Il mercato dell'arte è l'insieme delle transazioni relative a oggetti d'arte e opere d'arte , effettuate tra i vari attori del commercio d'arte quali artisti , mercanti e antiquari , gallerie o mediatori , collezionisti e dilettanti.
Apparso all'inizio del XVI E secolo, questo commercio non cessò in continua evoluzione, si è segmentato in base al paese, la legislazione e dalle varie categorie convenzionali ma che seguire la cronologia della storia delle rappresentazioni artistiche e produzioni umane.
Il mercato globale pesa attualmente in termini di volumi di transazioni noti oltre $ 50 miliardi .
La denominazione “mercato dell'arte” abbraccia realtà diverse e contraddittorie, in quanto gli oggetti e le opere d'arte vengono venduti o tramite gallerie (operazione allo sportello ), un mercato privato il cui fatturato non è noto con precisione, o tramite aste le cui cifre e risultati sono conosciuti.
A livello globale, il volume delle transazioni note è stimato a quasi 51,3 miliardi di euro nel 2018 dalla fiera di Basilea e dalla banca UBS . Le 14.000 case d'asta quotate nel mondo realizzano un fatturato di 28,5 miliardi di dollari, di cui cinque da sole raggiungono il 50% di questa cifra, le prime due case sono Sotheby's e Christie's . Il giro d'affari di gallerie e galleristi è stimato in 33,7 miliardi .
Tra il 1997 e il 2017 il fatturato globale del mercato dell'arte è cresciuto del 456%: questo fortissimo incremento è dovuto principalmente all'arrivo di nuovi player geografici come la Cina. Secondo Thierry Ehrmann , il numero di paesi attivi nel mercato dell'arte è aumentato da 34 a 59 nel periodo.
Il mercato mondiale è suddiviso in categorie che coprono diverse realtà dell'arte e, a seconda del contesto, tendono a variare notevolmente. Oggi il mercato è largamente dominato dalle competenze anglosassoni, per ragioni storiche di finanza, dal 1945. Tuttavia, a vantaggio di nuovi player come i mercanti cinesi, indiani, mediorientali e russi, le categorie si evolvono, così come la storia del l'arte non è fissata in una rappresentazione culturocentrica, emergono nicchie che richiedono competenze sia locali che più raffinate.
Il primo criterio è la datazione. La suddivisione per grandi epoche segue convenzionalmente una cronologia imposta dall'Occidente: antiquariato, arte medievale, arte classica , arte moderna ( art nouveau , art déco ...), arte contemporanea . Si riflette anche nelle correnti artistiche, per un approccio più storicizzante, per periodo elencato di creazione e vendita: primitivi fiamminghi , arte classica dal 1600 al 1840, accademismo, moderno dal 1840 al 1940 (ma gli inglesi considerano il 1900 come la scadenza per il modernismo), vigili del fuoco, impressionismo , dopoguerra (dopo il 1945), contemporaneo, quest'ultimo evolvendosi in una riclassificazione o in una categorizzazione più precisa con il passare del tempo. L'impatto politico gioca un ruolo importante: c'è un prima e un dopo i grandi periodi rivoluzionari o guerre.
La seconda è l'origine per settore geografico, poiché da un lato l'evoluzione della storia dell'arte non si limita all'Occidente e, dall'altro, le normative fiscali, le definizioni dell'opera d'arte, i diritti variano da paese a paese al paese. Ci sono quindi settori come le arti primitive o primitive (Africa, Americhe precolombiane , Oceania, ecc.), l'arte cinese, l'arte giapponese, le arti dell'Islam, ecc.
Ma il mercato è anche segmentato localmente: all'interno di un paese, ad esempio in Francia, esistono mercati regionali intorno a grandi città regionali ( Lione , Tolosa , ecc.), o negli Stati Uniti, uno stato l'altro, ecc. Troviamo nel mercato per oggetti di arte enorme scissioni, categorie molto specifiche come "automi e orologi fabbricati nel Giura, nel XVI ° secolo", i "libri stampati prima del 1500 a Venezia," o "monete coniate da un laboratorio nel cuore di una valle in Boemia prima del 1600”, ecc.
A seconda del paese, alcuni oggetti hanno un particolare sistema fiscale. Potrebbe essere vietata la vendita di alcune opere in quanto considerate patrimonio nazionale, di grande interesse patrimoniale. In tal caso, le autorità pubbliche possono esercitare un diritto di prelazione .
Inoltre, secondo Raymonde Moulin, l'analisi dei risultati delle vendite pubbliche "richiede una sottile conoscenza del mercato riservata ai clienti abituali, per non dire agli addetti ai lavori".
Su scala globale, vengono identificati i seguenti attori del mercato dell'arte:
Nel 2018 gli Stati Uniti detenevano il 35% del mercato, la Cina il 31%.
Per cittàSecondo il rapporto 2017 pubblicato da Artprice relativo al solo settore dell'arte contemporanea, New York rappresenta il 43% delle vendite contro il 22% di Londra , il 10% di Hong Kong e l'8% di Pechino .
Nel 2017, per le vendite di arte classica, New York ha rappresentato il 31%, Londra il 19%, Hong Kong il 7% e Pechino il 16%.
Il crollo della piazza pariginaIl luogo di Parigi rappresentava nel 1950 l'80% del mercato mondiale dell'arte, nel 1990 rappresentava ancora il 40%, poi nel 2010 meno del 5% e nel 2016 è sceso al 3%. Per dare un ordine di grandezza, nel 1999, nella sola piazza parigina, lo storico Raymonde Moulin stimava il mercato delle aste e delle vendite private intorno ai 3 miliardi di euro.
Nel 2013 , il rapporto del Ministero della Cultura francese ha stimato il contributo economico dei mercanti d'arte (vendite private e pubbliche) a 2,7 miliardi di euro in un settore soggetto a delocalizzazione. Nel 2015 il fatturato francese delle vendite pubbliche era crollato a meno di 500 milioni di euro. Questo crollo si spiega principalmente con la globalizzazione del mercato che interessa tutte le forme d'arte, con la ricomparsa a cavallo degli anni Novanta di attori usciti di scena - per esempio la Cina, e questo, dal 1939 -, o l'affermazione della Place de Londres - che ha iniziato la liberalizzazione dal 1978 -, il giro d'affari di Place de Paris è tuttavia in costante crescita da cinquant'anni.
