La scuola veneziana di pittura sviluppato essenzialmente a Venezia per sé, in questo luogo indispensabile per gli scambi tra Nord e Sud, il Nord Europa e nei paesi bagnata dal Mediterraneo, Oriente e Occidente (e in primo luogo la pianura padana), nel corso di un lungo periodo che va dal XIV e al XVIII ° secolo, quando la radiazione della scuola veneziana. Riunì pittori del territorio circostante, quelli dei territori della Repubblica, di terraferma, ed ex famiglie veneziane. I loro dipinti, divenuti famosi a Venezia, furono venduti in tutta Europa.
La "nascita" della pittura veneziana è al XIV ° secolo, quando la rottura qualsiasi parente a Venezia con l' arte bizantina , integrando i temi gotici come l' incoronazione della Vergine .
Nel XV ° grandi officine di pittori veneziani che faranno lo stile di transizione secolo gotico internazionale ad applicazioni in vernice, la ricerca del primo Rinascimento . Il gotico internazionale era piacevole, decorato. Oro e colori, ricchi di significati simbolici. Il dipinto partecipa pienamente alla cultura medievale di un'Europa cattolica. Le nuove forme del primo Rinascimento non mostrano più grandi distese d'oro (ben presto si restringono fino a scomparire dal quadro). Verso la fine del secolo, il pittore abbandonò gradualmente la pittura ad acqua ( tempera ) per la pittura ad olio. La precisione corrisponde alla padronanza del disegno: l'oggetto osservato, dettagliato, è inscritto, alla giusta scala , all'interno della trama in prospettiva dello spazio. Il dipinto, che pullula di dettagli, fa spesso riferimento all'arte antica ed è oggetto di discussioni accademiche in circoli sempre più ristretti, dotti umanisti , soprattutto intorno al 1500. Dopo una grande voga per dipinti destinati alla devozione privata, i nuovi committenti, confraternite ( scuole veneziane), patrizi colti, corti principesche richiedono essi stessi pittori colti.
Questo periodo culminò nei XVI ° secolo, questa, che continuano lo sviluppo della pittura, e la riflessione durante la produzione: il disegno preparatorio su carta è secondario e, a volte scompare. I giochi della pittura si sovrappongono al dipinto stesso e gradualmente lo compongono: Giorgione (1477 - 1510) a pittura fusa, Tiziano (1488 - 1576), Tintoretto (1518 - 1594) e Véronèse (1528 - 1588) con molto più marcato effetti pennello. Tutti celebrano il corpo umano in tutte le sue forme, in particolare innumerevoli ritratti spesso carichi di umanità. Ognuno di questi pittori è desideroso di competere con i suoi contemporanei, cercando abilità. La moltitudine di effetti offerti dalla pittura ad olio che dispiegano rafforza il prestigio dell'artista nella società veneziana ed europea dell'epoca. L'invidiato status di pittore ufficiale della Repubblica è misurato da ordini principeschi, reali e imperiali di tutta Europa.
Poi, il XVIII e secolo costituisce un secondo periodo fiorente per l'arte veneziana, dopo una grandissima cancellazione nel corso del XVII e secolo. La più grande artista femminile di Venezia, Rosalba Carriera (1675 - 1757) è anche la pastellista il cui know-how, diffuso in tutta Europa, lancia la moda del pastello, per un ritratto che può, quindi, essere colto con più naturalezza. Giambattista Tiepolo è ricercato per la vivacità del suo pennello e per i suoi splendidi cieli. Venezia diventa il luogo imprescindibile per i primi turisti . I paesaggisti veneziani creano per questi clienti la "vista" scattata su siti famosi, a contatto con loro. Così è nato il Vedutismo . La "vista" è chiamata veduta ( vedute plurale ) in italiano : Canaletto , Guardi ne fanno la loro specialità. Alcuni dei dipinti di Canaletto sono realizzati con l'ausilio della camera oscura , antenata della macchina fotografica. Nel 1789 Guardi, di fronte a un gigantesco incendio in un intero sestiere di Venezia, dipinse l'evento come un documento. È una nuova concezione dell'immagine, catturata a diretto contatto con la realtà. Nel 1797 la Repubblica di Venezia passò sotto la sovranità austriaca. La scuola pittorica veneziana cessò di esistere.
