Nascita |
28 gennaio 1912 Cody ( Wyoming ) |
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Morte |
11 agosto 1956 Springs ( Stato di New York ) |
Sepoltura | Hampton orientale |
Nome di nascita | Paul Jackson Pollock |
Nazionalità | Americano |
Attività | Pittore |
Formazione |
Art Students League of New York Manual Arts High School ( in ) |
Maestro | Thomas Hart Benton |
Rappresentato da | Società per i diritti degli artisti |
Ambienti di lavoro | East Hampton , New York |
Movimento | Espressionismo astratto |
patroni | Peggy Guggenheim |
Influenzato da |
Janet Sobel Lee Krasner Mark Tobey |
Coniuge | Lee Krasner (da1945 a 1956) |
Ritmo autunnale (Numero 30) |
Jackson Pollock , nato il28 gennaio 1912a Cody , nel Wyoming , e morì il11 agosto 1956a Springs , New York , è un pittore americano di espressionismo astratto , più conosciuto in tutto il mondo durante la sua vita.
Jackson Pollock ha prodotto più di 700 opere, dipinti completati, saggi e disegni dipinti o scolpiti , nonché alcune incisioni.
Ebbe un'influenza decisiva sul corso dell'arte contemporanea .
La pratica dell'all -over oltre che del “ dripping ”, che usò molto dal 1947 al 1950, lo rese famoso grazie alle foto e ai filmati di Hans Namuth , realizzati più o meno nel fervore dell'azione. .
Il suo riconoscimento, tardivo dopo una vita di indigenza, coincise con l'emergere di New York come nuova capitale mondiale della cultura, poco dopo la seconda guerra mondiale tra il 1948 e il 1950. Pollock fu il primo della terza ondata di artisti astratti americani ad essere finalmente riconosciuto, il primo a "rompere il ghiaccio" (per usare l' espressione di Willem de Kooning ), aprendo un passaggio nel mondo dei collezionisti ad altri artisti della scuola newyorkese .
Nel 1945 Pollock sposò il pittore Lee Krasner che ebbe un'influenza decisiva sulla sua carriera e sulla promozione della sua opera.
Jackson Pollock è nato nel West americano. Si identifica con questi territori popolati da indiani, con i loro spazi e il loro carattere selvaggio e selvaggio, che saranno alla base delle sue prime opere. I suoi quattro fratelli, più grandi di lui, si sono sempre presi cura di lui con diversi gradi di felicità. La famiglia si trasferì otto volte tra il 1912 e il 1928, in particolare in California e Arizona. Sua madre, Stella, prepotente, iperprotegge il figlio più piccolo, anche se avrebbe preferito avere finalmente una figlia… Le iniziative di Stella non coincidono con i mezzi e le competenze del marito. Quest'ultimo, dopo anni di difficoltà nelle sue varie attività agricole, è stato costretto a trovare lavoro in luoghi lontani dalla casa di famiglia. Diventerà un alcolizzato, e così anche i suoi cinque ragazzi. Jackson rimarrà timido, parlando molto poco in pubblico; è a disagio, persino brutale, con le donne.
Nel 1923, Jackson, allora undicenne, "incontrò occasionalmente gruppi di indiani ". A quell'età non ha idea della loro arte…; dall'altro assiste, a distanza, a un rito. Due dei suoi fratelli, Charles e Sand, mostrarono presto un certo talento nel disegno osservativo e, negli anni successivi, gli comunicarono informazioni, recensioni sull'arte moderna parigina. Jackson si propone di seguirli, ma i suoi risultati lo angosciano.
Durante l'estate del 1927, Jackson mostrò i primi segni di alcolismo . Durante quest'anno segue con difficoltà i corsi della High School di Riverside (California); lasciò il liceo nel 1928 senza aver terminato gli studi secondari. A settembre si iscrive alla Scuola di Arti manuali, ma ne viene licenziato per aver criticato, su un giornale studentesco, l'insegnamento che vi si impartiva. Condivide convinzioni di estrema sinistra e sente parlare di un'arte - muralista - di sinistra. Questo non si è fermato a strofinare la teosofia di Krishnamurti .
Nel giugno 1930, viene portato da uno dei suoi anziani, Charles, al Pomona College in California per vedere gli affreschi dipinti da Orozco . A settembre si trasferisce con i suoi fratelli Franck e Charles a New York. Si iscrive alla Art Students League di New York per seguire i corsi tenuti dal pittore realista Thomas Hart Benton . Incontra José Clemente Orozco, di cui ha scoperto il murale poco prima, e che lavora con Benton sugli affreschi. Durante i due anni successivi, si iscrisse nuovamente ai corsi di Benton in pittura murale, poi in modello dal vivo e composizione murale. In questo insegnamento, l'accento è posto sull'espressione del volume nel disegno tratteggiato, come nei disegni di nudo di Michelangelo . Inoltre, Benton offre soluzioni di composizione pittorica sotto forma di grafica che Pollock conserverà e su cui tornerà per tutta la vita.
Suo padre morì nel 1933 per un attacco di cuore. Durante la primavera e l'estate, Jackson ha continuato a studiare scultura e ha lavorato con lo scalpellino Ahron Ben Shmuel.
Negli anni della crisi economica , con la politica del New Deal di Roosevelt , il Federal Art Project della WPA sostiene gli artisti sia nella creazione che nell'insegnamento. La composizione murale è uno dei modi per integrare l'artista nella società e hanno ricevuto numerose commissioni per la decorazione di edifici pubblici dalla WPA. Dal 1935 Pollock beneficerà di questo sostegno agli artisti. Ammesso per la prima volta nella sezione “pittura murale”, Pollock viene escluso per assenteismo nel 1938. Viene reintegrato nella sezione “pittura da cavalletto” e ne beneficia fino al 1942. La riflessione sul formato sarà dunque al centro della sua ricerca .