Ecco le prime 10 case d'asta d'arte classificate per fatturato in miliardi di dollari USA (2017):
| Rango | Società | Fatturato 2017 |
|---|---|---|
| 1 | Christie's | 4.45 |
| 2 | Sotheby's | 3.38 |
| 3 | Poli asta | 1.03 |
| 4 | China Guardian (it) | 0,82 |
| 5 | Phillips | 0,47 |
| 6 | Aste internazionali del Consiglio | 0,42 |
| 7 | Asta Rombon Pechino | 0.24 |
| 8 | Asta di Xiling Yinshe | 0,18 |
| 9 | Bonhams | 0.16 |
| 10 | Asta internazionale di Guangzhou Holly | 0.13 |
Negli ultimi trent'anni, vari studi hanno tentato di dimostrare la redditività del mercato dell'arte. A seconda delle configurazioni scelte, la redditività sarebbe inferiore al rendimento delle azioni (con redditività inferiore all'1%), altri studi mostrano il contrario con circa il 6-7%. Un polo di attrazione per l'arte come valore rifugio del patrimonio è stato stabilito durante lo scoppio delle bolle speculative.
Indici come l'Art Sale Index escludono generalmente dai loro calcoli risultati di vendita inferiori a duemila euro.
Nella relazione del Senato francese dedicata al mercato dell'arte, guidata dal senatore Yann Gaillard sulla speculazione sulle opere d'arte negli anni Ottanta e Novanta, si analizzano le condizioni "mitiche" di alti prezzi di mercato. supporti che si basano su una "selezione dei pittori più famosi al mondo, che si comprende intuitivamente che consiste nel solo trattenere per calcolare il rendimento della scommessa sulle corse che i cavalli piazzavano a fine fila. l'arrivo ". Sottolinea inoltre il ruolo sottovalutato dei commercianti e degli intermediari. "Investire in opere d'arte è una lotteria, la cui redditività non può essere soddisfatta tenendo conto solo dei biglietti vincenti: citiamo il caso di un'opera di David Hockney acquistata per 200 dollari nel 1961 e venduta. 2,5 milioni di dollari nel 1995, ha poco più significato che evocare il caso di un giocatore che ha vinto la tripletta; quello che va preso in considerazione sono tutte le spese sostenute dal vincitore - il costo di tutti i biglietti acquistati da tutti gli scommettitori”.
Nel 2014 le vendite all'asta di opere d'arte sono aumentate del 26% su base annua a $ 15,2 miliardi, di cui 1.679 aste superiori a $ 1 milione. Secondo Artprice , questo mercato nel 2015 offre rendimenti annuali dal +10 al 15% per le opere d'arte superiori a $ 100.000.
I critici si levano a denunciare abusi e sospettano che si tratti di vendite fittizie o montate per distorcere quotazioni, pratiche vietate o tollerate dagli States, nonché il mancato pagamento di un'opera su tre, ad esempio in Cina.
Nella prima metà del 2016, il mercato dell'arte si è fermato con un forte calo, gli osservatori hanno notato che l'offerta non soddisfa più la domanda.
Il 2018 è un anno di crescita per la maggior parte dei principali luoghi di vendita ad eccezione di Francia e Cina . Sono state realizzate 539.000 vendite (un record dalla fine della seconda guerra mondiale ) per un valore di oltre 15,5 miliardi di dollari. Gli Stati Uniti, la Cina e il Regno Unito hanno concentrato l'85% del mercato quell'anno.
In Francia, nel 2019, Sotheby's , acquisita ingiugno 2019di Patrick Drahi , domina il mercato francese come nel 2018 con un fatturato di 354,4 milioni di euro in aumento del 41% grazie alla collezione Claude e François-Xavier Lalanne che le ha permesso di superare Christie's . Drouot , con le sue sessanta case d'asta, mostra un calo rispetto al 2018 con 371 milioni di euro, calo causato dal fallimento di due suoi azionisti. La collezione François Pinault è cresciuta del 9,5% con un bilancio di 256,7 milioni di euro. La casa di Arturial è in terza posizione con 203,1 milioni di euro. Dopo un po' di distanza Aguttes con 66 milioni di euro, Millon con 47,5 milioni di euro, Tajan con 40,8 milioni di euro e Piasa con 31,5 milioni di euro.
L'opera d'arte antica più costosa dell'anno, La Dérision du Christ di Cimabue, è stata venduta27 ottobre 2019da Actéon per un importo di 24 milioni di euro. Classificato come tesoro nazionale, entrerà nella collezione Alana del suo acquirente Álvaro Saieh a Newark (Delaware) solo se il Museo del Louvre non sarà in grado di raccogliere i fondi che ne consentiranno l'anticipo entro il termine di trenta mesi. La casa d'aste Courtot de Dijon ha concluso il30 novembre 2019per 6 milioni di euro la vendita della Madonna col Bambino in trono del maestro di Vyšší Brod aggiudicata al Metropolitan Museum of Art di New York . Il gabinetto Éric Turquin ha effettuato la perizia di queste due opere così come quella di Caravaggio de Toulouse venduta il25 giugno 2019a J. Tomilson Hill ed esportato a New York al termine del periodo di divieto di uscita dal territorio nazionale.
Altri record sono stati fatti nel 2019, come la vendita di un dipinto di Pierre Soulages da parte della Maison Trajan per un importo di 9,6 milioni di euro, superiore ai 400.000 euro raggiunti da Christie's nel 2018, la vendita da Christie's di un dipinto di Nicolas de Staël per oltre 20 milioni di euro o quello di un'opera di Sam Szafran per 876.500 euro da Sotheby's.
In Francia, le opere d'arte sono considerate mobili , dal codice civile, distinte dai "mobili" il cui unico uso è quello di arredare un appartamento (sedia, tavolo, ecc.) essendo oggetti da collezione. Nel diritto francese si definiscono opera d'arte: tappeti e arazzi, realizzati con il cartone dell'artista e da lui stesso controllati, dipinti, dipinti e disegni realizzati interamente a mano dall'artista, incisioni e stampe originali, statue e sculture originali eseguite dal mano d'artista, ceramiche e smalti su rame firmati dalla mano d'artista, fotografie limitate a meno di trenta copie, installazioni e opere digitali meno di dodici copie. Gli oggetti da collezione come libri da collezione, veicoli da collezione, mobili, oggetti decorativi (se hanno più di cento anni), seguono un regime simile ma la cui IVA può essere diversa.