La presenza continua nel cuore di Venezia, i mosaici della Basilica di San Marco , che erano all'interno della tradizione pittorica bizantina (del XIV ° secolo), esposto davanti agli occhi di pittori effetti di sfondo tessere d'oro colorate e a-piatti di colori accesi che luccicavano nei volumi della basilica e con la luce cangiante. Certamente è stato, in ogni momento a Venezia, un forte stimolo per i pittori a lavorare con i colori e con la pittura: come trasporre questi effetti in pittura?
Agli inizi del XIV ° secolo pittori veneziani stanno aprendo sempre di più a dipingere il continente, dal nord Europa in particolare il movimento gotico. Paolo Veneziano è il primo pittore veneziano di cui conosciamo il nome come artista. Fu il primo a sviluppare un personale linguaggio pittorico , in bilico tra l'arte bizantina ei nuovi temi della pittura gotica come, qui, l' incoronazione della Vergine . Le parti del corpo rappresentate sono dipinte secondo la tradizione bizantina dell'epoca: dopo la preparazione in bianco (bizantino: leukos ), su fondo scuro (marrone-verde, bizantino: sankir ) i colori apposti sono sempre più chiari, per finire con bianca. La precisione del lavoro è il risultato di un know-how miniaturista che produce un effetto arazzo. I motivi floreali delle vesti di Cristo e della Vergine riproducono tessuti di seta ricamati ispirati a ricami cinesi o ceramiche cinesi : un commercio lungo la Via della Seta che riprese il suo sviluppo con la dinastia Yuan , ancora al potere in quel momento in Cina, e che finì proprio a Venezia. Inoltre, i motivi ondulati dei tessuti, tra Cristo e la Vergine, sembrano essere motivi di fantasia calligrafica araba, come era praticata in Italia per diversi secoli prima e durante il Rinascimento.
Jacobello del Fiore , Venezia 1421. Entra la giustizia s. Michele e l'Arcangelo Gabriele . Trittico: tempera e oro su tavola, H. 208 cm. Galleria dell'Accademia di Venezia
Antonio Vivarini e Giovanni d'Alemagna , 1446. Vergine in trono tra s. Girolamo, s. Gregorio, s. Ambrogio e s. Agostino . Tempera su tela. Parte centrale: 340 × 200 cm , Gallerie dell'Accademia
Jacopo Bellini, c. 1450. Vergine e Bambino. Tempera su legno. H. 71 L. 52 cm. Galleria dell'Accademia
Jacopo, Gentile e Giovanni Bellini, 1464-70 ca. Polittico di s. Lorenzo, Santa Maria della Carità
Bartolomeo Vivarini . Polittico: San Domenico, Sant'Agostino e San Lorenzo, 1473.Tempera su tavola. Basilica di San Zanipolo
L'inizio del Quattrocento è segnato a Venezia dall'opera di Jacobello del Fiore dal 1400 e dal passaggio di Gentile da Fabriano intorno al 1410. Lo stile di questi pittori è il gotico internazionale : moltiplicazione di zone di colori differenziati, accentuate da distinti ornamenti, e cornici scolpite che rinforzano le diverse parti dei polittici . Opulenza dei broccati e decorazioni sontuose, pose aggraziate e ripetitive: “l'immagine è brillante, celeste, per il suo lusso immerge i fedeli nell'ammirazione e, quindi, nella devozione. Il prestigio della pittura è sfruttato appieno per sedurre gli occhi e, attraverso di essi, la mente e l'anima dello spettatore”. Bartolomeo Vivarini , mentre dipinge nella Basilica di San Zanipolo , un polittico dedicato a Sant'Agostino (1473) ancora profondamente gotico, mostra un certo "espressionismo" pittorico: spazio senza profondità, economia dei colori ridotti a netti contrasti (nero-bianco-rosso ), pochissimi ornamenti. Carlo Crivelli , dopo essersi formato nello studio di Antonio Vivarini e Giovanni d'Alemagna, proseguirà la sua carriera nelle Marche con una pittura appunto integrata nell'architettura del gotico fiammeggiante, internazionale e nel suo decoro.