Nel 1940, Pollock attraverso il workshop David Alfaro Siqueiros , che sono realizzati collettivamente striscioni e scultura carro per la manifestazione del 1 ° maggio Fu in questo contesto che scoprì l' aerografia , lo stencil e il gusto per la ricerca sui materiali (in particolare con le vernici industriali) e sulle nuove tecniche.
Nel febbraio 1937, dopo aver letto Primitive Art e Picasso , Pollock incontra l'autore dell'articolo: John Graham (vero nome Dombrowski, un vero guru della comunità newyorkese). Quest'ultimo, ingaggiato dal direttore della collezione Guggenheim, racconta a Jackson la sua opera preferita, un quadro di Picasso , datato 1932, Ragazza davanti allo specchio , molto grafico e come frammentato nelle sfaccettature. Questo dipinto sarà donato dalla Sig. Simon Guggenheim al Museum of Modern Art (MoMA), quando il museo (diretto da Alfred Barr sin dalla sua fondazione nel 1929) si trasferì, notevolmente arricchito, nella sede attuale nel 1939.
Gli anni 1938-1946 diedero così a Pollock l'opportunità di confrontarsi con il suo allora “maestro”: Pablo Picasso . Sono state individuate molte somiglianze tra i due artisti, così come con Miro , Masson e Hans Hofmann di Ellen G. Landau. La mostra di Guernica , damaggio 1939, alla Valentine Galerie, poi, in autunno, la retrospettiva di Picasso (con Les Demoiselles d'Avignon e la celebre Ragazza davanti allo specchio ), al MoMA, sono i momenti clou di questo momento di emulazione dove Pollock disegna molto . Accumula le figure disegnate con una linea espressiva ( Studi, Numero 11 ). Evocano entità proteiformi, i Minotauri di Picasso ( la recensione del Minotauro con copertina di Picasso risale al 1933), figure ibride surrealiste (la moda è in The Interpretation of Dreams di Sigmund Freud ), e dove i riferimenti alle sculture degli indiani della costa occidentale. Tutto questo bestiario si ritrova, spesso filiforme, nei disegni e nei dipinti datati approssimativamente agli anni 1938-1943. D'altra parte, durante gli anni '40 (ma probabilmente nei primi anni, secondo David Anfam), Pollock si interessò fortemente al libro di D'Arcy Wentworth Thompson (1860-1948) sulla crescita e la forma per le sue illustrazioni di forme. , spesso osservato al microscopio, ma anche corna di montone, ecc. che Pollock si appropria attraverso il disegno creando forme irriconoscibili.
Nel dicembre 1937, Pollock va in riabilitazione e inizia la terapia, la prima di una lunga serie, con Joseph Henderson, psicanalista formato direttamente con Carl Gustav Jung .
Nel 1937 Pollock nutriva ancora una passione per l'arte primitiva che, secondo Graham, era basata sulle "emozioni spirituali". Questo punto è più che mai molto importante per l'artista nella sua pratica espressionista. La contemplazione dell'arte degli indiani del Nord America, in particolare durante la mostra “Indian Art of the United States”, (curatore Rene d'Harnoncourt (en) ), al MoMA nel 1941, è decisiva per la sua evoluzione. In seguito alluderà alle sculture Kwakwaka'wakw , uno dei giganteschi "totem" di cui in questa occasione adornavano l'ingresso del museo. Il lavoro di interpretazione dei propri disegni, intrapreso con il suo analista junghiano, Henderson, trova anche eco nelle loro discussioni dove evocano le sculture indiane che affascinano tanto Henderson quanto Pollock.
Durante la mostra vengono eseguite dimostrazioni di dipinti con la sabbia (e anche con pollini, petali o farina) da artisti Navajo . I dipinti eseguiti a terra sono circondati da una cornice o "guardia". Nella pratica sciamanica, il membro della comunità che viene accudito viene quindi posto al centro di questo dipinto. Poi si distrugge: si usa per strofinare il malato poi si butta lontano dal villaggio. Hubert Damisch , nel catalogo del 1982, vi fa riferimento ma non in modo esplicito per interpretare l'approccio di Pollock. Secondo questa concezione, l'essenziale è l'azione della pittura e non l'oggetto della pittura. L'espressione " action painting " tiene conto di questo riferimento, ma ha visto il suo impatto notevolmente amplificato dopo l'uscita del film di Hans Namuth, in particolare nelle scuole d'arte degli Stati Uniti, negli anni '50 .
Nascita , 1942: frammenti di figure distorte e stilizzate ricomposte verticalmente come un totem compongono il primo dipinto di Pollock visibile in una mostra collettiva, “Pittura americana e francese”, ingennaio 1942, a cura di J. Graham (anche con dipinti di Lee Krasner ). L'intreccio di figure frammentate è quindi il primo passo verso quello che diventerà poi l'accumulo di figure per sovrapposizione, sotto forma di “vele” sovrapposte, e la loro totale scomparsa nelle colature . Questa tesi è ripresa da Donald Wigal in Jackson Pollock: l'immagine nascosta . Un ovvio esempio di insabbiamento è stato notato da Karmel: il "dipinto" centrale di Guardians of the Secret (1943). Capovolta, presenta molte figure filiformi come alcuni disegni di Picasso della fine degli anni 30. Nella posizione normale, le guardie monumentali sono abbastanza facilmente identificabili ma il dipinto al centro è diventato "astratto".