In Francia l'arte non è considerata un semplice "valore di investimento" ma rientra, secondo la legge Sapin , in "intermediazione in beni vari".
Il mercato si basa sull'identificazione delle opere e degli artisti, sull'expertise e sulla condizione delle opere. La fattura è autentica. Un artista che effettua una vendita senza intermediario deve fornire anche una fattura. Il valore dei certificati di autenticità è incerto, in quanto la perizia non è regolamentata.
I cataloghi ragionati o libri ragionati sono gli inventari delle opere di un artista redatti da uno specialista o da un esperto . Sono quindi strumenti ricercati per l'identificazione. Tuttavia, sono considerati giuridicamente come un'opera della mente, di conseguenza i cataloghi ragionati non hanno valore legale poiché sono soggetti alla totale libertà di espressione e di opinione dei loro autori.
Il Comitato Professionale delle Gallerie d'Arte (CPGA) pubblica un codice etico che definisce le pratiche professionali in uso e relative a legislazione, giurisprudenza e regolamenti.
Il sindacato nazionale delle gallerie d'arte antica, di seconda mano, moderna e contemporanea (SNCAO-GA) rilascia il marchio France-Europe Antiquités Qualité ed è registrato presso l' Istituto nazionale della proprietà industriale (INPI) e l' Organizzazione mondiale della proprietà intellettuale (OMPI). ) a Ginevra . Ha permesso di etichettare 52 eventi in Europa .
In Francia le professioni di antiquario e di rigattiere sono libere professioni dichiarate alle autorità prefettizie, e il titolo di esperto in arte non è regolamentato. Non va confuso con il giurista esperto di opere d'arte davanti alle corti d'appello.
In Francia, la legge n o 2000-642 del10 luglio 2000pose fine al monopolio dei banditori e liberalizzarono in una certa misura il mercato delle aste pubbliche . I prezzi di aggiudicazione annunciati dai banditori in sala sono detti “commissioni escluse”. Aggiungi i costi di aggiudicazione (tasse e commissioni) per trovare il prezzo pagato dall'acquirente e sottrai le tasse e le commissioni per trovare il guadagno del venditore. Inoltre, alle commissioni del banditore pagate dal venditore e dall'acquirente (circa il 10% di commissione per il venditore, 28% per l'acquirente) può essere aggiunto anche il diritto di seguito del 4%, o la tassa di importazione del 5,5%, se il l'opera è stata importata per la vendita in Francia dal venditore. I canoni sono soggetti ad IVA (20,6%) e la vendita è soggetta ad imposta sulle plusvalenze, imposta forfettaria del 5% per il venditore. Inoltre, se la vendita non raggiunge il prezzo di riserva, il venditore dovrà pagare al banditore il 3% del prezzo raggiunto, questa clausola è chiamata "riscatto". Inoltre alcuni banditori offrono al venditore una garanzia del preventivo (e quindi della vendita) contro l'1,5% in più del prezzo d'asta. Infatti il venditore riceve circa i due terzi del prezzo d'asta "costi esclusi", l'acquirente paga il 28% oltre al prezzo d'asta "costi esclusi", il banditore riceve circa un terzo del prezzo dei "costi esclusi" asta, tutte le tasse rappresentano circa l'11% del prezzo dell'asta “con costi”.
Le aziende possono acquisire opere di artisti viventi, il cui valore di acquisto è deducibile dal reddito imponibile se le opere sono accessibili ai propri dipendenti e ai propri clienti entro il limite del 5 / oo del fatturato.
Il mercato dell'arte francese beneficia di una tassazione speciale: le opere d'arte acquisite non sono, ad esempio, incluse nella base imponibile dell'ISF nel 2017.
La vendita di opere d'arte è soggetta all'autorità incrociata del Ministero della cultura, delle finanze e delle dogane: l'esportazione delle opere può essere vietata dalla classificazione automatica, il Codice del patrimonio . La dazione , a sua volta, consente a un erede di pagare le tasse di successione o di pagare il diritto di prelazione dello Stato.
In Francia nel 2010 l'asta media si aggirava sui cento euro, mentre l'asta di fascia alta si aggirava in media tra gli undicimila ei 33.500 euro.
Convenzione linguistica in uso per descrivere le opere distinguendo quelle di una certa origine da quelle considerate incerte.
GaranziaAi sensi dell'art 1 ° del decreto3 marzo 1981, i venditori nella vendita pubblica o privata di opere d'arte devono emettere fattura, ricevuta fiscale o certificato che specifichi la natura dell'opera d'arte secondo la terminologia.
Per la distinzione tra scultura “bronzo originale” e scultura “bronzo artistico” si rimanda all'articolo Bronze d'art (normativa francese).
Nel 2017 i primi 10 operatori del settore "arte e collezionismo" hanno registrato un volume d'asta di 477,4 milioni di euro, con una crescita del 9% rispetto all'esercizio 2017-2018. Il volume d'asta è la somma dei ricavi d'asta (PA). Secondo i dati del Voluntary Sales Council (2017), le aste di "arte e oggetti da collezione" rappresentano quasi il 15% del volume totale delle aste in Francia, il cui volume totale è di 3,089 miliardi.
| Rango | Società | PA 2016 | PA 2017 | Progressione |
|---|---|---|---|---|
| 1 | Sotheby's | 96 | 127 | + 32,3% |
| 2 | Artcurial | 93,1 | 118 | + 26,7% |
| 3 | Christie's | 136.6 | 99,7 | - 27% |
| 4 | agutte | 26 | 45.1 | + 79,6% |
| 5 | Pierre Bergé e associati | 21 | 26.6 | + 21% |
| 6 | Ader-Nordmann | 25 | ||
| 7 | Millon | 20.3 | 23,4 | + 15,3% |
| 8 | Tajan | 20,4 | 19,8 | - 2,9% |
| 9 | Cornette de Saint-Cyr | 12 | 17.5 | + 45,8% |
| 10 | Piasa | 17 | 15.3 | - 10% |
| 11 | Osenat | 13.7 | 13.7 | |
| HC | Drouot | 202.7 | 195.3 | - 3,7% |
Le merci saccheggiate durante la seconda guerra mondiale sono vietate dalla vendita a livello internazionale e devono essere restituite ai loro proprietari o beneficiari.