Ma nel 1446, a Venezia, questa frammentazione decorativa dello spazio non era più all'ordine del giorno, anzi. Per Antonio Vivarini e Giovanni d'Alemagna , nel trittico dell'Accademia, lo spazio è unificato sui tre pannelli. Su questo punto il dipinto crea un'innovazione nella pittura dei polittici a Venezia. L'immagine segue in parte il piccolo trattato sulla pittura di Leon Battista Alberti , anche se pubblicato nel 1435, che ha codificato alcuni principi fondamentali che i suoi amici fiorentini sono stati operati nel corso del primo quarto del XV ° secolo: il punto di fuga si trova sull'asse verticale mediano di il dipinto, quello della Vergine col Bambino. Il messaggio trasmesso da questo punto di fuga è chiaro: la Vergine e il Bambino attendono la nostra venuta, lo sguardo verso questo punto di fuga è solo un vettore. Questo trittico dell'Accademia è anche uno dei più antichi dipinti veneziani su tela giunti fino a noi: a Venezia gli affreschi non si sono potuti conservare a causa dell'umidità delle pareti e delle condizioni climatiche. La tela potrebbe, come nel Nord Europa, permettere di conservare il dipinto mantenendolo staccato dal muro. Un gran numero di affreschi dovette quindi essere sostituito da dipinti su tela, i dipinti su tavola essendo limitati a formati più modesti. Questo supporto, la tela, la grana accuratamente ricoperta di intonaco bianco, levigato al tempo di Antonio Vivarini, darebbe ai pittori veneziani la libertà, dal Carpaccio, intorno al 1480, di introdurre effetti pittorici molto più numerosi nello spessore dello strato pittorico giocando sulla grana della tela, spessa, con tessitura ben visibile. Questa fase di preparazione nel buio nel XVI E secolo.
Gentile e Giovanni Bellini, Giovanni Battista Cima da ConeglianoGiovanni Belli , c. 1467. Pietà . Tempera su tavola, 86×107 cm , Pinacoteca de Brera .
Gentile Bellini . Ritratto del sultano ottomano Mehmed II il Conquistatore . 1480. Olio su tela, 70×52 cm , National Gallery .
Giovanni Bellini, 1487. Madonna col Bambino tra San Pietro e San Sebastiano . Olio/legno, particolare, L. 60 cm ca. Louvre
Giovanni Bellini, 1485-1490. Vergine e Bambino . Olio su tavola, 89×71 cm , Metropolitan Museum of Art .
Cima da Conegliano . Il Battesimo di Cristo, 1493-94. Olio su tavola, 350×210 cm . San Giovanni in Bragora
Vittore Carpaccio , 1495-1500. L'arrivo degli ambasciatori inglesi a casa del re di Bretagna , Vita di Sant'Orsola . Olio su tela 2,75 × 5,89 m Accademia
Durante questo primo Rinascimento furono molti gli scambi tra le idee che circolavano in Europa e le botteghe veneziane. Così, in una corrente di pensiero che sarà anche quella leonardesca più avanti nel secolo, Iacopo Bellini , grande disegnatore intorno al 1440, introdusse il gusto per il dettaglio studiato sul posto e sostituì la proliferazione decorativa con una moltitudine di dettagli osservati: i ritratti , animali e oggetti familiari, tutta la natura è studiata con la massima precisione in questo periodo. Ne troviamo traccia nei particolari dell'Estasi di San Francesco di: Giovanni Bellini , intorno al 1480. La pittura ad olio, di origine fiamminga e per il suo naturalismo , era conosciuta ed ammirata in Italia. Tuttavia, nel 1475-76, Antonello da Messina , aveva fatto un soggiorno a Venezia dove si era particolarmente notato lo scioglimento della sua pittura ad olio e lo spazio chiaro che introdusse nella pittura della devozione. Giovanni Bellini si impadronirà di questo materiale pittorico intorno al 1480 per sviluppare tutti gli effetti di dissolvenza e trasparenza nella rappresentazione di effetti atmosferici e armonia cromatica propri di un momento della giornata, come lo percepiamo più che altrove alla luce di Venezia e della sua laguna . Questa attenzione all'armonia, nei dipinti religiosi come nella natura, riecheggia le riflessioni che si sviluppano all'Università di Padova con l'associazione della Vergine Maria con la generosità della Natura. Dai suoi primi grandi dipinti ad olio (come nell'Estasi di San Francesco ), Giovanni Bellini ha introdotto una nuova luminosità atmosferica nel paesaggio naturale attraverso velature ad olio su tempera . Questi smalti molto trasparenti facilitano così l'accordo generale dei colori secondo l'unità della luce e, nell'Estasi di San Francesco , la luce dell'alba.