In questa mostra, Lee Krasner (ri)scopre Pollock, l'uomo e l'artista, e si innamora di entrambi. Pochi mesi dopo, vivono insieme da Lee, ognuno con il proprio studio. È da questa data che Lee favorisce gli incontri tra Pollock e Clement Greenberg , nonché con il loro maestro di entrambi, Hans Hofmann . Anche Willem De Kooning è nel gioco.
Nella primavera del 1943 Pollock partecipò, con un'importante opera, Figura stenografica , ad una mostra che doveva contare per il suo futuro. È selezionato con 35 giovani artisti, quasi tutti americani, nello spazio della galleria The Art of This Century (in) , la “gallery-museum” aperta da Peggy Guggenheim aottobre 1942. Tra i membri della giuria ci sono James Johnson Sweeney (che presto diventerà direttore della sezione pittura e scultura del MoMA) e Piet Mondrian (che avrebbe detto, davanti a Stenographic Figure : "Sto cercando di capire cosa sta succedendo ...Credo che sia la cosa più interessante che ho visto finora in America. ”) Marcel Duchamp , in questa giuria composta da sette membri, dà anche un parere favorevole! Pollock, aiutato da Lee, ottenne poi, sempre con Peggy Guggenheim, un contratto di 150 dollari pagati mensilmente e la sua prima mostra privata, che si svolse dal 9 al27 novembre.
L'anno 1943, dipinti che diventeranno opere chiave manifestano il fermento creativo di Pollock: Guardiani del Segreto , La donna lunare taglia il cerchio , La lupa e Figura stenografica … In realtà, tutta una figurazione di immagini intime che Pollock è più desideroso di reprimere offuscandone la leggibilità, anche a costo di ribaltare il dipinto di 180°. Non si sente più controllato da miti o archetipi. Inoltre, il titolo dell'opera compare solo dopo, con amici o visitatori.
Nel novembre 1943, il successo è all'orizzonte, ma è ancora molto lontano. Le vendite sono poche (siamo nel bel mezzo di una guerra), le recensioni sono piuttosto negative, ma apprezziamo il carattere americano, un fatto nuovo, mentre l'arte europea domina ancora il mercato. Peggy gli ordinò anche Mural ("Tutti gli animali del West americano", secondo Pollock, per la sua casa (gennaio 1944). Mural è, per la prima volta, presentato al pubblico al MoMA in aprile-maggio 1947, alla mostra “Grande Pittura Moderna”. Nelmaggio 1944, viene acquistato dal MoMA un primo quadro di Pollock: She Wolf .
Il pittore Lee Krasner , formatosi da Hans Hofmann nell'arte moderna, fu suo compagno nel 1942 ma si sposarono soloottobre 1945. Poi lo trascina a Long Island per proteggerlo dal suo alcolismo. Si trasferiscono lì all'inizio di novembre in una vecchia fattoria a Springs ( East Hampton (New York) ), senza acqua calda né riscaldamento e con pochissimi soldi. È nel piccolissimo “fienile”, sommariamente trasformato in “laboratorio”, che Jackson Pollock produceva le sue opere “classiche”, la tela essendo prima a terra e poi, dopo un periodo di asciugatura, raddrizzata. Il critico Clement Greenberg (amico di Lee Krasner che ha ripreso “teorizzando” gli insegnamenti di Hans Hofmann, e trasmessi da Lee) ha sottolineato il fatto che Pollock non è partito dal rettangolo della tela. In effetti era un intero rotolo di tela parzialmente srotolato. Poiché il dipinto non andava ai bordi, doveva decidere i limiti e l'inquadratura era una scelta cruciale per Pollock. Questa pratica era totalmente nuova e rompeva con la pittura francese, quella ereditata da Cézanne dove si parte dal telaio per costruire il quadro. Per qualificare questa nuova pratica Greenberg ha coniato il termine all over (dove gli elementi pittorici sono disposti equamente su tutta la superficie disponibile) ( The Nation ,1 ° febbraio 1947: un'uniformità complessiva [ uniformità da bordo a bordo]).
I dipinti di Janet Sobel (1894 - 1968), artista americana di origine ucraina, che fu la prima a praticare la pittura all-over , influenzarono Pollock. Aveva visto il suo lavoro in compagnia di Greenberg alla galleria The Art of This Century (in) nel 1944. Nel suo saggio American-Type 'Painting (1955) Greenberg cita queste opere come le prime forme di all-over che ha visto, e afferma che "Pollock ha ammesso che questi dipinti lo avevano impressionato".
Su alcuni suoi quadri, già nel 1947, Pollock versava la pittura direttamente dal vaso, e controllava la fluidità e lo spessore delle linee ( colata : fuoriuscita) o lo sgocciolamento della pittura su tele stese ( o su carta: Pittura (Argento su nero, bianco, giallo e rosso) ("Peinture (Argent sur noir, blanc, jaune et rouge)"), 1948, dipinto su carta montata su tela, 61 × 80 cm , Centre Pompidou) . Nel catalogo 1982:
“Non allungo quasi mai la mia tela prima di dipingere. Preferisco inchiodare la mia tela non tesa al muro o al pavimento. Ho bisogno della resistenza di una superficie dura. A terra mi sento più a mio agio. Mi sento più vicino al quadro, gli appartengo di più; perché in questo modo posso camminare tutt'intorno, lavorare da tutti e 4 i lati ed essere letteralmente nel dipinto. È un metodo simile a quello dei pittori delle Indie Occidentali che lavorano sulla sabbia. "Questa operazione, che consiste nel lavorare in orizzontale, determina una singolare rottura nelle pratiche culturali dell'immagine. Le sue implicazioni simboliche e gli effetti di eco nell'arte contemporanea che ne sono seguiti sono stati discussi da Yve Alain-Bois e Rosalind Krauss in occasione della mostra “L'Informe. Manuale ". Il testo allude a "Full Fathom Five" del 1947 nel contesto di un'analisi teorica. Ma il significato di questo titolo, che deriva dalla canzone di Ariel ne La tempesta di Shakespeare ("Per cinque braccia sotto l'acqua... giace mio padre / ...", citato in) evoca il processo di cancellazione - ricordi - sotto più strati . Processo ricorrente nella pratica di Pollock. Per uno studio dettagliato della pratica di Pollock vedi Carmean e Pepe Karmel.