Sempre nell'ambito della “Convenzione per la protezione dei beni culturali in caso di conflitto armato” del 1954. Nel 2015, nell'ambito della lotta al finanziamento del terrorismo, il Consiglio di Sicurezza dell'ONU adotta la risoluzione 2199 che vieta il commercio di beni “illegali”. rimosso dall'Iraq dal6 agosto 1990 e la Siria dal 15 marzo 2011 », E la Commissione Europea vuole imporre un nuovo sistema di licenze da luglio 2017 .
Le opere d'arte non sono "libere di circolare" nello spazio europeo e non possono essere esportate senza l'autorizzazione della dogana e del Ministero della Cultura. È vietata anche la vendita di oggetti trafugati - e dichiarati tali - su banche dati come quella dell'Ufficio centrale per la lotta al traffico di beni culturali .
L'occultamento di opere d'arte rubate è senza limiti di tempo poiché la legge del 30 novembre 1987.
Anche gli oggetti d'arte realizzati con animali in via di estinzione secondo la Convenzione di Washington del 1973 nota come CITES (Convenzione sul commercio internazionale delle specie minacciate di estinzione) sono vietati dalla vendita e dal trasporto .
Da gennaio 2020, l' Unione Europea ha applicato le regole AMLD5. Mirano, negli Stati membri, a combattere le pratiche di riciclaggio di denaro a vantaggio del terrorismo. Il mercato dell'arte è uno dei settori presi di mira da queste regole con obblighi di chiarezza e trasparenza sulle identità di acquirenti, venditori e dei vari attori di una transazione.
Per poter custodire opere e oggetti da collezione senza doverli dichiarare (al fisco, alla dogana) e quindi evitare di pagare tasse di importazione, IVA, ecc., per ogni transazione o spostamento, alcuni importanti collezionisti utilizzano i " porti franchi ". come Ginevra , Lussemburgo o Singapore . Si dice che nel porto franco di Ginevra siano conservate quasi un milione di opere d'arte.
Nel 2015 è scoppiato uno scandalo nel porto franco di Ginevra (creato 125 anni fa), tra un collezionista russo e il proprietario del porto franco in qualità di spedizioniere, sulla vendita di opere tra cui una di Leonardo di Vinci , il Salvator Mundi , uno di Modigliani ( Nudo su un cuscino blu ) e un Rothko.
Il Regno Unito è un paese di diritto consuetudinario che non ha un codice commerciale che regoli le aste pubbliche, quindi la definizione di opere d'arte è più semplice.
L'asta è un contratto di diritto comune stabilito tra l'acquirente, il banditore (il banditore) e il venditore sulla qualità dell'oggetto venduto.
I banditori sono raggruppati in due sindacati professionali. La professione è libera senza formazione specifica. Le commissioni sono equivalenti, dal 10 al 20%. Inoltre non esiste la garanzia decennale, la qualità dell'oggetto deve essere contestata al ricevimento dell'oggetto. Tuttavia, Christie's o Sotheby's offrono una garanzia di cinque anni se l'articolo è un falso. Inoltre, il venditore sarà tassato sulla differenza tra £ 6.000 e il prezzo di vendita, su una scala del 10%, 20% o 40%. Da1 ° gennaio 2010, gli artisti residenti in Inghilterra beneficiano del “droit de suite”.
Inoltre, le case d'asta negli Stati Uniti e in Inghilterra possono garantire i prezzi di vendita al venditore e la redditività dell'acquisto all'acquirente in x anni, da prestare o organizzare il prestito di una parte del prezzo di acquisto, garantendo così l'investimento effettuato. Le aziende di Banditori possono così avere un'attività bancaria. Possono anche essere quotate in borsa.
Negli Stati Uniti, i musei possono vendere o rivendere tutte o parte delle loro collezioni per sostenere i loro musei. Solo le opere dichiarate "inalienabili" dai musei nazionali sono invendibili e sono rare. La mossa del banditore e dell'asta poi ottimizza i flussi finanziari creati sia per il venditore che per l'acquirente, poiché in questo caso l'acquisto e la vendita sono fiscalmente differiti.
Negli Stati Uniti, la definizione di opera d'arte fu stabilita attraverso la causa vinta nel 1928 dallo scultore Brancusi contro le dogane americane che desiderava tassare pesantemente la sua scultura di uccello in acciaio come manufatto e si rifiutava di concepirla come arte.
Garanzia di terzi e finanziarizzazioneParticolarità delle vendite a New York, la cosiddetta "garanzia del prezzo di "terzi" stabilisce, o che un terzo si impegni un prezzo minimo, fermo e noto prima della vendita, o che prima della vendita sia firmato un contratto segreto e non divulgato tra il banditore e una terza parte da un ordine di acquisto irrevocabile, una vendita ferma ad un determinato prezzo superiore alla stima bassa. Questa terza parte può quindi partecipare anonimamente all'asta oltre il prezzo garantito e beneficiare di eventuali retro-commissioni. Il prezzo ottenuto non riflette più l'adeguatezza tra domanda e offerta, ma la costituzione di un contratto finanziario su un determinato valore. Le commissioni dell'acquirente sono quindi molto diverse a seconda che l'acquirente sia il garante o un altro offerente. Il Voluntary Sales Council (Francia) sottolinea che "la finanziarizzazione della fascia molto alta rischia di minare la trasparenza dei prezzi" . Attraverso questi impegni commerciali, il prezzo di alcune opere d' arte contemporanea aumenta meccanicamente tra 53 233 e 47 milioni di dollari, ma questo rappresenta di fatto solo il 5% delle aste di arte contemporanea del 2017-2018 di cui il 95% ha un risultato inferiore a $ 53.233.