A quel tempo, i territori che confinavano o che si integravano gradualmente nella Repubblica di Venezia offrivano a tutti i pittori l'opportunità di contatti culturali, come con gli umanisti della corte ferrarese . Le loro ricerche sulla prospettiva geometrica , quelle di Leon Battista Alberti in particolare, raggiungeranno così Jacopo Bellini, appassionato di disegni di architettura in prospettiva, e la trasmetteranno al suo studio, in particolare al figlio Giovanni. Genero di Jacopo Bellini, Andrea Mantegna , appassionato anche lui di geometria prospettica, artista padovano e non veneziano, ma quindi molto vicino al Bellini, ritrovato nelle sculture del fiorentino Donatello a Padova (in particolare il monumento equestre a Gattamelata ) il gusto tutto abbastanza "rinascimentale" dei monumenti antichi, la loro decorazione, e confrontare ciò che l'artista poteva osservare sul modello vivente, naturale, e sul modello antico, idealizzato. La pala di San Zeno a Verona , del 1559, ne è la forma più esplicita. Mantegna dimostra di assimilare il mondo antico contemporaneo della vita di Cristo e la sua rappresentazione in prospettiva per lo spettatore moderno. Questo è ciò che fa nei suoi disegni, dipinti e le loro cornici in rilievo, ma anche realizzando le primissime incisioni calcografiche di grande formato , con minuziosa lavorazione e che, stampate in gran numero, circolarono d'oltralpe, nelle mani di Dürer . L'architettura rappresentata in rilievo nella cornice del polittico veronese è prolungata dalla sua rappresentazione in prospettiva all'interno del dipinto. Troviamo questo passaggio tra lo spazio dello spettatore e lo spazio della sacra rappresentazione, come una finestra aperta, nella pala installata in San Zaccaria nel 1505 da Giovanni Bellini. Questo era stato in grado di sintetizzare tutti questi movimenti nella cultura e nella pratica dei pittori del XV ° secolo. Fu, quindi, il pittore più ammirato di Venezia.
CarpaccioMolto presto, prima del 1502, Vittore Carpaccio (c. 1460-1526) aveva fissato il suo stile e definito il suo universo poetico. La sua pittura, molto diversa da quella dei suoi contemporanei, si distinse dalle maggiori correnti della rivoluzione pittorica a Venezia.
Influenzato dalla pittura fiamminga , fu uno dei primi a utilizzare l'onnipresenza dell'architettura , delle decorazioni interne veneziane e dei paesaggi urbani utopici che prefiguravano un genere, le vedute (paesaggi urbani nella stessa Venezia e sulla laguna). Tratterà invariabilmente la realtà veneziana in modo serio e ingenuo, a volte pittoresco, ai margini della moda pittorica del suo tempo. Ottenne numerosi contratti dalle Scuole , confraternite caritatevoli e benevole che impiegavano artisti per decorare i loro locali. Il gusto per le storie di Vittore Carpaccio ha potuto svilupparsi liberamente nel ciclo di dipinti dedicati ad episodi della vita di Sant'Orsola , destinati alla Scuola di Sant'Orsola.
Collaborò con Gentile Bellini e altri due rappresentanti della tradizione narrativa veneziana, Lazzaro Bastiani e Giovanni di Niccolò Mansueti , al ciclo di dipinti prodotti per la Scuola Grande di San Giovanni Evangelista . Tra il 1501 e il 1503 eseguì per la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni , dedicata a San Giorgio e San Trifone , due grandi tele raffiguranti San Giorgio e il drago , le due tele di San Girolamo e il leone e I funerali di San Girolamo , come così come La visione di sant'Agostino . In quest'ultimo dipinto Carpaccio rappresenta il luogo di lavoro di un umanista coltivato intorno al 1500.