Nel 1948, Jackson Pollock decise di non assegnare più titoli e di designare i suoi successi in base ai numeri. Interrogato su questa decisione, Lee Krasner ha affermato che Pollock voleva soprattutto interessare il pubblico alla "pittura pura" piuttosto che distrarlo con i titoli dei giornali. Pollock, inagosto 1950, ha spiegato, “ho deciso di smettere di aggiungere confusione” creata dai titoli che molto spesso venivano dati dagli ospiti e che Pollock ha accettato o rifiutato. La prima mostra di dipinti numerati risale al 1951 a Betty Parsons . Ma i numeri sono stati assegnati un po' a caso, senza preoccuparsi della cronologia. In alcuni casi, Pollock li ha indicati anche per i colori o per la loro caratteristica essenziale (Il cavallo di legno, il cacatua bianco) .
Nel 1948, Robert Motherwell , William Baziotes , David Hare, Barnett Newman , Mark Rothko e Clyfford Still fondarono la loro scuola d'arte di breve durata, The Subjects of the Artist. Perché secondo loro, uno studente ha tutto da guadagnare dal conoscere “sia i soggetti degli artisti moderni che la loro lavorazione”. Si sono così distinti da un approccio formale all'arte moderna. Erano anti-Greenbergien e hanno reintrodotto il significato, dove altri vedevano solo equilibri di forme e giochi di colori, piattezza, ecc. Ma lo stesso Pollock non comprese molto chiaramente i discorsi teorici (ma non ancora formalisti ) e spesso oscuri di Clement Greenberg . Preferiva ascoltare jazz tutto il giorno: Dizzy Gillespie , Bird (Charlie Parker), Dixieland e bebop .
Pollock fu allora il primo pittore americano di espressionismo astratto ad essere noto al grande pubblico per l'eco che incontrò sulla stampa. In questo senso aprirà la strada agli altri artisti della scuola newyorkese . Ma questi non avranno successo popolare fino a dopo la sua morte.
Jackson Pollock è all'apice del suo successo nel 1950. Viene selezionato con un gruppo di artisti americani per rappresentare gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia . Accumula grandi opere con colature e colate senza mai ripetersi. La figurazione che appare ancora nei dipinti del 1948 prodotti dalla colata controllata di un filo di lacca, appare ancora nel 1949 nelle figure raschiate con un coltello da pittura in diverse tele appena dipinte a colature , tra cui Fuori dal web: Numero 7.1949 . Anche alcuni dipinti del 1950 sono stati analizzati da Karmel e mostrano abbastanza chiaramente frammenti di figure quando sono inclinati di 90 ° in senso orario. Tuttavia l'insieme è globalmente totalmente "astratto", ed è questa astrazione radicale che è stata soprattutto conservata come "lo" stile di Jackson Pollock. Nota anche un'esperienza in volume: Senza titolo, terracotta dipinta , 20,3 cm .
Ha bevuto di meno da quando si è trasferito a Springs, e quasi di più dopo l'autunno del 1948 grazie a tranquillanti, ipnosi (il ricordo dei ricordi), passeggiate, decine di ospiti colti e, con il boom economico, le prime vendite serie. . Tele di grandi dimensioni (ma anche molte in un formato più “vendibile”, 78×57 cm ad esempio) e con un ritmo complesso “all over” hanno sorpreso favorevolmente un numero crescente di critici. L'intensità del lavoro e i vincoli del successo accumulati nel 1949 e nel 1950. Riflette con lo scultore-architetto Tony Smith e con l'architetto Peter Blake sull'articolazione dei suoi dipinti monumentali, murales, con lo spazio architettonico (vedi: Carmean, Varnedoe).
Alla fine dell'estate e nell'autunno del 1950, il fotografo Hans Namuth ha prodotto una serie di fotografie dell'artista in azione. In bianco e nero, la scarsa luce naturale fissa il “movimento” dell'azione. L'idea che l'azione dell'artista sia essenziale esiste da molto tempo. Troviamo spesso questo riferimento al luogo dell'azione artistica come se fosse un'arena negli anni '30, nel doppio senso della parola: la superficie ricoperta di sabbia ( corrida , culto di Mitra ) e il luogo dove si rischia il proprio onore, anche la tua vita, esponendoti. La pratica artistica degli anni Trenta, letteraria e pittorica, era spesso impegnata a esporre, in modo trasgressivo, l'intimo e le fantasie dell'autore. Anche negli anni Trenta è il caso della Francia con gli scritti di Leiris ( L'Âge d'homme ) e Georges Bataille , e con i dipinti di Picasso e Masson . Queste opere erano conosciute negli Stati Uniti. Questa concezione della pratica artistica dove l'essenziale sta nell'azione rischiosa, l'esposizione di sé nell'arena, è stata ripresa in questo paese dal critico Harold Rosenberg ( La tradizione del nuovo , 1955) quando ha coniato la frase " pittura d'azione " (pubblicato per la prima volta nell'articolo del 1952 " The American Action Painters ").