Nel luglio 2015, il governo tedesco propone di "tappare" il mercato dell'arte con il divieto di lasciare il Paese (soggetto a condizioni) per opere di età superiore a 50 anni o di valore superiore a 150.000 euro. Questa proposta creò uno scandalo, i pittori Georg Baselitz e Gerhard Richter ritirarono i loro dipinti in deposito nei musei tedeschi e dichiararono di voler partire. Nelluglio 2016, la legge sul patrimonio è adottata con modificazioni. Stabilisce “soglie per l'esportazione di opere d'arte in Europa e subordina l'uscita dei beni culturali all'ottenimento di un passaporto. Pertanto, un oggetto archeologico può essere venduto solo se accompagnato da un certificato di esportazione del Paese di origine” , oltre al passaporto tedesco. Anche se c'era una dimostrazione su4 luglio 2016 con più di 48.000 persone che difendono il diritto alla collezione privata, è stata adottata la legge con il divieto di lasciare il Paese per tutte le opere di età superiore a 75 anni e per tutte quelle superiori a 300.000 euro.
L'“IVA” sulle opere d'arte è aumentata al 19% e l'imposta sociale, pagata dai commercianti per finanziare la previdenza sociale degli artisti, è stata fissata al 5,2% dal 2014.
La fotografia non è considerata un'opera d'arte per il diritto svizzero.
Gran parte dell'attuale negoziazione nel mercato russo avviene in contanti. C'è un gran numero di attori che si rifiutano di stipulare contratti legali. Nessuno sembra fidarsi che lo stato conservi i dati personali per timore che vengano riutilizzati per scopi sospetti. La catalogazione delle collezioni pubbliche è ancora incompleta. Anche se c'è un aumento del livello di competenza di alcuni giocatori, il mercato russo rimane vulnerabile alle truffe.
Nel XV ° secolo, l'umanesimo , vero ideale, ha vinto l'elite e poi diffusa e nozioni di gusto, la curiosità, e una migliore comprensione delle passate epoche storiche plasmare le menti di intenditori e amanti: stiamo assistendo ad una caccia per gli oggetti antichi , ed è l'Italia che diventa territorio di tale traffico; la domanda è tale che si moltiplicano le copie, rivendute come originali. Si passa dalla nozione di “tesoro” (quella di Carlo V di Francia , ad esempio , inventariato) a quella di collezione. Gabinetto delle curiosità , studiolo , spazi privati colmi di oggetti, diventano vetrine, visitate da privilegiati che testimonieranno la ricchezza accumulata qua e là. Durante la seconda metà del XV ° secolo, sia in Italia e le Fiandre, un punto di svolta si verifica quando i tavoli sono che si alzano alla dignità di oggetti da collezione. Diventerà quindi fondamentale il ruolo dei libri di repertorio e delle incisioni : essi consentono di riprodurre e diffondere attraverso la descrizione e l'immagine ciò che resta rinchiuso. Violenti vicende politiche, come il sacco di Roma da parte delle armate di Carlo V nel 1527, avvenuto durante le guerre in Italia , produssero movimenti di opere d'arte, da sud a nord. Inoltre, l'oro delle conquiste spagnole produsse un afflusso di liquidità in Europa, che consentì tra l'altro l'acquisizione di opere d'arte.
Apparso durante il Rinascimento , il mercato dell'arte è stato a lungo un mercato spaccato tra le città del Nord Europa, Anversa e Bruges , e le città del Sud, Firenze e Venezia , dove predomina un modello legato all'ordine ecclesiastico o principesco. Grandi collezioni sono poi opera di principi o vescovi di Mantova , Roma , Parigi o Londra . Tra il 1580 e il 1680, ad esempio, nei Paesi Bassi furono vendute tra 4,5 e 5,3 milioni di opere d'arte, dove emerse una grande borghesia mercantile desiderosa di collezionare per mostrare il suo potere simbolico: questo slancio genera una forte concorrenza, una moda, e quindi un aumento della domanda di oggetti.
Nel XVII ° secolo sembrano case d'asta che permettono i commercianti riduzione delle scorte loro invenduti ed era a Londra che le aste sono regolati per la prima volta. Le più grandi collezioni private di quel tempo, per esempio quelli di Carlo I ° d'Inghilterra , Mazzarino , il Gonzaga o Everhard Jabach , scoppiano. Tali movimenti lasciano tracce sulle transazioni di quel tempo, modificano il volume dell'offerta, suscitano curiosità, suscitano vocazioni. Alcuni collezionisti, soprattutto nelle Fiandre, commissionano ai pittori la rappresentazione del loro “gabinetto d'arte”, una stanza con pareti ricoperte di tele e riempite di sculture, una testimonianza che ora consente ai ricercatori di valutare la qualità, il volume e l'origine di alcuni dipinti e oggetti .
Nel XVIII ° secolo, nato nella vendita di case ancora all'asta attivo come Dorotheum , fondata a Vienna nel 1707, Sotheby , fondata a Londra nel 1744, e Christie nel 1766. Dopo la comparsa delle vendite di Londra, il concessionario Edme-Francois Gersaint introdotto la pratica delle aste a Parigi. Nel suo Salon del 1767 , Denis Diderot , lungi dal deplorare lo schiacciante monopolio di Stato rappresentato dall'Esposizione Ufficiale di Parigi che si tiene ogni due anni, loda le virtù di tale sistema in nome della collocazione che un dipinto rappresenta per il futuro eredi. Prosegue la sua analisi mostrando che il Salone costituisce una garanzia per l'acquirente, l'artista che si sforza di produrre il meglio che può, la mostra che funge da filtro. Era poco prima che apparissero anche i primi critici d'arte, con liti tra esperti in corso su opuscoli. Da quel momento in poi, ci siamo anche stupiti del motivo di un tale prezzo, dell'evoluzione delle quote, della fuga su certi tavoli. I vari attori del mercato dell'arte come li conosciamo oggi si stanno configurando. Diderot, anche, è lasciata con il suo amico Melchior Grimm , al centro di una delle più grandi offerte del XVIII ° secolo: l'acquisizione da parte di Caterina II di Russia nella collezione Crozat (1771) per l'Eremo .