“I veneziani non usano il termine colore ; preferiscono quello di colorito o colorire ”(una forma del verbo):“ Il colorito è infatti un processo additivo, costruendo gradualmente il quadro, dalla tela che fa da sfondo, preparata al buio, fino alle modifiche finali, ottenute dagli smalti”. Questo concetto non considera il colore "che esce dal tubo", ma il processo che attua, attraverso il gioco dei pennelli, e di altri strumenti del pittore, materiali pittorici più o meno colorati, opachi o trasparenti. In questo processo l'idea, l' invenzione , che prende forma nei disegni, disegni , continua a fare della mimesi un obbligo dell'arte, come avevano istituito nel secolo precedente i pittori del Rinascimento fiorentino . Ma, per i pittori veneziani, l'imitazione della natura deve essere fatta dal punto di vista del colore e della tonalità - in termini di valore del colore, più o meno chiaro o scuro. “L'imitazione in pittura deve quindi basarsi sul colore e non sulla linea”. E la fase del disegno, inizialmente su carta anche se viene appoggiata direttamente sulla tela con un pennello, prosegue poi durante la pittura.
Il disegno veneziano, spalmato di gesso nero o carboncino molto meglio della penna o del gesso, è una sottoparte di "colore", nel senso di colorito . "Se devono servire agli scopi mimetici della pittura, i colori non possono più mantenere la loro purezza intrinseca, non più di quanto il contorno possa preservare la sua integrità fisica". Ecco perché, a Venezia, si assiste alla dissoluzione delle forme in un momento in cui a Firenze come a Roma l'arte si vanta di aver raggiunto la dotta padronanza dei contorni chiusi: prospettiva matematica, anatomia che la assicura. base del dipinto. Mentre a Venezia il quadro si costruisce disfacendosi per meglio rifarsi. Disegnate nuovamente con un pennello, le idee si sviluppano durante il processo pittorico, le figure si muovono, a volte scompaiono, sorgono pattern imprevisti che trasformano l'idea. In questi giochi del pennello Paolo Pino ritiene che "la velocità della mano sia una cosa molto importante", avvicinandosi ad un'estetica della "facilità". Egli proclama che la disinvoltura, suggerita da una casualità artigianale ed elegante, la sprezzatura , è il primo criterio in tutte le arti, e il più difficile da raggiungere: l'arte che consiste allora nel nascondere l'arte.
La rivoluzione del colore e della ritrattistica a VeneziaIntorno al 1508 lo stile di Giorgione è ad una svolta in cui la venatura chiaroscurale estremamente tardiva non conosce lo sfumato di Leonardo , che giunse a Venezia nei primi mesi del 1500. La pittura di Leonardo si arricchisce ancora di un'ombra crescente ed egli era all'apice della sua gloria, così spiato, anche da lontano, da tutti i pittori. Il nuovo stile di Giorgione risente anche di un naturalismo più marcato in relazione al recente confronto offerto dall'opera di Dürer come ritrattista durante il suo soggiorno a Venezia. Il nuovo stile di Giorgione si manifesta nel ritratto d'uomo al Museo di San Diego da una vaporosa unione di colori negli sfondi, con questa luce diffusa, e questa pasta localmente compatta e densa che galleggia nei capelli e dà la sensazione della materia .
Quanto alla rappresentazione di vasti paesaggi naturali, quelli della Tempesta e molti altri, sembra ispirarsi a Leonardo universalizzando gli sfondi di Bellini e Cima da Conegliano. Le incisioni di Dürer , dove la natura è molto presente, come La Vergine della Festa del Rosario (Venezia, 1506) con i suoi alberi individualizzati, stimolarono certamente anche l'emulazione tra i pittori veneziani, e non solo Giorgione.
Intorno al 1520 Tiziano abbandona il mistero contemplativo di Giorgione e mette in scena con sobrietà la realtà naturale, lo status sociale e la psicologia del suo modello. L'Homme au gant testimonia una nuova concezione dell'individuo e un inedito rapporto tra il pittore e il suo modello. Il pittore veneziano riprende il chiaroscuro modulandolo grazie agli effetti di trasparenza della parte inferiore, ma soprattutto grazie agli accordi di toni di superficie (la pittura tonale) dove compaiono grigi colorati. Accanto alla fusione di toni adiacenti, il pittore veneziano dispiega tutto un gioco di impasti nelle luci (con qualche accento bianco) e velature sulle ombre trasparenti.
E 'stato durante questo periodo, nella seconda metà del XVI ° secolo, la maggior parte delle caratteristiche sorprendenti di veneziana maturità dell'arte portata. Ne abbiamo la più chiara espressione nelle opere di Tiziano dopo il 1551, quelle di Véronese, Tintoretto e Jacopo Bassano con la loro pratica della materia pittorica e la loro libertà di fattura, il gioco del pennello vivo e quasi spontaneo.