Il logico seguito alle fotografie dell'artista in azione è stato, per Hans Namuth, la realizzazione di un film a colori (con un assolo di contrabbasso di Morton Feldman ). In effetti, ad ottobre sono stati girati due film enovembre 1950. Pollock è portato a svolgere il proprio ruolo nel processo di realizzazione di due dipinti, uno su tela, ripreso a distanza, e l'altro su vetro, il vetro essendo necessario affinché lo spettatore possa vedere il pittore in azione e dipingere nello stesso piano fisso. Barbara Rose ha notato che con questo dispositivo lo spettatore non può vedere nulla di ciò che vede l'artista. Finito il film, Pollock torna a bere, e rigira per mesi il quadro su vetro, fuori dallo studio.
Pollock vuole poi fiorire all'interno del suo linguaggio personale, con le sgocciolature e quello prima delle colature . "Penso che i non-oggettivisti troveranno questo inquietante", nelle sue stesse parole, all'inizio del 1951; reintroduce, in modo ben visibile, quelle figure che prima erano "velate" negli strati di motivi disegnati nell'aria sopra la tela. Rimane molto legato ad Alfonso Ossorio e Tony Smith (1912-1980) e segue i loro consigli per rinnovarsi. Su carta giapponese offerta da Smith, disegna a inchiostro giocando sul trasferimento dell'inchiostro da un foglio all'altro, posto sotto, e realizza almeno una scultura. Fa anche riferimento al libro di D'Arcy Wentworth Thompson , Crescita e forma del 1917, che presenta la trama di molte forme semplici.
Nel 1951 Pollock iniziò a disegnare su tela con le siringhe, quindi le linee erano molto lunghe, equivalenti a una linea di matita. Greenberg rimane molto entusiasta dei dipinti a figure nere nella mostra del 1952, elogiando il loro carico massimo con mezzi minimi, la loro spolveratura smaterializzata, a differenza della ricerca di materialità che percepiva nel 1949 (Leggi le analisi critiche di Greenberg di YA Bois e T. de Duve). Dopodiché Pollock riprende a sperimentare gli effetti di uno spesso o fluido strato di pittura, sbava e gioca con fusioni tra materiali: è quello che vediamo in The Deep (1953).
Dopo un 1951 anno in cui dominava il nero, reintrodusse il colore del pennello da Ritratto e sogno nel 1953. (A questo punto, Greenberg “lascia andare” Pollock.) I titoli continuano a riferirsi ai rituali, alle sue azioni, figure simboliche e totemiche punteggiano la superficie: Pasqua e il totem , Pali blu ; titoli richiesti dal suo nuovo gallerista, Sidney Janis. Il suo ultimo dipinto, Search , è tipico di questo spirito di ricerca, dove il colore è dominante. Pollock produsse poche (ma costantemente nuove pratiche) negli ultimi anni della sua vita.
Morì in un incidente d'auto il 11 agosto 1956nella cittadina di Springs, situata a Long Island, nello stato di New York . Era ubriaco e guidava molto veloce. In macchina, la sua compagna Ruth Kligman è sopravvissuta all'incidente mentre Edith Metzger, un'amica di Ruth, è rimasta uccisa.
Molto è stato scritto sul suo alcolismo, responsabile di questo incidente; era prima di tutto un fatto della società. Quasi tutti gli artisti della sua generazione erano alcolizzati, molti si suicidarono, molti guidarono pericolosamente: essendo considerati deboli dall'americano medio, aggiungevano di più, a rischio di perdere la vita. Per quanto riguarda Pollock, le origini familiari del suo malessere lo avevano reso alcolizzato all'età di quindici anni.
Lo studio approfondito dell'opera di Pollock ha saputo, negli ultimi anni, rivelare la permanenza del desiderio di fare un'immagine, di lavorare sull'espressione del proprio mondo interiore attraverso queste immagini e di mostrare che la loro apparente cancellazione in un dipinto "astratto" era fuorviante.
“Quando sono nel mio dipinto, non sono consapevole di quello che sto facendo. È solo dopo un po' di tempo per imparare che vedo cosa volevo fare. Non ho paura di apportare modifiche, distruggere l'immagine, ecc., perché un dipinto ha una vita propria. Cerco di farlo emergere. È solo quando perdo il contatto con il dipinto che il risultato è caotico. Altrimenti, c'è armonia totale, scambio facile e l'immagine ha successo. "Dichiarazione pubblicata con il titolo "La mia pittura " nell'unico numero della rivista Possibities , a cura di Robert Motherwell e Harold Rosenberg, New York, inverno 1947-1948, che cita anche una parte cancellata ma che compare nella bozza di questo articolo .Nel giugno 1956, Selden Rodman ha parlato con Pollock a East Hampton:
“Non mi interessa 'l'espressionismo astratto' e certamente non è né non oggettivo né non figurativo. A volte la mia arte è molto figurativa ed è sempre un po' rappresentativa per il resto del tempo. Quando ritrai il tuo subconscio, le figure risaltano. Immagino che siamo tutti influenzati da Sigmund Freud . Sono stato influenzato da Carl Jung per molto tempo... La pittura è uno stato dell'essere... La pittura è scoperta di sé... Ogni bravo artista ritrae ciò che è”.La “vigorosa stravaganza delle sue opere”, il carattere singolare, “inaudito” della sua pittura nel 1943, la sua “spontaneità implacabile”, “il modo unico in cui mescola innumerevoli ricordi, entusiasmi e intime fissazioni per fonderli” , queste sono prima di tutto le ragioni primarie del successo. Detto questo, Jackson Pollock visse in estrema precarietà per gran parte della sua vita, anche se nel 1949 la rivista Life aveva un titolo in "prima pagina", con una certa ironia, "Pollock è il più grande pittore vivente?" " L'anno 1949 fu anche l'unico in cui le vendite cospicue permisero alla coppia di pagare i propri debiti e restaurare una casetta Springs.