Christie's inaugura senza dubbio la prima grande operazione che segna la svolta di un'epoca, scossa dalla crisi economica e dalla Rivoluzione francese: nel 1798, la casa londinese è attiva attorno a ciò che resta dei dipinti dell'immensa collezione della casa d'Orléans .
Nel frattempo, il commercio d'arte e la sua pratica all'asta sono messi in discussione da filosofi come Adam Smith , nel suo saggio, Ricerche sulla natura e le cause della ricchezza delle nazioni (1776). Si chiede perché un arazzo valga meno di un quadro quando ci sono volute molte più ore di lavoro? perché i nobili vogliono acquistare questo tipo di pittura piuttosto che un altro equivalente? Conclude che il valore dell'opera d'arte non è intrinseco all'opera, ma è una rappresentazione del potere di chi l'acquista.
Il XIX ° secolo, spettacoli sega grandi collezioni universali, formate dai fondi nazionalizzate, musei come il Louvre di Parigi ( "arti del Museo Repubblica Centrafricana," 1793), l' Alte Pinakothek di Monaco di Baviera e la National Gallery di Londra (1824). Queste grandi collezioni acquistano patrimonio europeo, da antiquari o intermediari, quando non raccolgono il frutto di sequestri politico-economici, o di guerra (che possono aver portato a restituzioni). A metà del XIX ° secolo, il sistema di importanti gallerie internazionali che rappresentano gli artisti appaiono esclusivamente con i commercianti come Colnaghi , Adolphe Goupil , Charles Sedelmeyer , Roland Knoedler , Thomas Agnew e Paul Durand-Ruel , che difenderanno i impressionisti .
Dalla fine del XIX ° secolo, Parigi divenne il fulcro del commercio triangolare dell'arte europea continentale tra New York e Londra, ma Berlino gioca un ruolo significativo. Fu il mercante Joseph Duveen che, tra il 1906 e il 1930, istituì la più grande rete tra ricchi compratori americani e venditori europei. In Francia, le opere vengono vendute nelle gallerie , nelle vendite dell'hotel Drouot o ritirate dal negozio ai mercatini delle pulci di Saint-Ouen . Parigi rimase inevitabile fino agli anni '70, quando New York divenne il principale luogo di commercio internazionale.
La storia dell'arte si basa sul piano storiografico alla metà del XIX ° secolo per tentare di catalogo, individuare, file di opere originali acquistati o messi in vendita, ricostruendo la vita degli artisti e delle loro opere, con la creazione di scuole come il Louvre dipartimenti scolastici o specializzati delle maggiori università americane, che poi acquisteranno gli archivi di mercanti o artisti.
Con la diffusione della ricchezza dopo la seconda rivoluzione industriale, i borghesi seguente protocollo e durante il periodo dei musei costituzione del XVIII ° secolo, il mercato ha gradualmente democratizzato in tutti i paesi occidentali. Tuttavia, è molto suddiviso in base ai prodotti e agli stili. Il suo tipo di riconoscimento, convenzionale (accademico) o meno, è legato all'esistenza delle Belle Arti riconosciute come tali.
La storia del mercato dell'arte è legata alle grandi collezioni di “grandi collezionisti” di antiquariato e dipinti rinascimentali. Evoluzione nel corso dei secoli, attraverso i secoli d'oro, in Olanda nel XVII ° secolo, Parigi, nel XX ° secolo, o periodi di dieta, il concetto del mercato dell'arte è stato ed è ampiamente commentato in filosofia che le opinioni che l'arte è un atto politico e una rappresentazione politica, in sociologia, nella storia dell'arte .
Oggi molto pubblicizzato per questi record di prezzo, il mercato dell'arte internazionale si basa su un centinaio di artisti rinomati e famosi commercianti, come Christie's , Gagosian e Sotheby's , nelle principali capitali come Basilea , Londra , New York e Shanghai . Il mercato è quindi fortemente oligopolistico , cioè concentrato tra pochissimi attori-venditori. L'oggetto stellare è la pittura, ma altri campi sono in aumento come l'antica orologeria, i gioielli, ecc.
Dal 2000 i prezzi del mercato dell'arte (e della pittura in particolare) hanno continuato a salire. Lo spiega una combinazione di fattori: l'aumento del numero dei miliardari (nel solo 2014 sono 2.325, in crescita del 7% nell'anno); la contrazione dell'offerta (le opere acquistate dai musei scompaiono dal mercato, in genere permanentemente) mentre la domanda esplode con l'industria museale che è diventata un vero e proprio settore economico (moltiplicazione del numero di musei e centri d'arte, pubblici o privati nel mondo ); garanzia delle vendite delle case d'asta (anche se significa pagare di tasca propria la differenza); il ruolo di rifugio sicuro dell'arte in un mondo finanziario incerto.
Tuttavia, se analizziamo per area, solo per la pittura, l'evoluzione dei prezzi per ogni periodo, tra il 1998 e il 2015, rivela tendenze non uniformi: vecchi maestri , offerta stabile ma rara; XIX ° secolo, in declino; arte moderna , in declino; dopoguerra, tendenza al ribasso; arte contemporanea , trend in ascesa. Nel complesso, l'artista moderno più popolare in questo segmento di mercato oggi è Pablo Picasso , come mostrano le statistiche di seguito.
Il mercato dell'arte moderna e contemporanea prima della crisi 2007-2008A livello globale, come nei decenni precedenti, il mercato dell'arte è ancora concentrato in pochi paesi. Nel 2000 gli Stati Uniti rappresentavano il 49,8% del mercato, contro il 28,75% del Regno Unito e il 5,6% della Francia. Si tratta in totale di un mercato che la Commissione Europea stima in 8 miliardi di euro mentre il senatore francese Yann Gaillard lo stima in 2,29 miliardi di euro per soli dipinti e disegni.
Secondo i dati di Artprice del 2004, gli Stati Uniti rappresentano il 46,3% del mercato totale, il Regno Unito il 26,9%, la Francia il 7,2%, l'Italia il 3,7%, la Germania il 2,9% e Hong Kong l'1,9%. Nello stesso anno 2004, i record d'asta furono stabiliti da Pablo Picasso con Il ragazzo con la pipa , venduto il5 maggioper 93 milioni di dollari, Paul Gauguin per Maternity (II) ha venduto il4 novembreper 35 milioni di dollari e Amedeo Modigliani per Jeanne Hébuterne davanti a una porta ceduta4 novembre per 28 milioni di dollari.