Nel 1551, dopo un breve periodo in Italia ( Ritratto di Papa Paolo III Farnese , 1543) e poi a Roma, Tiziano si stabilì a Venezia per rimanervi fino alla sua morte nel 1576 . Lo stile dei suoi ultimi 25 anni riflette l'essenza dell'arte pittorica veneziana. Realizza carte al suo principale mecenate, Filippo II di Spagna , tra gli altri per quanto riguarda estratti delle Metamorfosi di Ovidio : Diana e Atteone e Diana e Callisto . In quel periodo Tiziano rielaborava i suoi dipinti in tempi molto lunghi (dieci anni per la Crocifissione nella sacrestia dell'Escurial , moltiplicando gli effetti della pittura per linee di grana molto evidenti, a volte tracciate con la punta delle dita, ed esplorava tutte le possibilità del non finito , vale a dire un dipinto che richiede un lavoro da parte dello spettatore quando "finisce" il dipinto fondendo le forme evocate dal dipinto ( colorito ) lasciato nello stato di turbinii di colori , “Una vampata di fuoco. Ma La Ninfa e il Pastore , e fino a La tortura di Marsia, sono giudicati finiti dal pittore che vi ha apposto la sua firma tra il 1570 e il 1576. La magia dei suoi giochi pittorici, su una superficie senza effetto prospettico, diventa bidimensionale avrà un'influenza decisiva sul corso della storia della pittura moderna.
Le figure più importanti della successiva generazione di Tiziano sono Tintoretto (1518-1594) con l'eccezionale raccolta di dipinti del maestro sul tema della Vita, Passione e Morte di Gesù alla Scuola Grande di San Rocco , poi Paul Véronèse ( 1528-1588) e Jacopo Bassano (1515-1592). Tutti e tre sono influenzati da quest'ultimo modo di Tiziano, sebbene quest'ultimo vi si opponga. Interpretano anche il manierismo dell'Italia centrale ma spesso introducono, e soprattutto negli ultimi anni, potenti effetti di ombra e di luce, un luminismo che colpisce anche molti luoghi della creazione pittorica, compreso il nord Europa e nel nord Italia Lombardia . È questa tradizione che riprendere Caravaggio e amplificato fino tenebrism nel XVII ° secolo.
Paul Véronèse, veronese , è a Venezia dal 1555. Se il colore è l'essenza dell'arte veneziana, Veronese è una figura caratteristica. Nel senso in cui oggi intendiamo “colore”, come spazio cromatico , i suoi colori sono generalmente netti e armonicamente associati secondo principi che corrispondono al gioco di effetti complementari e simultanei dei contrasti , come ha potuto osservare Delacroix nel dettagliare il dipinti di Véronèse con sorpresa. Ma a questa parola "colore" bisogna restituire il significato che aveva all'epoca: gli effetti di colore, pregio e intensità così come la materia pittorica lavorata dal pennello, dal dito e dalla tela, anche con qualsiasi strumento che permetta freschezza e vernice più o meno indurita da raschiare. Quanto all'uso delle tinte scure che Giorgione impiega all'inizio del secolo in una materia fusa, Tiziano, Veronese, Tintoretto e Bassano praticano questa gamma di colori ma con effetti di materia pittorica vigorosa, per sbavature cariche più o meno .chiaro e opaco su sfondi scuri. Possiamo citare come esempio per i dipinti del Veronese: La conversione di San Pantaléon e San Pantaléon che guarisce un bambino , tra gli altri, che furono commissionati nel 1587 . Come negli ultimi dipinti di Bassano, Tiziano e Tintoretto, queste scene, molto spesso notturne, sperimentano i movimenti del pennello sulla tela bitorzoluta, in toni scuri e scie luminose.