Il comportamento aggressivo di Pollock, quando era ubriaco, ebbe un immediato effetto negativo sulla sua immagine: i suoi vecchi amici lo evitavano, i galleristi diffidavano di lui e dei suoi potenziali clienti (sebbene fosse difficile convincerli del valore della sua pittura) esitava a correre il rischio di un'accoglienza che sarebbe stata rovinata dalla sua sola presenza. D'altra parte, alla lunga, il suo comportamento e la sua pittura, la sua espressività, l'apparente velocità di esecuzione, hanno giocato a costruire l'immagine mitica dell'artista tipicamente americano, libero e un po' "selvaggio", ma così pieno di energia!
Fu solo dopo la morte di Pollock che il lavoro intrapreso da Lee Krasner per promuovere la sua pittura iniziò a dare i suoi frutti. Il mito dell'artista dal tragico destino che ha saputo corrispondere allo spazio americano, alla sua velocità e alla sua energia, questo mito è sempre più richiesto. Venduto di comune accordo innovembre 2006per 140 milioni di dollari, la tela n ° 5 , dipinta nel 1948, è una delle opere più costose di tutti i tempi.
Clement Greenberg ha saputo usare con discernimento precisi qualificatori ai quali i suoi lettori hanno dovuto, spesso con estrema difficoltà, adattarsi. Il suo approccio al lavoro di Pollock è stato sfumato e il suo entusiasmo si è manifestato gradualmente tra il 1943 e il 1947. Ha sottolineato le qualità formali ed espressive e ha fatto confronti con i più grandi nomi. In Dopo l'espressionismo astratto , del 1962, torna a questo periodo con la preoccupazione di un chiarimento esemplare:
“La vera svolta si è verificata […] nell'ottobre 43 e nel marzo 44 [Pollock e Hofmann] […]. Lì ho visto quadri astratti che erano pittorici (malerisch) [cita anche il loro “carattere stravagante, nell'uso brutale della pittura”) dandomi per la prima volta l'impressione di una totale apertura. "E poi precisa opponendola alla «presa soffocante del cubismo sintetico » (con le sue superfici delineate):
“Un trattamento più sciolto del materiale pittorico… Pittoresco (pittorico) non era il termine usato, ma era ciò che realmente significava. " “Né Kandinsky né Klee […] avevano uno stile così sciolto e rapido […] di masse che si macchiano e si fondono, invece di forme che rimangono separate; ritmi ampi chiaramente visibili ... " "Era come un disgelo generale (nell'ambiente artistico americano)..."Conclude questa descrizione collegando l'opera di Pollock all'arte barocca come definita da Wölfflin . Un gratificante doppio riavvicinamento.
“Insomma, una costellazione di caratteristiche fisiche analoghe a quelle definite da Wölfflin quando trasse la sua idea di Malerische dall'arte barocca. "L'espressionismo gestuale di Pollock potrebbe infatti essere paragonato, da questo punto di vista formale, all'arte barocca.
La critica d'arte, per le lodevoli cronache del potente Clement Greenberg , è interessata al "caso Pollock", soprattutto a partire dal 1945. I sostenitori e detrattori dell'artista sono amareggiati dagli articoli interposti, che contribuiscono a renderlo progressivamente famoso. Così Eleanor Jewett scrive:
“I suoi dipinti sembrano basarsi sulla teoria che più si riferiscono a scarabocchi infantili, più sono importanti […]. I suoi colori sono violenti e l'atmosfera della mostra è decisamente nervosa e rumorosa. "Howard Devree, invece, esprime quanto lo colpiscano le grandi tele di Pollock, “in quanto sovraccariche di una violenta reazione emotiva […] per stabilire una vera comunicazione con lo spettatore. "
Parker Tyler, lo stesso anno, riconoscendo che Pollock ha una forza di materia e alcuni talenti come colorista, denuncia tuttavia la sua mancanza di talento e "un'aria di maccheroni al forno su alcuni dei suoi modelli". Questa critica porta all'elogio di Manny Farber che definisce la pittura dell'artista "magistrale e miracolosa"; del “murale” commissionato da Peggy Guggenheim , è entusiasta:
“Il murale è… un successo quasi incredibile. È violento nella sua espressione, continuamente affascinante nei dettagli, senza superficialità, e così ben organizzato da formare il muro in un'espressione pacifica, contenuta e scanzonata. "Se Clement Greenberg continua, anno dopo anno, a difendere Jackson Pollock, quest'ultimo è meno oggetto di critiche negli anni successivi. Fu solo nel 1948, in occasione della sua nuova mostra alla Betty Parsons Gallery, che trovò la strada del ritorno ai media: Alonzo Lansford parlò della sua tecnica pittorica come una sorta di automatismo della pittura. , riconoscendo che il risultato è “vivace, originale ed emozionante”. Robert M. Coates nota che Pollock è il più complesso degli artisti newyorkesi, parlando di "una sensazione di energia vertiginosa":
“Un tale stile ha i suoi pericoli, perché i collegamenti di comunicazione tra artista e spettatore sono così tenui che è richiesto il massimo grado di attenzione per catturare il messaggio. "Nel 1949, le recensioni pubblicate su Time e New York World-Telegram attaccano severamente il lavoro di Pollock. Clement Greenberg non è l'unico a reagire. Paul Mocsanyi parla di una “combinazione di estatico e monumentale [che] non è privo di una certa grandezza. Scrive anche Elaine de Kooning, moglie del pittore Willem de Kooning :