Nel 2006, il volume di vendita cumulativo delle opere dell'artista ha mostrato un chiaro dominio di moderni e contemporanei tra cui Pablo Picasso ($ 399 milioni), seguito da Andy Warhol ($ 199 milioni), Gustav Klimt ($ 175 milioni) e Willem de Kooning ( $ 175 milioni) $ 107 M), quattro artisti che superano la soglia dei 100 milioni, seguiti da Amedeo Modigliani ($ 91 M), Marc Chagall ($ 89 M), Egon Schiele ($ 79 M), Paul Gauguin (62 M) $), Henri Matisse ($ 60 milioni) e Roy Lichtenstein ($ 60 milioni).
Alla fine del 2007 il mercato dell'arte ha conosciuto alcune turbolenze, che Artprice ha legato alla crisi dei subprime , ma si è confermato il trend rialzista osservato da diversi anni sul mercato dell'arte contemporanea. Quell'anno, il dipinto più costoso del mondo sarebbe stato il n. 5, 1948 a Jackson Pollock , venduto 140 milioni di dollari, battendo il precedente record di 135 milioni di dollari per Ritratto di Adele Bloch-Bauer I di Gustav Klimt .
Dal 2010Dal 2004 il mercato è sempre stato dominato da un prodotto di punta, la vernice, e un nuovo player, la Cina, è entrata nel mercato mondiale, diventando leader e trasformando notevolmente la situazione. Nel 2010, secondo Artprice , la Cina (con Hong Kong) rappresentava il 33% del mercato delle aste, gli Stati Uniti il 30%, il Regno Unito il 19% e la Francia il 5%. Quell'anno, l'artista con il più alto fatturato di vendita al pubblico era Qi Baishi , davanti a Zhang Daqian , Xu Beihong e Fu Baoshi . Nella classifica dei dieci artisti contemporanei che hanno avuto i volumi d'asta più importanti, sei sono artisti cinesi, ovvero Zeng Fanzhi , Chen Yifei , Wang Yidong , Zhang Xiaogang , Liu Xiaodong e Liu Ye contro tre americani, Jean-Michel Basquiat , Jeff Koons e Richard Prince . Sempre nel 2010, gli artisti che hanno raggiunto le dieci aste più importanti per una singola opera sono Pablo Picasso ($ 95 milioni), Alberto Giacometti ($ 92,5 milioni), Amedeo Modigliani ($ 61,5 milioni), Andy Warhol ($ 56,5 milioni), Wen Zong ($ 44,8 milioni), Henri Matisse ($ 43,5 milioni ), JMW Turner ($ 40,2 milioni), Gustav Klimt ($ 38,2 milioni), Roy Lichtenstein ($ 38 milioni) e Lawrence Alma-Tadema ($ 32 milioni).
Nel 2014, gli artisti per i quali il volume cumulato di transazioni è il più alto sono, in milioni di dollari: Pablo Picasso (345,8 M $), Andy Warhol (299,2 M $), Francis Bacon (236,5 M $ $), Claude Monet ( $ 176,6 milioni), Qi Bashi ($ 168,9 milioni), Gerhard Richter ($ 159,2 milioni), Mark Rothko ($ 146,4 milioni), Jean-Michel Basquiat (131, $ 9 milioni), Alberto Giacometti ($ 116,7 milioni) e Zhang Daqian ($ 118,5 milioni). Questi risultati mostrano che Picasso e Warhol dominano ancora la vetta della classifica dal 2006.
Nel 2015, per un singolo quadro di Picasso, è stato battuto il record precedente con, in una vendita pubblica, 179 milioni di dollari (con canone) per Les Femmes d'Alger , versione "O" ( Christies sale , New York,maggio 2015). Per le vendite da banco si arriva a 300 milioni di dollari per Nafea Faa Ipoipo? di Paul Gauguin (acquisito dai musei del Qatar,febbraio 2015).
Il 15 novembre 2017, viene venduto il dipinto più costoso fino ad oggi al mondo, Salvator Mundi attribuito a Leonardo da Vinci , per 450,3 milioni di dollari (Christie's New York sale).
Il settore è gravemente colpito dalla crisi sanitaria del coronavirus nel 2020.
Dalla fine degli anni 2000 e dall'inizio degli anni 2010, il mercato dell'arte online ha registrato una forte crescita. Nel 2013, ha rappresentato $ 1,37 miliardi, nel 2014, $ 2,64 miliardi; è stato stimato che raggiungerà i 6,3 miliardi nel 2019.
Esistono due forme di vendita: le vendite totalmente dematerializzate, scaglionate su più giorni con aste asincrone, senza collegamento ad una sala d'aste, e le vendite in tempo reale collegate ad un'operazione in corso in una sala d'aste. I primi non consentono di vedere e capire fisicamente l'oggetto, solo le immagini sono accessibili all'acquirente, il che è ovviamente contrario a qualsiasi forma di buon senso.
Esistono diversi tipi di iniziative tra cui:
L'Osservatorio del Social Web nell'Arte Contemporanea ha pubblicato nel 2016 uno studio intitolato “Il mercato dell'arte e il Social Web nel 2016” che riporta l'arretratezza della Francia nell'arte contemporanea sui social network. Si noti, tuttavia, che il sito Artprice , lanciato nel 1997, è sviluppato da un operatore del mercato francese.
Le vendite in Francia del settore “arte e collezionismo” sono passate da 14 a 20 milioni di euro tra il 2015 e il 2017, in un mercato strutturalmente dominato dal vino d'annata.
Nel 2019, la casa d'aste Christie's ha deciso di pubblicare online i risultati delle sue aste, poiché la mancanza di trasparenza nelle vendite online è considerata un ostacolo allo sviluppo del settore.
Nel 2020, la crisi sanitaria del coronavirus sta accelerando la digitalizzazione del mercato dell'arte. Le vendite di Christie's , Sotheby's e Phillips sono cresciute del 436% nella prima metà del 2020 rispetto allo stesso periodo del 2019.