Jacopo Bassano , c. 1562-63. Il Buon Samaritano , 102×79 cm . National Gallery , Londra
Tiziano, 1570-76. Il supplizio di Marsia , H. 212 L. 207 cm. Kroměříž , Castello Arcivescovile
Tiziano, 1576. Pietà , H. 352 L. 349 cm. Galleria dell'Accademia di Venezia
Jacopo Bassano, c. 1575. Il Calvario , H. 49 L. 30 cm. Museo Nazionale d'Arte della Catalogna , Barcellona
Paolo Veronese, ap. 1585. Conversione di San Pantaléon , particolare. San Pantaleone, Venezia
Jacopo Palma il Giovane, c. 1600. Giuditta e Oloferne , Schloss Brake, Museo del Rinascimento Weser, Lemgo, Germania
Domenico Fetti 1615. Mosè davanti al roveto ardente . Olio su tela, 115×165 cm . Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto
Domenico Fetti, c. 1620, Davide . Olio su tela, 175×126 cm . Gallerie dell'Accademia
Bernardo Strozzi 1630. Ritratto di Giovanni Grimani . Olio su tela, 227×147 cm . Gallerie dell'Accademia
Francesco Maffei 1650 Scena mitologica , olio su tela, 130×161 cm . Gallerie dell'Accademia
Le opinioni sono divise sulla pittura veneziana del XVII ° secolo , molti lo vedono come un periodo o attività creativa diminuisce, declina. La prima parte della sega secolo perpetuare la tradizione consolidata alla fine del XVI ° secolo. Palma il Giovane è sicuramente l'artista più interessante da questo punto di vista, già allievo di Tiziano, dipinge più nello stile del Tintoretto e di Jacopo Bassano .
Diversi artisti, che non sono veneziani ma che vivono a Venezia, mantengono un certo livello di creatività: Domenico Fetti (Roma 1589- Venezia 1624), Johann Liss (Germania 1595- Venezia 1630) e Bernardo Strozzi (Genova 1581- Venezia 1644). Questi artisti perpetuano a modo loro la tradizione pittorica della città. Domenico Fetti conserva alcuni effetti del Caravaggio , per avvicinarsi poi all'arte veneziana. Le soluzioni di Bernardo Strozzi per la messa in scena del ritratto saranno utilizzate da artisti del secolo successivo: Ghislandi e perfino Giambattista Tiepolo . Quanto allo stile di Francesco Maffei , alla fine del secolo, ricorda quello del Veronese con effetti molto più contrastanti.
Il XVIII ° secolo è l'ultimo periodo di fioritura dell'arte veneziana. Venezia torna ad essere un importante centro di creazione pittorica e gli ordini si moltiplicano. I soggetti religiosi stanno diventando sempre più rari a favore della pittura di paesaggio, di genere e di storia.
La grande figura del secolo Giambattista Tiepolo , che continua la tradizione delle grandi composizioni di pittori del XVI ° secolo. Il suo stile, che è stato descritto come sofisticato e iperbolico, si esprime più spesso in grandi dipinti allegorici o religiosi, inclusi affreschi realizzati per palazzi (Palazzo Labbia), ville (Villa Pisani) o chiese. Il figlio Giandomenico Tiepolo , che per lungo tempo praticò lo stesso genere pittorico del padre, si rivolse dopo la morte di quest'ultimo ad una pittura più vicina alla realtà, descrivendo, attraverso scene di genere intrise di malinconia e di poesia, la società veneziana della fine del secolo, poco prima della fine della Serenissima. Tra i più importanti seguaci dello stile del Tiepolo ricordiamo anche Francesco Zugno (1709-1787) il cui stile si è evoluto verso il neoclassicismo alla fine della sua carriera. Nella sfera di influenza di Tiepolo sono anche Lorenzo Tiepolo (secondo figlio di Giambattista), Giovanni Raggi e Jacopo Guarana.
Rosalba Carriera è la ritrattista più famosa dei primi decenni a Venezia. Il suo rapidissimo successo la avvicinò al movimento illuminista (dipinse il ritratto di Rousseau). Si stabilisce per un periodo a Parigi dove lancia la moda del pastello (preso da un gran numero di grandi ritrattisti tra cui Maurice Quentin de La Tour e Jean-Baptiste Perronneau ). Pratica uno stile di ritratto realistico senza idealizzare o ingrandire il soggetto, che è spesso dipinto all'altezza del busto su uno sfondo monocromatico. È questa sensazione di verità che l'ha resa un successo.
Pietro Longhi è noto per le sue piccole scene generi che raffigurano la vita quotidiana con ironia a Venezia nel XVIII ° secolo, soprattutto nei circoli dell'aristocrazia. È apprezzato come suo omologo, William Hogarth , nel Regno Unito .