“Le nuove astrazioni di Jackson Pollock, violente nel disegno e nell'applicazione dei pigmenti, sono paradossalmente pacifiche nell'espressione. Qui le reti complesse e luminose […] danno l'impressione di essere congelate nella loro posizione. Le sue linee volanti schizzano intensamente i colori non mescolati per creare costruzioni vigorose e scultoree, che stanno ferme e distanti, scollegate dallo sfondo. "In una lettera indirizzata alla gallerista Betty Parson, il pittore francese Georges Mathieu scrive:
“In un recente numero di Art News , ho visto che c'era una mostra di opere di Jackson Pollock nella tua galleria. Considero Pollock il più grande pittore americano vivente e vorrei dedicargli un articolo su un giornale che sto per lanciare. "I critici, dalla fine del 1949, continueranno a moltiplicarsi, portando a una lunga guerra di cronache. Carlyle Burrows denuncia le ripetizioni sempre più evidenti quando Stuart Preston elogia i colori forti delle nuove tele. Sempre più critici d'arte si uniscono al campo di ammiratori: Amy Robinson in Art News , Robert Coates nel New Yorker Henry McBride New York Sun . Il Time è l'unico giornale a continuare le sue recensioni negative, respingendo consecutivamente le opere di Pollock e De Kooning : "Se questi tipi di dipinti rappresentano la più grande forza vitale nell'arte contemporanea americana, come hanno sostenuto alcuni critici. , l'arte è messa male. forma. "
Con esposizione al padiglione degli Stati Uniti alla 25 ° Biennale di Venezia , tra3 giugno e il 15 ottobre 1950, il lavoro di Pollock assume una dimensione internazionale ed è ancora controverso. Alfred H. Barr Jr. , in Art News , dà il tono, riferendosi a "un'energica avventura per gli occhi", frase che trova subito eco da altri critici, come Douglas Cooper. Il critico d'arte italiano Bruno Alfieri descrive la pittura di Pollock come "assenza di rappresentazione", come "caos", come "disarmonia", "organizzazione strutturale", come "assenza di tecnica": “Pollock ha rotto tutte le barriere tra la sua pittura e se stesso: la sua immagine è la pittura più immediata e spontanea. […] Rispetto a Pollock, Picasso […] che per diversi decenni ha turbato il sonno dei suoi colleghi con l'eterno incubo delle sue imprese distruttive, diventa un pacifico conformista, un pittore del passato. "
Dopo la sua morte, la critica internazionale si è moltiplicata; sono proprio queste critiche postume del 1958 che contribuiscono maggiormente a far conoscere al grande pubblico l'opera di Jackson Pollock. Darrio Micacchi è durissimo nell'organo del Partito Comunista:
“Anche nel suo stile, Pollock non possiede più il coraggio della pittura. […] La sua tecnica rapidamente diminuisce e si impoverisce mentre il suo linguaggio pittorico perde i suoi legami e le sue radici. […] La sua pittura non conosce altra regola che quella del caso. […] Se l'esperienza di Pollock può insegnare qualcosa, è che questa esperienza finisce con se stessa e non può avere discepoli. […] È la conquista di un deserto da parte di un uomo che ha spento in sé e nel suo lavoro la luce della ragione. "Mentre Freek van den Berg si sofferma ironicamente su un confronto tra il pittore Pollock e il bambino dauber, Will Grohmann scrive:
“Ecco la realtà, non quella di ieri, ma quella di domani. […] E quale raffinatezza di concezione pittorica. […] Tutto si inventa nello spirito di un evento naturale e universale. "John Russel scrive che il lavoro di Pollock “è ancora più potente… delle cose che sono mai state dette al riguardo. " John Berger parla di dipinti di "Pollock" di grande talento come di "pareti interne della sua mente". "
Le immagini scattate da Hans Namuth nel 1950 del " pittore d'azione " circolarono sulla stampa che iniziò a vivere "celebrità" del mondo artistico. Queste immagini hanno plasmato nella mente del pubblico il cliché dell'artista “liberato”, il cui braccio reagisce come un sismografo inserito nel suo “inconscio”. In precedenza gli artisti non erano mai rappresentati al lavoro: il film Clouzot , Il mistero di Picasso , progettato nel 1952 è stato realizzato nel 1955.
Altre immagini, accuratamente composte da Namuth, hanno decretato il successo popolare di Pollock negli Stati Uniti: sono ritratti, come ha detto Willem de Kooning , "del tipo che lavora in una stazione di servizio", braccia incrociate, "un po' provocante, seducente ma rozzamente aria spogliata, che dipinge in un fienile, non in un laboratorio, con bastoncini e vernice industriale. Il suo successo popolare diede ben presto ai seguaci l'idea di fare, "alla maniera" di Pollock, una sorta di pittura kitsch che Greenberg aveva giustamente denunciato prima in Avant-garde e Kitsch , nel 1939, poi in un articolo di The Nation of23 febbraio 1946 :
“Vogliamo una divulgazione generalizzata […] dei beni culturali alla moda […] per offuscare le differenze, se non riuscire a cancellarle completamente. "È contro questa divulgazione che ha totalmente stravolto il suo lavoro che Pollock reagisce tornando alla figurazione. Il7 giugno 1951, scrisse a Ossorio:
"Ho avuto un periodo di disegno su tela in nero - con alcune delle mie prime immagini in arrivo - penso che i non-oggettivi le troveranno inquietanti - e i bambini che pensano che sia semplice tagliare un Pollock. "La seconda edizione de L'Atelier de Jackson Pollock chez Macula, nel 1982, ha offerto l'opportunità di pubblicare un testo di Barbara Rose in francese. Sottolinea il significato delle immagini in bianco e nero di Hans Namuth , che erano molto popolari. I film, invece, distribuiti nelle università, hanno toccato profondamente il pubblico delle scuole d'arte e le nuove generazioni di artisti, soprattutto Allan Kaprow e Donald Judd .