Dalla creazione dei social network e sempre più negli anni, si è creato un mercato dell'arte parallelo. Sempre più artisti Venderebbero ora direttamente dalle loro pagine Twitter, Facebook o Instagram. Quest'ultimo è il più ricercato dagli amanti dell'arte.
La storia dei falsi nell'arte è antica quanto l'arte stessa. Nel 2012 l' FBI ha svelato un caso di falsi dipinti di pittori americani moderni, coinvolgendo una delle più prestigiose gallerie d'arte, Knoedler (New York). L'importo della truffa ammonta a 80 milioni di dollari e porta la galleria a chiudere i battenti.
Nel settembre 2016, fa esplodere la vicenda del “ finto quadro Cranach ” durante la Biennale des Antiquaires de Paris.
Nello stesso anno, anche in Francia, esplodono attività denominate "falsi mobili XVIII ° secolo Maria Antonietta " e "stilisti". La prima coinvolge vari esperti, case d'asta, gallerie, antiquari e curatori di musei. Diversi mobili falsi realizzati con l'aiuto dell'esperto Bill Pallot furono venduti alla Reggia di Versailles come originali, i curatori non avendo riconosciuto la contraffazione. Nelmaggio 2018, il giornalista Vincent Noce rivela, su Le Quotidien de l'art , l'accusa fin dal11 gennaio 2018“mezza dozzina di professionisti dell'ebanisteria e del mercato dell'arte” tra antiquari ed esperti già coinvolti nella vicenda dei “falsi mobili Maria Antonietta”. Questo rimbalzo è rivolto a una ventina di mobili finti Boulle , compresi i due armadi venduti per circa 30 milioni di euro ad AXA per il Grand Salon dell'Hôtel de La Vaupalière .
Questi vari scandali sono accompagnati da voci regolari, che minano il mercato e relative a mobili falsi di designer moderni degli anni '30 e '50, prodotti a partire dal 2000.
È importante notare che le tecniche di analisi (qui dendrocronologia ) di fabbricazione e datazione dei legni utilizzati in ebanisteria hanno fatto progressi, molti mobili sono declassificati. In Svizzera, un laboratorio scientifico ha addirittura affermato, dal 2014, che dal 70 al 90% delle opere che deve analizzare sono falsi e che metà del mercato dell'arte riguarda falsi.
Nel novembre 2018, la stampa specializzata rivela che l'80% dell'arte aborigena attualmente prodotta e destinata al mercato dell'arte non presenta alcuna garanzia di autenticità.
Nel dicembre 2018, Il quotidiano spagnolo El Pais mostra che il 99% dei pezzi di antiquariato di pre-ispanica o arte pre-colombiana venduta in Spagna, sono falsi fabbricati a partire dalla metà del XIX E secolo e questo senza interruzione fino ad oggi.
schema PonziCerti investimenti finanziari in opere d'arte, fotografie o manoscritti che promettono ritorni strabilianti nascondono in realtà schemi Ponzi : l'affare Aristophil (2015), poi quelli di Artecosa/Signatures (2018), che è un'emanazione dei primi, come si evince da, hanno danneggiato più di 35.000 persone. Nel 2014 la società Marble Art Invest è stata denunciata dalle autorità di vigilanza del mercato: ha offerto investimenti finanziari con rendimenti del 16% annuo su opere d'arte che si sono rivelate falsi dipinti realizzati in Romania, ferendo 350 persone.
documenti di PanamaNel aprile 2016, le rivelazioni della stampa note come “ The Panama Papers ” dimostrano l'uso di società opache e offshore a Panama da parte di vari attori del mondo dell'arte (collezionisti, eredi, gallerie e casa d'aste).
Tali rivelazioni su operazioni fraudolente riguardano, tra l'altro, il furto e l'occultamento di opere trafugate nonché atti vari.
Drouot affari "colletto rosso"Il 6 settembre 2016, l' Unione dei commissari dell'albergo di vendita (UCHV) dell'hotel Drouot di Parigi viene processata e condannata per furto e occultamento da parte di una banda organizzata. I "colletti rossi", seguendo il soprannome dato agli handler che lavoravano nella sala d'asta, avevano preso l'abitudine di accantonare oggetti e lotti che vendevano nel proprio interesse con la complicità di alcuni banditori. L'UCHV è sciolto.
Non esiste un diploma di maturità specifico nel settore del mercato dell'arte. Per la professione di banditore è necessaria una doppia laurea, una in giurisprudenza e l'altra in storia dell'arte , con a seconda delle affinità, specialità in arti applicate, archeologia o arti plastiche. Non è richiesto alcun diploma per esercitare la professione di antiquario . Ci sono, tuttavia, molti scapoli e maestri specializzati nel commercio dell'arte e scuole come l' Institut d'études supérieure des arts , un pioniere mondiale aperto nel 1985, o l' École du Louvre , che, ad esempio, offre corsi di storia. per periodo e disciplina, ma anche corsi di management adattati. Per quanto riguarda la qualità di esperto in arte, esistono gruppi di professionisti che rilasciano attestati che attestano la professionalità e che si basa su un grado di esperienza acquisita, oltre che sulla capacità di circondarsi di scienziati, permettendo di diventare un “esperto riconosciuto” : in Europa il titolo di esperto non ha ancora un quadro giuridico preciso. I mestieri relativi ai fondi di investimento richiedono forti competenze in ambito finanziario .
Per quanto riguarda i mestieri legati alle istituzioni museali, i concorsi per l'assunzione di curatori del patrimonio sono organizzati dall'Istituto Nazionale del Patrimonio per conto dello Stato, della Città di Parigi e delle autorità locali.
Negli Stati Uniti, ad oggi, non esiste una formazione MBA specifica nel mercato dell'arte. Ogni anno l'intero tessuto educativo viene graduato e valutato in base alle esigenze del mercato e alle specialità offerte, lo studente o il professionista può quindi orientarsi in base alle potenzialità mostrate da ciascuna istituzione. Completamente privato e distaccato dal curriculum universitario, il Sotheby's Institute of Art, organizzazione fondata nel 1969 da Sotheby's , ha tre sedi, New York, Los Angeles e Londra, e offre corsi di formazione specializzati di un semestre. Dal 1932, il Courtauld Institute di Londra , completamente privato, forma nuove generazioni di curatori, galleristi, critici e mediatori.