alla bellezza vestita e decorata. Per Panofsky, questa opposizione tra bellezza nuda e vestita è applicabile all'opera Sacred Love e Profane Love dove queste due rappresentazioni corrispondono a due diverse forme di amore.

Sempre secondo Panofsky, c'è anche, in quest'opera, un'opposizione tra la Venere celeste e quella volgare come è scritto nel Banchetto di Platone. “Ora, ci sono due Venere, una antica, figlia del Cielo, e che non ha madre: è Venere Urania o celeste; l'altra più giovane, figlia di Giove e Dione: è la popolare Venere. Ci sono quindi due Amori, corrispondenti alle due Venere: il primo, sensuale, brutale, popolare, è rivolto solo ai sensi; è un amore vergognoso che deve essere evitato. […] L'altro amore è rivolto all'intelligenza […] Questo è degno di essere onorato da tutti e ricercato. "La Venere celeste è l'incarnazione dell'amore per le idee e del mondo, l'amore terrestre di Venere e l'essere umano sensibile nella filosofia platonica e neoplatonica.

Ciascuna delle Venere ha i suoi attributi. La Venere terrestre tiene in mano delle rose che sono innegabilmente un simbolo dell'amore, ma possono anche simboleggiare il dolore dell'amore con le loro spine. Questo dolore, suggerito dalle rose, è attribuito solo alla Venere terrestre come se la sofferenza agisse solo nel mondo sensibile e umano. Anche questa Venere indossa una corona di mirto che simboleggia il matrimonio e richiama così lo scopo della commissione di quest'opera, onorata delle nozze di Niccolò Aurelio. La seconda Venere porta un braciere che solleva al cielo. Quest'ultimo può evocare l'ascesa spirituale verso il mondo delle idee da cui proviene.

Le due Venere non entrano in un alterco. Si oppongono solo alla loro rappresentazione. Infatti, la Venere celeste guarda la sua vicina con uno sguardo pieno di comprensione e sono seduti sullo stesso seggio, sebbene la Venere celeste sia elevata rispetto alla sua vicina. Inoltre, Cupido mescola l'acqua della fontana come se volesse omogeneizzare il liquido che si trova tra le due donne. Cupido, tra i neoplatonici, è un principio di mescolanza cosmica. Quindi, è come se mescolasse le due Venere per ricordarci che sono fatte della stessa essenza: l'Amore.

Il titolo, da parte sua, secondo E. Panofsky non è il più corretto, perché implica una dicotomia. Sarebbe stato più pertinente nominarlo in modo da evidenziare una scala di valori. Mentre una è incarnata come bellezza universale, eterna e puramente intelligibile, mentre l'altra è la volgare Venere, quella il cui amore tutti possono sperimentare e che è illustrata dalla sua bellezza deperibile e mutevole.

Un altro storico dell'arte, Edgar Wind, si è interessato a questo dipinto. Confuta la teoria di E. Panofsky, perché secondo lui non sono le due Venere che sono qui rappresentate, ma due tipi di amori che l'uomo può conoscere.

Prima di tutto, nota che la figura nuda è superiore alla sua vicina per le sue dimensioni maggiori, la sua postura più vigorosa e il suo braccio teso verso il cielo. Inoltre, alle sue spalle, c'è una chiesa, mentre a fianco della donna vestita, è rappresentato un castello. Il castello potrebbe qui simboleggiare una vita mondana opposta alla chiesa che rappresenterebbe una vita rivolta alla spiritualità. Questi diversi elementi conferiscono quindi un carattere più nobile alla figura nuda.

Per E. Wind, il termine “  Venere  ”, attribuito da E. Panofsky alle sue due mogli, è fin troppo positivo. E. Wind preferirà la denominazione di "  figura  ". Per contrastare la teoria neoplatonica dimostrata da E. Panofsky, E. Wind spiega che queste due figure portano attributi che non sono usuali per simboleggiare Venere, ad esempio il mantello rosso ei vasi.

Inoltre, il movimento delle figure nella tabella va da sinistra a destra. Ciò potrebbe mostrare che le tre figure propongono una progressione nella loro rappresentazione dell'amore attraverso il cupido che qui svolge il suo solito ruolo di mediatore. Pertanto, per E. Wind il tema del dipinto sarebbe l'iniziazione all'Amore della Bellezza (da Pulchritudo a Voluptas ) da una prospettiva mistica e non più allegorica.

Il bassorilievo, rappresentato sul fronte della fontana su cui sono sedute le due donne, mostra una scena di tortura. Al centro, un cavallo sfrenato che un personaggio cerca di controllare, potrebbe simboleggiare l'amore bestiale. Fu durante il Rinascimento uno dei simboli più popolari per illustrare la passione sfrenata. A sinistra, un uomo tira una donna per i capelli e la trascina per terra facendo presagire ulteriori abusi a venire. A destra un uomo colpisce un altro uomo disteso a terra e altre due persone portano un palo per legarvi magari la vittima e continuare a picchiarlo in questo modo.

Questo bassorilievo potrebbe mostrare una terza forma di amore, l'amore bestiale. Questa scena non appartiene allo stesso dominio delle due donne ed è per questo motivo che E. Wind pensa che questa non sia la rappresentazione delle due Venere neoplatoniche, ma la rappresentazione di due tipi di amore, accompagnata dalla rappresentazione dell'amore bestiale.

Sul lato di ciascuna delle donne spicca il paesaggio sullo sfondo dell'Amore Sacro e dell'Amore Profano, poiché quest'ultimo le simboleggia. A fianco della donna vestita c'è una cittadella con un cavaliere che forse può evocare una vita mondana e c'è la presenza di una coppia di conigli che ricorda l'amore carnale. Poi, dal lato della donna nuda, un cane corre dietro a un coniglio come se inseguisse un amore carnale che non ha nulla a che fare con il lato della Venere celeste. C'è anche un pastore che pascola le sue pecore tra due cavalieri e una coppia che si abbraccia. Il pastore può simboleggiare la protezione, quindi forse è lì per proteggere la coppia di cavalieri, dato che si trova nel mezzo. Da questo lato il paesaggio può essere definito pastorale . Questo tipo di paesaggio proviene dall'antichità e mostra un'età dell'oro in cui l'uomo viveva in armonia con la natura e non l'aveva ancora trasformata. È quindi una forma di armonia originale tra uomo e natura.

Conservazione

Il dipinto è conservato nell'ex palazzo del cardinale Scipione Borghese , nipote di papa Paolo V , la famosa Galleria Borghese .

Bibliografia

Note e riferimenti

  1. "  Sacro e Amor Profano  " , Galleria Borghese (accessibile 29 novembre 2012 )
  2. Nadia Gaus 2004
  3. Robertson G. Renaissance Studies, Volume 2, n o  2, giugno 1988, p.   268-279 (12) Onore, amore e verità, una lettura alternativa dell'amore sacro e profano di Tiziano . DOI : 10.1111 / 1477-4658.00064
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  8. (it) Vento Edgar, pagani Misteri nel Rinascimento , New-York, Norton,1958

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