Già nel 1972 Dore Ashton ha saputo evocare il contesto culturale con grande precisione. In particolare, con l'emigrazione di due terzi degli psicoanalisti dall'Europa, c'è stata una vera e propria moda in cui il concetto di inconscio è stato integrato nella moda surrealista e nella sua scrittura automatica . La posizione di Jung (quella di Henderson, lo strizzacervelli junghiano di Pollock alla fine del 1938-1939), le cui concezioni estetiche trovarono un clima relativamente ricettivo, fu meglio integrata dall'ambiente culturale americano. L'aspetto psicologico dell'Ulisse di James Joyce lo ha reso un riferimento nel mondo artistico. Jackson ne possedeva una copia accanto a Foglie d'erba di Walt Whitman . Le "profondità incomprensibili dell'anima moderna" si annidavano in ogni caffè di New York. Chi non aveva letto i testi teorici sapeva cosa stava succedendo. Il film noir ne ha attinto molto. Dal 1947, l' esistenzialismo sartreano è stato associato nella cultura americana con The Age of Anguish come è stato formulato nel poema di Auden del 1946 e le sue "cose gettate nell'esistenza".
Nel 1983, il famoso libro di Serge Guilbaut How New York ha rubato l'idea dell'arte moderna, che ha atteso il 1996 per essere tradotto in francese, è stato pubblicato dalle edizioni dell'Università di Chicago . Si intitola Espressionismo astratto, libertà e guerra fredda . Questo libro riguarda Pollock in particolare nel suo primo capitolo che tratta della demarxizzazione dell'intellighenzia a New York tra il 1935 e il 1941. Pollock evoca il suo realismo nelle sue lettere come un modo di espressione leggibile dal popolo e che deve fare i conti con temi. Per il1 ° maggio 1936, si impegna con Siqueiros nella realizzazione di stendardi e un carro…. Il trotskismo ha assunto una transizione che ha visto l'ambiente culturale di sinistra sempre più impotente con l'ascesa al potere di Stalin e della sua politica. Il secondo capitolo evoca l'affermarsi di un'arte americana a causa della seconda guerra mondiale. Il terzo capitolo tratta delle "condizioni per la creazione di un'avanguardia nazionale" nel 1945-1947. Emerge che il successo di Jackson Pollock è nato da una singolare combinazione di circostanze in cui la scomparsa del luogo parigino ha portato all'emergere di una certa fiducia in se stessi nell'ambiente culturale americano. La successiva staffetta fondamentale è arrivata dalla stampa, a tratti ironica. Infine, nel 1953, gli ambienti politici richiesero la partecipazione di Pollock alla mostra “12 pittori e scultori contemporanei americani” al Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi. La mostra è stata poi presentata a Zurigo, Düsseldorf, Stoccolma, Helsinki e Oslo.
È certo che il successo commerciale di Pollock, che fu il primo tra tutti gli espressionisti astratti a sfondare, dipese in parte dall'emergere di una nuova classe benestante corrispondente al boom degli Stati Uniti. Al cuore del maccartismo la ribellione artistica si trasformò in un'ideologia liberale aggressiva. Il nuovo liberalismo si identificava con quest'arte, non solo perché questo tipo di pittura presentava caratteristiche moderne (percepite come americane) ma soprattutto incarnava al massimo grado le nozioni di individualismo e rischio. Infine, questi dipinti potrebbero benissimo, con il loro affermato carattere monumentale, essere presentati dal quotidiano Vogue come ottimi elementi decorativi in spazi architettonici di stile moderno.
Quanto a spiegare il successo popolare di Pollock, questo dipinto forse incarnava semplicemente l'ideale di un'epoca, lo spirito dei tempi: l'accettazione di sé, la libertà trasgressiva e la velocità, fluida, che ha essa stessa espressa da queste parole:
L'analisi frattale delle opere di Jackson Pollock proposta da Richard Taylor, Adam Micolich e David Jonas mostra che il principio di autosimilarità statistica è rispettato. Questa analisi consiste nel verificare mediante una griglia di N quadrati posti sulla tela che la proporzione dei motivi rimane costante qualunque sia il numero di quadrati studiati e quindi qualunque sia la dimensione dei quadrati. La vernice nera occupa il 36% della superficie di un quadrato, due quadrati... o n quadrati. Lo stesso vale per gli altri colori che occupano il 13% della tela. La dimensione frattale della densità d è pari a ~ 1,66. In Ritmo autunnale (Numero 30) , d è 1,67.
La dimensione frattale è costitutiva della tecnica di Jackson Pollock e non consecutiva. Definisce matematicamente all-over . L'analisi ha così mostrato che le prime opere hanno una dimensione frattale maggiore di 1.1 e, alla fine della sua vita, 1.7. Inoltre Pollock aveva distrutto un'opera di dimensione frattale 1.9 che considerava cattiva, troppo densa mentre veniva filmata da Hans Namuth .
Tale analisi può consentire di individuare eventuali falsi Pollock del periodo cosiddetto “classico”.
Diversi critici d'arte fanno collegamenti tra il lavoro di Pollock e quello dell'artista canadese Jean-Paul Riopelle . Un dipinto di Jean-Paul Riopelle presentato nel 1950 alla mostra Véhémences confrontées , organizzata dal critico d'arte Michel Tapié e dal pittore Georges Mathieu alla galleria Nina Dausset di Parigi, si ispira a un'opera di Jackson Pollock che Michel Tapié descrive come “amorfo”, cioè senza forma o puramente materiale.
Riprodotto, con qualche eccezione, nel catalogo 1999.