Canaletto , 1735-39 c., Veduta della Riva degli Schiavoni , 47 × 63 cm . Museo d'Arte di Toledo , USA
Rosalba Carriera , 1731. Autoritratto in allegoria dell'inverno , pastello , 46×34 cm . Gemäldegalerie Alte Meister , Dresda
Pietro Longhi , c. 1740. La lezione di danza . Olio su tela, 60×49 cm . Galleria dell'Accademia
Chiesa della Pietà , 1745-1760, Venezia. Dipinto: Giambattista Tiepolo , L'Incoronazione della Vergine
Giambattista Tiepolo, 1746-47. L'istituzione del Rosario . Affrescare. Chiesa dei Gesuiti , Venezia
Venere nella fucina di Vulcano . Giambattista Tiepolo 1765-66. Olio su carta montata su tela, 69×87 cm . Museo d'Arte di Filadelfia
Giandomenico Tiepolo, olio su tela (1745 -1749). Gloria degli Angeli Chiesa di San Polo
Francesco Guardi , 1770 ca. Il Doge di Venezia portato dai gondolieri, dopo la sua elezione in Piazza San Marco . 67×100 cm . Museo di Grenoble
Francesco Guardi, 1789. Incendio di deposito di olio a San Marcuola , 41×60 cm . Galleria dell'Accademia
Lo stile della veduta è una delle novità della pittura veneziana del 18 ° secolo . Il suo rappresentante più famoso è Giovanni Antonio Canal , meglio conosciuto con il nome di Canaletto , che dipinge con una precisione mai raggiunta prima vedute di città (soprattutto Venezia ma anche Londra). Per aiutarsi nella rappresentazione delle viste prospettiche e della posizione nonché della scala dei dettagli, utilizza la camera oscura . Suo nipote e allievo, Bernardo Bellotto , perseguendo in modo diverso l'arte della veduta, divenne in particolare pittore per le corti di Vienna (Austria) , Dresda e Varsavia . Canaletto, intanto, continuerà a dispiegare il suo senso dello spazio e la sua altissima sensibilità alla luce, ma a Londra. Ma ciò che è essenziale in questo XVIII ° secolo, è il contributo delle immagini (dipinto o inciso) documento desiderio in contatto diretto con l'esperienza comune: sono i primi turisti (quelli del Grand Tour ), che, non volendo passare attraverso la mediazione delle tradizioni qualunque esse siano, voler fondare la propria conoscenza sull'esperienza diretta della realtà, attuazione dell'empirismo che caratterizza il pensiero dell'Illuminismo , e riportare testimonianze, nei dipinti, che possano poi risvegliare i loro ricordi.
Francesco Guardi , a differenza di Canaletto, offre nelle sue vedute un'interpretazione allusiva della realtà, e non una dettagliata immagine "fotografica". In effetti, i suoi dipinti sono spesso intrisi di un'atmosfera un po' irreale o magica. E l'agitazione dei veneziani, la moltitudine di piccoli mestieri fa rivivere tutti questi spazi urbani, evocati con un rapido pennello con i giochi del cielo e della laguna. Produsse anche veri e propri documenti che sembrano presi dal vero: l'incendio al magazzino dell'olio di San Marcuola è stato oggetto di diversi dipinti. Quello dell'Accademia, si basa su studi disegnati, probabilmente contemporaneamente, e partecipa a questa attrazione per il contatto “fisico” con il fatto reale che caratterizza una tendenza “documentaria” della pittura.
Secondo gli storici dell'arte, della scuola veneziana di pittura inizia Duecento ( XIII ° secolo) o Trecento ( XIV ° secolo) da un periodo noto come pre-rinascimentale (Secondo lo storico dell'arte Jacob Burckhardt , questa rinascita prima che il tempo inizia dal XI ° secolo in Toscana e si diffuse fino al secolo successivo in Provenza e in Italia mediana) e seguita a pieno dal primo Rinascimento nel Quattrocento .
Si trasforma nell'Alto Rinascimento all'inizio del Cinquecento (tra il 1500 e il 1530), seguito dal Manierismo o Tardo Rinascimento che va dal 1520 (morte di Raffaello) per concludersi rapidamente nel 1580.
Il Barocco , che inizia a cavallo tra il XVI ° e il XVII ° secolo, anch'esso nato in Italia, prosegue poi nel periodo tardo barocco denominato appunto Rococò (cui è seguito il neoclassicismo ).
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